Arte, por Juan Sebastián Ocampo

ARTEA TRAVÉS DE LA HISTORIA

Juan Sebastián Ocampo

Gustav Klimt Fue un pintor simbo-

lista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movi-miento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de ar-tesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la Secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario ro-mántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurren-tes fuentes de inspira-ción. Sus obras están

dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz, en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eró-ticos de Rodin e Ingres. Klimt se convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un modo u otro con los más notables círculos intelec-tuales del momento, en una época en la que Viena estaba dejando de ser la capital mundial del arte.

La obra de Klimt se ha identificado con

la suntuosa decoración

Baumgarten, 14 de julio de 1862

Alsergrund, 6 de febrero de 1918

Danae1907-190877 × 83 cm Leopold Museum ViennaÓleo en lienzo

1basada en dorados y elementos ornamentales de vivos colores, aun-que también con formas fálicas encubiertas que indican el carácter de los dibujos en que se ins-piraban. En la primera versión de Judith, por ejemplo, aunque también en El beso y, sobre todo, en la Dánae de 1907 apa-recen elementos abstrac-tos de un carácter sexual inconfundible.

El beso (original en alemán: Der Kuss) es probablemente su obra más conocida. Es un óleo sobre lienzo de 180 x 180 centímetros, realizado entre 1907-08.Esta obra, que sigue los cánones del Simbolismo, es una tela con decoraciones y mosaicos de fondo dorado.Está expuesta en la Österrei-chische Galerie Belvedere de Viena.

Caravaggio

Pintor italiano. Princi-pal figura de la pintu-

ra italiana de su tiempo, aprendió el arte pictórico de un maestro de segun-da fila, Simone Peterza-no, y sobre todo a partir del estudio de las obras de algunos artistas vene-cianos. De 1592 a 1606 trabajó en Roma, donde no tardó en destacar no sólo por su original enfo-que de la obra pictórica, sino también por su vida irregular, en la que se sucedían lances, peleas y episodios reveladores de su carácter tempestuoso y su falta de escrúpulos.

De Caravaggio se ha dicho que fue un

revolucionario tanto por su vida turbulenta como por su pintura, en la que planteó una oposición consciente al Renacimiento y al manierismo. Siempre buscó, ante todo, la intensidad efectista a través de vehementes contrastes de claroscuro que esculpen las figu-ras y los objetos, y por medio de una presencia física de vigor incompa-rable. Al evitar cualquier vestigio de idealización y hacer del realismo su bandera, pretendió ante

Milán, 29 de septiem

bre de 1571 Porto Ércole, 18 de julio de 1610

Judit y Holofernes 1599Pintura al óleo • Barroco144 cm × 195 cmGalería Nacional de Arte Antiguo, Roma, Italia

2todo que ninguna de sus obras dejara indiferente al espectador. Desde el principio de su estancia romana rechazó la carac-terística belleza ideal del Renacimiento, basada en normas estrictas, y eligió el camino de la verdad y el realismo, realizando sus obras mediante copias directas del natural, sin ningún tipo de prepara-ción previa.

Crucifixión de San Pedro: Es óleo sobre lienzo, de carácter intencionadamente antiheroico y anti-áu-lico.La pintura representa el martirio de San Pedro por medio de la crucifixión, si bien Pedro pidió que su cruz fuera puesta al revés para no imitar a su maestro, Cristo. El gran lienzo muestra a tres esbirros romanos, figuras tenebrosas, con el rostro oculto o apartado, luchan-do por erigir la cruz del anciano pero musculoso san Pedro. Pedro es más pesado de lo que su cuerpo con muchos años sugeriría, y la erección de su cruz requiere los esfuerzos de tres hombres, como si el crimen que perpetran ya les pesara. Es una escena sombría que se desarrolla en un campo pedregoso.

El GrecoFue un pintor del final-

del Renacimiento que desarrolló un estilo muy personal en sus obras de madurez.

Hasta los 26 años vivió en Creta, donde fue

un apreciado maestro de iconos en el estilo pos-bizantino vigente en la isla. Después residió diez años en Italia, donde se transformó en un pintor renacentista, primero en Venecia, asumiendo plenamente el estilo de Tiziano y Tintoretto, y después en Roma, estu-diando el manierismo de Miguel Ángel. En 1577 se estableció en Toledo

(España), donde vivió y trabajó el resto de su vida.

Su formación pictórica fue compleja, obtenida

en tres focos culturales muy distintos: su primera formación bizantina fue la causante de importan-tes aspectos de su estilo que florecieron en su madurez; la segunda la obtuvo en Venecia de los pintores del alto renaci-miento, especialmente de Tiziano, aprendiendo la pintura al óleo y su gama de colores —él siempre se consideró parte de la escuela veneciana—; por último, su estancia en

Candía, 1541 Toledo, 1614

LaocoonteEl Greco, 1609Óleo sobre lienzo • Manierismo137 cm × 172 cmGalería Na-cional de Arte (Washington), Estados Unidos

3Roma le permitió cono-cer la obra de Miguel Án-gel y el manierismo, que se convirtió en su estilo vital, interpretado de una forma autónoma.

Su obra se compone de grandes lienzos

para retablos de iglesias, numerosos cuadros de devoción para institu-ciones religiosas -en los que a menudo participó su taller- y un grupo de retratos considerados del máximo nivel. En sus primeras obras maestras españolas se aprecia la in-fluencia de sus maestros.

Adoración del nombre de Jesús: Esta obra es considerada por algunos espe-cialistas como la primera obra encargada por el mecenazgo del rey Felipe II. En la National Gallery de Londres se conserva un boceto prepara-torio. También se le conoce con el nombre de La Gloria.Los personajes representados, además de Felipe II, serían Pío V, patrocinador de la Liga Santa contra el Imperio Otomano, y Juan de Austria, vence-dor de la batalla de Lepanto. Oros personajes se encuentran en la parte superior rodeados de una corte de ángeles.

RembrandtFue un pintor y gra-

bador holandés. La historia del arte le consi-dera uno de los mayores maestros barrocos de la pintura y el grabado, siendo con seguridad el artista más importante de la historia de Holanda.1 Su aportación a la pintura coincide con lo que los historiadores han dado en llamar la edad de oro holandesa, el considerado momento cumbre de su cultura, ciencia, comer-cio, poderío e influencia política.

Habiendo alcanzado el éxito en la juventud,

sus últimos años estuvie-

ron marcados por la tra-gedia personal y la ruina económica. Sus dibujos y pinturas fueron siempre muy populares, gozando también de gran predica-mento entre los artistas, y durante veinte años se convirtió en el maestro de prácticamente todos los pintores holandeses.2 Entre los mayores logros creativos de Rembran-dt están los magistrales retratos que realizó para sus contemporáneos, sus autorretratos y sus ilustraciones de escenas bíblicas. En sus autorre-tratos, especialmente, encontramos siempre la

Leiden, 15 de julio de 1606 Ám

sterdam, 4 de octubre de 1669

La ronda de nocheRembrandt, 1642Óleo sobre lienzo • Barroco359 cm × 438 cmRijksmuseum, Ámsterdam, Países Bajos

4mirada humilde y sincera de un artista que trazó en ellos su propia biografía.

Rembrandt tenía un profundo conoci-

miento de la iconografía clásica, y en sus pinturas y grabados solía inter-pretarla libremente para ajustarla a su propia experiencia. Así, en la representación de una escena bíblica Rembrandt solía combinar su propio conocimiento del texto con su particular con-cepto de la composición clásica y algunas obser-vaciones anecdóticas de la población judía de Ámsterdam.

La tormenta en el mar de Galilea es una obra del pintor holandés Rembrandt, pin-tada hacia 1633. La pintura muestra uno de los prime-ros milagros de Jesús, concreta-mente el narrado en el evangelio de San Marcos, capítulo cuarto, cuando Jesús cal-mó las aguas en una tormenta en el Lago Galilea. Se trata de la única marina del genial pintor holandés. Es una obra de juventud en la que Rembrandt se autorretrata en uno de las cator-ce personas que ocupan el bote, concretamente el que sujeta la cuerda del mástil y mira hacia el espectador.

Francisco de GoyaFue un pintor y grabador

español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarro-lló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comien-zo de la pintura contemporá-nea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Tras un lento aprendizaje en su tierra natal, en el

ámbito estilístico del barroco tardío y las estampas devotas, viaja a Italia en 1770, donde traba contacto con el incipien-te neoclasicismo, que adopta cuando marcha a Madrid a mediados de esa década,

junto con un pintoresquismo costumbrista rococó derivado de su nuevo trabajo como pintor de cartones para los tapices de la manufactura real de Santa Bárbara. El magiste-rio en esta actividad y en otras relacionadas con la pintura de corte lo imponía Mengs, y el pintor español más reputado era Francisco Bayeu, que fue cuñado de Goya.

Un grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva

a acercarse a una pintura más creativa y original, que expre-sa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los

Fuendetodos, provincia de Zara-goza, 30 de m

arzo de 1746 -- Burdeos, Francia, 16 de abril de 1828

La maja desnudaFrancisco de Goya, 1790 - 1800Óleo sobre lienzo • Neoclasicismo97 cm × 190 cmMuseo del Prado

5que él mismo denomina de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica.

Además, su obra refleja el convulso periodo históri-

co en que vive, particularmen-te la Guerra de la Indepen-dencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.

El aquelarre es uno de los pequeños cuadros que pintó Francisco de Goya entre 1797 y 1798 para el palacio de recreo de los Duques de Osuna, en la finca que ellos tenían en la Alameda de Osuna (hoy Parque del Capricho), enton-ces a las afueras de Madrid, cerca del pueblo de Barajas. Más tarde, des-pués de 1928, José Lázaro Galdiano lo compró para su colección particu-lar y actualmente forma parte de los fondos pictóricos de la Fundación Lázaro Galdiano.

Claude MonetFue uno de los fun-

dadores de la pin-tura impresionista. El término impresionis-mo deriva del título de su obra Impresión, sol naciente, creada en 1872.

Sus primeras obras, hasta la mitad de

la década de 1860, son de estilo realista. Monet logró exponer algunas en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pin-tar obras impresionis-tas. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por

las academias de arte, empeoró su situación económica a la vez que afianzó su deci-sión de continuar en ese azaroso camino.

En la década de 1870 formó parte

de las exposiciones impresionistas en las cuales también par-ticiparon Pierre-Au-guste Renoir y Edgar Degas. Su obra Im-presión, sol naciente formó parte del Salon des Refusés de 1874. Su carrera fue impul-sada por el marchante Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto

14 de noviembre de 1840 en París -

5 de diciembre de 1926 en Giverny

La estación de Saint-Lazare1877Óleo sobre lienzo • Impresionismo75 cm × 104 cmMuseo de Orsay, París, Francia

6su situación financiera permaneció siendo difícil hasta media-dos de la década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de las «series», en las que un motivo es pintado repetidas veces con distinta iluminación. Al mismo tiempo comenzó a trabajar en el famoso jardín de su casa en Giverny con estanques de nenúfa-res que luego utilizó como motivo para sus pinturas.

Mujeres en el jardín data del año 1867 y se trata de un óleo que mide 256 cm de alto por 208 cm de ancho. Actualmente se encuentra en el Louvre de París, Francia.La tela fue rechazada en el Salón de París. Es una de las prime-ras telas en las que Monet, abandonando el academicismo, se encaminaba hacia el impresionismo. Aún se nota en él, sin embar-go, la inspiración por modelos clásicos y por la Escuela de Barbizon. Es un momento en el que Monet prosigue sus investigaciones plásticas.Representa un día de verano, con su des-preocupado ambiente. Varias mujeres, con vestidos de verano, se divierten en un jardín de flores. Monet tomó a su mujer como modelo para esta obra.

Frida KahloMagdalena del Carmen

Frida Kahlo Calderón, más conocida como Frida Kahlo, fue una pintora mexi-cana. Casada con el célebre muralista mexicano Diego Rivera, su vida estuvo cruzada por el infortunio de una enfer-medad infantil y por un grave accidente en su juventud que la mantuvo postrada durante largos periodos, llegando a someterse hasta a 32 opera-ciones quirúrgicas. Llevó una vida poco convencional, fue bisexual y entre sus amantes se encontraba León Trotski. Su obra pictórica gira temática-mente en torno a su biografía y a su propio sufrimiento. Fue autora de unas 200 obras,

principalmente autorretratos, en los que proyectó sus dificul-tades por sobrevivir. La obra de Kahlo está influenciada por su esposo el reconocido pintor Diego Rivera, con el que compartió su gusto por el arte popular mexicano de raíces indígenas, inspirando a otros pintores mexicanos del pe-riodo post-revolucionario. En 1939 expuso sus pinturas en Francia acudiendo a una invi-tación de André Breton, quien intentó convencerla de que eran «surrealistas», aunque Frida decía que esta tendencia no correspondía con su arte ya que ella no pintaba sueños sino su propia vida. Una de las obras de esta exposición

Coyoacán, 6 de julio de 1907 – Coyoacán, 13 de julio de 1954

Allá cuelga mi vestido o New YorkFrida Kahlo, 1933Óleo y collage sobre masonite • Surrealismo45,5 cm × 50,5 cmHoover Gallery

7(Autorretrato- El Marco, que actualmente se encuentra en el Centro Pompidou) se convir-tió en el primer cuadro de un artista mexicano adquirido por el Museo del Louvre. Hasta entonces, Frida Kahlo había pintado solo privadamente y a ella misma le costó admitir que su obra pudiese tener un interés general. Aunque gozó de la admiración de destacados pintores e intelectuales de su época como Pablo Picasso, Wassily Kandinski, André Bretón o Marcel Duchamp, su obra alcanzó fama y verdadero reconocimiento internacional después de su muerte, a partir de la década de 1970.

El marxismo dará salud a los enfermos es una pintura de 1954 pintado en óleo sobre maso-nita. Se encuentra en el Museo Frida Kahlo, también conocido como La Casa Azul y fue restaurado en 2009 gracias a un donativo del gobierno alemán.En ella encontramos a la propia Frida, soltando sus muletas, en el centro de la pintura. También tiene un corsé de hierro (haciendo alusión a los que ella utilizaba debido al accidente), y es sostenida por unas manos (representan el marxismo sanándola). También encontramos el águila de EUA y al propio Karl Marx aho-gando al águila. Se ve también el mundo con dos países en rojo la URSS y China.

Diego Velázquez Diego Rodríguez de

Silva y Velázquez fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y maestro de la pintura universal.

Pasó sus primeros años en Sevilla, don-

de desarrolló un estilo naturalista de ilumi-nación tenebrista, por influencia de Caravag-gio y sus seguidores. A los 24 años se trasladó a Madrid, donde fue nombrado pintor del rey Felipe IV y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, el

cargo más importante entre los pintores de la corte. A esta labor de-dicó el resto de su vida. Su trabajo consistía en pintar retratos del rey y de su familia, así como otros cuadros destinados a decorar las mansiones reales. Su presencia en la corte le permitió estudiar la colección real de pintura que, junto con las enseñanzas de su primer viaje a Italia, donde conoció tanto la pintura antigua como la que se hacía en su tiempo, fueron influen-cias determinantes para evolucionar a un estilo

Sevilla, hacia el 5 de junio de 1599 - M

adrid, 6 de agosto de 1660

El triunfo de Baco o Los borrachos1628-1629Óleo sobre lienzo • Barroco165 cm × 225 cmMuseo del Prado

8de gran luminosidad, con pinceladas rápidas y sueltas. En su madurez, a partir de 1631, pintó de esta forma grandes obras como La rendi-ción de Breda. En su última década su estilo se hizo más esquemático y abocetado, alcanzando un dominio extraor-dinario de la luz. Este periodo se inauguró con el Retrato del papa Inocencio X, pintado en su segundo viaje a Italia, y a él pertenecen sus dos últimas obras maestras: Las Meninas y Las hilanderas.

El cuadro representa la Adoración de los Reyes Magos según la tradición cristiana que concreta su número en tres y, a partir del siglo XIV, imagina a Baltasar de color negro, ofre-ciendo tres regalos al Niño Jesús: oro como rey, incienso como Dios y mirra como hombre, tras haber tenido noticia de su nacimiento gracias a la estrella de oriente. Con los tres magos, la Virgen y el Niño, Velázquez pinta a san José y a un paje, con los que llena prácticamente toda la superficie del lienzo y deja solo una pequeña abertura a un paisaje crepus-cular en el ángulo superior izquierdo. La zarza al pie de María alude al contenido de su meditación, expresada en el rostro reconcentrado y sereno.

Miguel ÁngelMichelangelo Buonarro-

ti fue un arquitecto, escultor y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arqui-tectónica. Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia y los diferentes papas romanos.

Fue el primer artista occidental del que se

publicaron dos biografías en vida: Le Vite de’ più eccellenti pittori, scultori,

ed architettori, de Giorgio Vasari, publicada en 1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido, y Vita de Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y discípu-lo de Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti. Fue muy admirado por sus contemporáneos, que le lla-maban el Divino. Benedetto Varchi, el 12 de febrero de 1560, le envió una carta en nombre de todos los floren-tinos diciéndole:

...toda esta ciudad desea sumisamente poderos ver y honraros tanto de cerca

Caprese, 6 de marzo de 1475 –

Roma, 18 de febrero de 1564

La conversión de San Pablo1542-1545Fresco • Renaci-miento625 cm × 661 cm

9como de lejos... Vuestra Ex-celencia nos haría un gran favor si quisiera honrar con su presencia su patria.

Triunfó en todas las artes en las que trabajó, ca-

racterizándose por su per-feccionismo. La escultura, según había declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedicó; a conti-nuación, la pintura, casi como una imposición por parte del papa Julio II, y que se concretó en una obra excepcional que magnífi-ca la bóveda de la Capilla Sixtina; y ya en sus últimos años, realizó proyectos arquitectónicos.

La Crucifixión de san Pedro (en italiano, Crocifissione di San Pietro) es un fresco del pintor renacentista italiano Miguel Ángel. Fue ejecuta-do entre 1546 y 1550 en la pared de la Capilla Paulina del Palacio Apostólico, en la Ciudad del Vaticano. Es un fresco que mide 6,25 metros de alto y 6,62 me-tros de ancho. Hace pareja con La conversión de san Pablo y es el último fresco ejecutado por Miguel Ángel.El artista retrató a san Pedro en el momento en que, colocado al revés en la cruz, esta era alzada por los soldados romanos. Miguel Ángel concentró su atención en la descripción del dolor y del sufrimiento. Las caras de la gente presente están contraídas en una mueca de horror, y varios de los espectadores parece que van a morir.Entre los jinetes a la izquier-da, se ha reconocido un autorretrato del propio Mi-guel Ángel, con motivo de una reciente restauración.

Leonardo da VinciLeonardo di ser Piero

da Vinci fue un pintor florentino. Notable polímata del Renacimiento italiano (a la vez anatomista, arquitecto, artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico, poeta y urbanista) falleció el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pintu-ras. Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florenti-no Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de impor-tancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Bolonia y Venecia, y pasó los últimos años de su

vida en Francia, por invitación del rey Francisco I.

Frecuentemente descrito como un arquetipo y sím-

bolo del hombre del Renaci-miento, genio universal, ade-más de filósofo humanista cuya curiosidad infinita solo puede ser equiparable a su capacidad inventiva, Leonardo da Vinci es considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el mayor nú-mero de talentos en múltiples disciplinas que jamás ha existi-do. Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de

Vinci, 15 de abril de 1452 - Am

boise el 2 de mayo de 1519

La batalla de Anghiari (copia de Rubens)1603Dibujo42,8 cm × 57,7 cmMuseo del Louvre, París, Francia

10Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos tra-bajos derivados. No obstante, únicamente se conocen unas veinte de sus obras, debido principalmente a sus cons-tantes (y a veces desastrosos) experimentos con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica.Este reducido número de creaciones, junto con sus cuadernos que contienen di-bujos, diagramas científicos y reflexiones sobre la naturaleza de la pintura, constituyen un legado para las sucesivas gene-raciones de artistas, llegando a ser igualado únicamente por Miguel Ángel.

San Juan Bautista es uno de los últimos cuadros datado hacia 1508-1513. Está pintado al óleo sobre tabla que mide 69 cm de alto y 57 cm de ancho. Se conserva en el Museo del Louvre de París (Francia).Fue una de las últimas pinturas del autor y, sin duda, una de las más debatidas. Hay mucha polémica sobre el signi-ficado de la mano del santo apuntando hacia arriba, y su sonrisa enig-mática ha provocado discusiones semejantes a las de la Mona Lisa.El cuadro puede con-siderarse enteramente autógrafo.

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Arte, por Juan Sebastián Ocampo

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