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[HISTORIA DEL ARTE] 2º BACHILLERATO

TEMA 3. ARTE GRIEGO

INTRODUCCIÓN. CONTEXTO HISTÓRICO.

La extensa historia de la civilización griega tiene también su manifestación en el Arte. Asimismo, la fusión de los elementos que aportan pueblos del norte con los autóctonos de Grecia, supondrán el nacimiento del llamado “milagro griego”: una perfección estética que recuperará Roma para hacerla suya, y que viajará por la Historia del Arte para tomar impulso en épocas como el Renacimiento y el Neoclasicismo. No olvidemos que la civilización griega se ha considerado como la “cuna de la civilización actual”: por lo que el Arte griego es antecedente directo de formas artísticas que aún hoy permanecen entre nosotros.

Como marco geográfico, encontramos la península del Ática, la del Peloponeso, costas de Asia Menor e islas del Egeo, además de la Magna Grecia (sur de Italia)

Cronología:

Arte prehelénico: Creta y Micenas. (1800-1000 a.C)

Época Oscura: tras la invasión de los dorios (1000-siglo VIII a.C)

Época Arcaica (siglo VII- siglo VI a.C)

Época Clásica (dos periodos diferenciados, el siglo V y el IV a.C)

Época Helenística (año 323 a.C, muerte de Alejandro Magno y el 146 a.C, toma de Corinto por los romanos)

Características generales:

Se produce un cambio en el concepto de Arte y de artista: el Arte puede ser únicamente objeto de disfrute y admiración. EL artista pasa a ser, por tanto, una figura muy reconocida.

El arte griego se basa en la belleza, la armonía, la simetría y la proporción o la medida (en arquitectura, los órdenes; en escultura, los cánones…)

Se da el llamado antropocentrismo (Protágoras: “el hombre es la medida de todas las cosas”): la escala de los edificios debe ser la humana. Es un Arte realizado “por y para el hombre”

Racionalismo en el Arte, que debe ser ejecutado y entendido desde la razón humana.

La función del Arte griego es pública, religiosa o conmemorativa.

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1. ARQUITECTURA GRIEGA.

1.1. Características generales.

• A pesar de tener una función muy clara, los edificios tienen un fin estético incuestionable.

Los ideales filosóficos y políticos griegos se manifiestan en las polis (ciudades-estado), tanto en la abundancia de edificios públicos como en su uso (ocio, deporte, política…)

La religión griega es politeísta: los dioses y diosas aparecen humanizados y reencarnados en mitos.

Es una arquitectura arquitrabada (adintelada): no hay intención de ganar altura (bóvedas), puesto que la escala es humana. No hay, por tanto, colosalismo. Las columnas y el muro son los sustentantes.

El material empleado es la piedra caliza y el mármol, distribuidos en sillares que se agrupan con grapas de bronce en su cara interna; no hay mortero; el ladrillo sólo aparece en edificios privados.

La búsqueda de la perfección hará que se persiga la armonía visual, para lo que se emplean incluso correcciones ópticas: se curvan entablamento y estilóbato para evitar el efecto de pandeo, se inclinan las columnas hacia el interior, se ensanchan por el centro (éntasis) y se da diferente distancia a los intercolumnios; las columnas de los flancos son más anchas.

Como elementos decorativos, aparecen el relieve y la pintura. Por tanto, se da la policromía en los edificios griegos (tonos rojos, azules y negros).

La medida base o “módulo” es el diámetro de la columna, desde el que se desarrolla todo el edificio. Éste es el origen de los órdenes arquitectónicos clásicos.

1.2.Los órdenes clásicos.

En la búsqueda de la armonía y la perfección, se emplean soluciones arquitectónicas: los órdenes, que analizamos desde el basamento, la columna, el entablamento y la cubierta o frontón.

Orden Dórico: Más tosco y severo, es el más antiguo. Sobre el estilóbato (krepis), la columna no tiene basa, y el fuste aparece estriado con aristas (20). El fuste es 6 veces el diámetro. El capitel, consta de ábaco (curvo) y equino (rectangular). Sobre éste, el entablamento, que se divide en arquitrabe (liso) con el friso encima (dividido en triglifos y metopas). El friso se remata con la cornisa y el frontón. Apareció en el Peloponeso, Magna Grecia y Sicilia.

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Orden Jónico: Más esbelto. La columna es más alta que en el dórico. Tiene basa, dividida en toro (saliente) y escocia (entrante). El fuste ya no presenta arista viva, sino ligeras acanaladuras (24) y mide 9 veces el diámetro de la columna. El capitel presenta volutas y, sobre él, el arquitrabe se divide en tres franjas o platabandas. El friso puede ser liso o presentar relieves y la cornisa remata el templo; sobre ella, la cubierta o frontón. A veces, las columnas son sustituidas por otras con forma de mujer (cariátide) o de hombre (atlante). El jónico se empleó en las regiones de Asia Menor e Islas del Egeo. Desde el siglo V a.C, se superponen los órdenes (dórico en interior, jónico en exterior)

Orden Corintio: El más esbelto y ornamentado de los tres. El fuste mide diez veces el diámetro del fuste inferior. Con basa sobre plinto (rectángulo). Es una variante del jónico, pero la gran diferencia es el capitel, decorado con hojas de acanto. Aparece en las regiones del Peloponeso y en el periodo helenístico.

1.3. El templo griego: el Partenón.

Deriva de las formas domésticas del megarón continental, del periodo micénico.

El templo es un edificio relativamente pequeño, con una estancia para la estatua del dios (naos), porque la ceremonia y la concentración de fieles discurre en el exterior (recinto sagrado o temenos). Los primeros eran cabañas de madera y de ahí que el templo dórico recuerde a esa superposición de vigas (triglifos). La forma aparece en el periodo arcaico (siglo VII a.C):

-Edificio sobre una plataforma de varios escalones (krepidoma), planta rectangular –excepto en los tolos o templos circulares, estructura adintelada y cubierta a dos aguas. Con una cella o naos para el dios, a veces dividida por columnas, precedida de un pronaos o vestíbulo. Detrás, otra estancia, el opistodomos (ofrendas), con entrada independiente.

-Según el número y la disposición de las columnas, el templo adquiere su nombre:

Según el número de las columnas en su fachada, dístilo (2), tetrástilo (4), hexástilo (6), octástilo (8), decástilo (10), dodecástilo (12), etc… Siempre número par.

Según su disposición, próstilo (columnas sólo en la fachada principal), anfipróstilo (delante y detrás), períptero (hilera de columnas rodean el templo), díptero (hilera doble de columnas) o áptero (sin columnas).

Templos circulares o tholos (Tholos de Delfos)

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a) Desde el siglo VI a.C, destacan templos del periodo Arcaico, como los templos de Paestum (Hera, Poseidón), Apolo en Corinto, Segesta, Selinonte… y sobre todo, el Templo de Afaia en Egina (495-485 a.C ) , cuya elegancia lo hace predecesor del equilibrio clásico.

b) Templo de Hefaistos en Atenas (449-415 d.C), antecedente directo del Partenón.

c) Partenón de Atenas (447-432 a.C): Dedicado a la diosa Atenea protectora (Palas Atenea). Atenas se encuentra en el siglo V a.C bajo el patronazgo de Pericles y es la polis líder de los griegos. Se encarga la construcción de la Acrópolis. Sobre una colina, se dispondrán los edificios más emblemáticos de la arquitectura griega: los Propíleos (Mnesicles) o puerta monumental de entrada, el Partenón, el Erecteion y el templo de Atenea Niké.

El Partenón es obra de Ictino y Calícrates, siendo el maestro de obras Fidias (que también se encarga del programa escultórico del conjunto). Mide 69.5 x 31 metros de planta y 18 metros de altura. Templo octástilo, dórico, con peristilo de 17 columnas a los lados. En él se ha empleado el éntasis en las columnas, distancia desigual entre ellas y se ha curvado entablamento y estilóbato. Existió un pre-partenón dedicado a Atenea que destruyeron los persas en las Guerras Médicas, cuyos cimientos se emplearon en la construcción de éste (simbolismo del triunfo de Atenas). Se define como la síntesis entre la fuerza dórica y la elegancia jónica. En siglos posteriores, será convertido en iglesia bizantina, iglesia latina y mezquita musulmana.

d) El programa escultórico del templo es imprescindible para entender el sentido de su construcción: un instrumento pedagógico que cuenta el origen de Atenas. Fidias, el “escultor de los dioses” fue el encargado de decorar el Partenón. Dividiremos el programa escultórico en el análisis de los frontones por un lado, las metopas por otro y el “friso de las panateneas” en el interior del templo. Realizadas en mármol pentélico. Fidias realiza también dos estatuas en técnica criselefantina de Atenea y de Zeus.

a. Los frontones.

-Oriental: Nacimiento de Atenea. Madura, armada, nace de la cabeza de Zeus (Inteligencia); Niké (victoria) corona a Atenea. En un extremo, Helios y en otro, Selene (Sol y Luna)

-Occidental: Patronato del Ática. Poseidón y Atenea luchan por la ciudad de Atenas; uno hace manar un río, ella, un olivo. Es elegida por los dioses y héroes.

En ambos frontones, aparecen figuras humanas con la misma escala, adaptándose al espacio mediante escorzos (ley de adaptación al marco).

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Aparece la técnica del “paño mojado” o las “transparencias” que revelan una gran precisión técnica. Idealización y serenidad en los rostros

b. Las metopas.

92, divididas en 14 en los lados menores y 32 en los mayores.

-Lado oriental: Gigantomaquia.

-Lado occidental: Amazonomaquia.

-Norte: Guerra de Troya.

-Sur: Centauromaquia.

c. Friso de las Panateneas.

Procesión que tenía lugar en la Acrópolis y consistía en un sacrificio de ganado para Atenea, convirtiéndose en un banquete para los asistentes. Doncellas vírgenes tejían un peplo para Atenea y lo entregaban a los dioses. Es un friso de estilo jónico.

La mayor parte de estas esculturas fueron trasladadas por Lord Elgin en el siglo XIX a Inglaterra (Museo Británico de Londres).

e) Templo de Atenea Niké Áptera . “Pequeña cajita jónica”. (Calícrates, 491 a.C). Conmemora la Victoria contra los persas en la batalla de Salamina. Se hubo de adecuar al espacio que se le deja (torre de los propíleos). En el interior se creó una estatua de Atenea Niké (victoriosa) a la que se le cortan las alas para que no abandonara la ciudad.

f) Erecteion . (Mnesikles, 421-406 a.C) Dedicado a Atenea, Poseidón y Erecteo. El arquitecto tuvo que adaptarse al desnivel de terreno y además, respetar los cultos que tradicionalmente se habían celebrado en el lugar de su construcción: de ahí la forma tan característica y, para algunos, incoherente. Las cariátides tienen 2.3 m de altura.

g) Olimpeion . Atenas. Corintio (época helenística). Se ha perdido la proporción.

h) Reconstrucción del ágora (plaza) Parte baja de la ciudad.

i) Estadio, gimnasio y teatro de Delfos.

j) Teatro de Epidauro. Se aprovechan las laderas de las montañas para construir las gradas (cavea). Obra de Policleto el Joven, en el siglo IV a.C, para acoger las Asclepia (concurso dedicado al dios y médico Asclepios, celebrado cada cuatro años y consistente en competiciones y representaciones teatrales). Es el

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modelo de teatro griego y el mejor conservado. Pudo contener hasta 14000 espectadores. Se compone de una orchestra circular de tierra batida, rodeada por gradas (cavea) y una escena construida en piedra con dos salidas laterales. Aún hoy hay representaciones teatrales y en él se declaró la independencia griega (1822)

2. ESCULTURA GRIEGA.

2.1. Características generales.

Escasez de restos originales de los siglos V y IV a.C, sobre todo en escultura de bulto redondo. Se han conocido gracias a las copias e imitaciones romanas.

Materiales: mármol, bronce, también madera (crisoelefantina)… Sobre todo el bronce permite un extraordinario detallismo.

Temática: el cuerpo humano. Atletas, dioses, héroes… Aparece también el relieve histórico en frontones, metopas, altares, tronos…

Eran piezas policromadas (se ha perdido), brillantes, con postizos (plata en labios, cuero en pezones, pasta vítrea en ojos…)

Canon de proporción armónica: flexible con el tiempo (al modo de egipcios con el canon de puños). El módulo es la cabeza (pasan de siete a ocho cabezas en el siglo IVa.C). En un principio, heredan también de Egipto el hieratismo, la ley de frontalidad…

Principio de diartrosis: el desnudo es un esqueleto perfecto, en el que se observa la movilidad de las articulaciones.

Contraposto: se romperá la ley de frontalidad apoyando el peso del cuerpo en una pierna adelantada, mientras la otra se flexiona. La curva de las caderas se desnivela.

Principio de equilibrio interno (sofrosine), que contribuye a la idealización de la figura.

Importancia del hueco y el lleno en la escultura clásica: multiplicidad de puntos de vista.

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2.2. Época arcaica (siglos VII-VI a.C)

Se establecen ahora los tipos fundamentales de la plástica griega, el kouros y la koré, la estela funeraria y el relieve narrativo.

a) La Dama de Auxerre (630 a.C) y Koré del Peplo (540 a.C): Hieratismo, raíces orientalizantes, geometría… Tipología de korai. No son retratos individualizados, sino que son idealizadas y conmemorativas, presentes en tumbas y dedicadas a los dioses.

b) Kourós de Anavyssos (530 a.C): Tipo ideal de varón joven. Ley de frontalidad, ojos almendrados… Aparece la “sonrisa arcaica” (recurso expresivo)

c) Moscóforo (570 a.C): Hombre con ternero que influirá en la tipología del Buen Pastor cristiana.

d) Frontones del Templo de Afaia en Egina (siglo V a.C): Son el puente al clasicismo. Aparece la “sonrisa egineta”, ley de adaptación al marco, escorzos…

2.3.Época preclásica o Estilo Severo (primera mitad del siglo V a.C)

Periodo de transición (480 al 450 a.C). Se han producido victorias importantes contra los persas (Maratón, Salamina…) que refuerzan la identidad y religiosidad griegas. Esto se traslada al Arte: reflexión, conciencia, serenidad…

a) Auriga de Delfos (474 a.C): (Pitágoras de Reggio) Forma parte de un conjunto, del que se conserva algún fragmento de caballos y un pequeño esclavo. Realizada en técnica de “cera perdida”, en bronce, lo que contribuye a dar más detallismo. Muchas se perdieron al ser fundidas en épocas posteriores. De tamaño natural, mide 1.80 metros. Es una de las pocas figuras originales en bronce de Grecia. En los pliegues de la túnica se observa un incipiente movimiento.

b) Poseidón del Cabo Artemision (460 a.C) : Tamaño superior al natural. Idealización divina. Se duda si es Poseidón o Zeus (lanza un rayo o un tridente). Introducción al movimiento.

c) Guerreros de Riace (primera mitad siglo V- segunda mitad del siglo V a.C): Se desconoce su destino y su identidad (atletas, dioses…). Encontrados en 1972 por un buzo en las costas de Sicilia. De dos metros de altura, se supone que el

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segundo es posterior (podría ser clasicista). Detalles: plata en dentadura, cobre en labios y marfil en ojos.

2.4. Los grandes maestros del siglo V: Fidias y Policleto. (Clasicismo)

Época de esplendor de Atenas (Pericles).

MIRÓN (480-440 a.C): formado en el Estilo Severo.

a) Discóbolo (455 a.C): Atleta en el momento previo a lanzar el disco. Síntesis de tiempo y movimiento. Parece inscrito en figuras geométricas (dos arcos entrecruzados). Copias romanas en mármol, fue en origen una escultura de bronce. La belleza de la obra radica en que se ha “congelado el tiempo”, es “el instante hecho escultura”.

b) Grupo de Atenea y Marsias (450 V a.C): Ambas figuras miran al suelo (composición en V).

FIDIAS (490-430 a.C): Podemos considerarlo como el primer imaginero de la historia del Arte, en esa búsqueda de la emoción en el fiel. Representa la plenitud del clasicismo, interesándose más que en la belleza física (conseguida) en el contenido espiritual (“el escultor de los dioses”). Esa captación del “nous” o espíritu (“quid divinum”) hizo que la Iglesia Cristiana buscara en él sus modelos (Zeus como Padre Eterno, Apolo como Cristo o Atenea como la Virgen María. Además de todo el programa escultórico del Partenón, destacamos:

a) Atenea Parthenos (438 a. C ): Doce metros de altura, en técnica crisoelefantina (marfil y oro), para la naos del Partenón. Se emplearon 1200 kg de oro.

b) Atenea Promakhos (460 a.C ): Quince metros de altura para una estatua que presidió la Acrópolis, en un altar que aún permanece entre el Erecteion y el Partenón. Tipología de diosa guerrera, con casco y escudo (“combate en primera línea de batalla”)

c) Atenea Lemnia (450 a.C): Encargada para librar una colonización (Lemnos), aparece más feminizada, menos guerrera.

d) Zeus crisoelefantino (Olímpico) (436 a.C): Una de las maravillas del mundo Antiguo. Huye a Olimpia al ser acusado de robo de materiales con la Atenea

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Parthenos (su taller terminará la decoración del Partenón). Realiza la colosal estatua de Zeus, con la victoria alada, para la cella del Templo de Zeus en Olimpia. Reconstrucciones.

POLICLETO (activo entre 450-420 a.C): Tratadista o teórico de la escultura (Kanon). Interesado en el cuerpo masculino y su relación con las matemáticas, así como en el concepto de Symetría. Destacó por sus trabajos en bronce.

a) Doríforo (joven que porta la lanza) (440 a.C): Canon de las siete cabezas y media. Diartrosis, ruptura de la ley de frontalidad… Perdido el texto de su kanon, éste será su ejemplo práctico. Es una representación idealizada de Aquiles. Era un original de bronce. Movimiento perfectamente acompasado.

b) Diadumeno (430 a.C): Mayor dinamismo. Expresión basada en la espiritualidad de Fidias. “El que se ata la cinta”

2.5. Los grandes maestros del siglo IV: Praxíteles, Scopas y Lisipo (Postclasicismo).

Atenas deja de tener la supremacía (pierde contra Esparta) y Grecia entra en un periodo de crisis y cambio, en el que el sentimiento religioso y espiritual deja paso a la expresión de sentimientos como la angustia (pathos) o la valoración de lo anecdótico.

PRAXÍTELES (400 a.C- activo hasta 330 a.C): Interesado por la belleza juvenil, las figuras estilizadas y el movimiento, en su famosa “charis o curva praxiteliana”. Temas agradables, reflejados con suavidad. Su padre, pintor, fue su policromador.

a) Apolo Sauróctonos (siglo IV a.C, obra de juventud ): Apolo adolescente que contempla un lagarto.

b) Fauno en reposo

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c) Afrodita de Cnido o Afrodita saliendo del baño (360 a.C): Ideal de belleza femenino. Es el primer desnudo integral del Arte griego. Inspirado en su amante, se dice que la misma diosa bajó al taller a felicitarle. Aparece con la hydria (ánfora) y con una actitud de despreocupado pudor.

d) Hermes con el niño Dionisos (350- 330 a.C): Nacido dos veces (muerta Semele), cosido a la pierna de Zeus. Existe comunicación entre las figuras: el padre le ofrece un racimo de uvas. Formas agraciadas típicas de Praxíteles, pese a tratarse de dioses. Detalle de la espalda, tallada con gradina. Trépano en el cabello. Por su calidad plástica se pensó en que sería la única escultura original conservada, pero posiblemente se trate de una copia romana de un original en bronce.

SCOPAS (380 a.C-330 a.C): Nace en la isla de Paros (canteras de mármol). Ahonda en lo más profundo de los sentimientos humanos, tanto el dolor o pathos, como la pasión.

a) Ménade furiosa (siglo IV): Exploración de sentimientos violentos (abre los ojos, entreabre las bocas, marca las curvas en cuerpos más blandos…) “Las que desvarían”, atendiendo a ser las mujeres mortales que acompañan en las bacanales del dios Dionisos (orgías). Tendría un cabrito muerto en brazos (ofrendas).

b) Relieves del mausoleo de Halicarnaso (siglo IV) .

c) Meleagro (siglo IV) : representación de héroes trágicos.

LISIPO (en activo desde 368- 318 a.C): Broncista y tratadista, amplía el canon de proporciones de Policleto y establece el suyo, el canon de las ocho cabezas. Introduce además el concepto de profundidad en la escultura y sus rostros son explorados a modo de retrato. Artista predilecto de Alejandro Magno, “el último de los clásicos”.

a) Apoxiomeno (325 a.C): El brazo derecho “invade” el espacio de la figura (profundidad). “El que se retira la grasa y polvo tras la carrera”.

b) Herpes tensando el arco (siglo IV a.C)

c) Hércules Farnesio (siglo IV a.C): Análisis de la musculatura y el volumen típico de la plástica helenística. Encontrado en las termas de Caracalla (copia romana), perteneció a la colección del cardenal Alejandro Farnesio.

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d) Hermes atándose las sandalias (siglo IV a.C): el detallismo en las sandalias es más característico de la escultura helenística.

2.6.Época Helenística (323 a.C-146 a.C).

Alejandro Magno muere a los 32 años y el poder se fragmentó en Estados controlados por jefes del ejército (Reinos Helenísticos), hasta la integración de Grecia en el Imperio Romano. Este periodo se conoce con el nombre de Helenismo. Se da una fusión entre elementos griegos y orientales. La importancia de cada reino residirá en su capital, que adquiere muchas veces el nombre de su fundador y son grandes metrópolis (Alejandría). En ellas, se observa el desarrollo del urbanismo, con planos cuadriculados y calles regulares (Hypodamos de Mileto). Se erigen monumentos en las zonas portuarias que alcanzarían a ser maravillas del mundo Antiguo (Coloso de Rodas, Faro de Alejandría…). En estas construcciones se dará la superposición de órdenes clásicos y el orden gigantesco de columnas.

Destaca la creación escultórica, con unas características concretas:

Múltiples puntos de vista en la escultura, con gran despliegue “escenográfico”.

Movimiento, teatralidad y desequilibrio, en composiciones complicadas llenas de tensión y dramatismo en algunos casos.

Protagonismo de lo anecdótico, lo cotidiano…

Desarrollo del Retrato realista, apareciendo incluso defectos físicos y una estética de “lo feo”. Secularización del Arte.

El tema de las diosas (Afroditas o Venus) es recurrente.

Aparecen las llamadas “Escuelas Artísticas”: Atenas, Pérgamo, Rodas, Alejandría, Éfeso…

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ATENAS: Retratos de intelectuales (Sófocles, Demóstenes, Homero, Epicuro…). La escuela “Neoática” se dedicará a la copia de las grandes obras del clasicismo y el postclasicismo:

a) Venus de Milo (siglo II a.C) : Descubierta en 1820, retoma el interés por los temas clásicos.

b) Niño de la espina o Espinario .

ALEJANDRÍA: Temas cotidianos y alegorías de personajes o elementos naturalistas.

a) Alegoría del Río Nilo . Copia romana. Anciano con el cuerno de la abundancia. Dieciséis niños que son los dieciséis codos que crecía el Nilo.

PÉRGAMO: Temas patéticos y violentos.

a) Gálata Ludovisi (225 a.C): Parte de un conjunto de seis figuras, rodeado de gálatas moribundos. Pueblos celtas a los que vencerá Pérgamo. EL personaje acaba de matar a su mujer y se suicida mientras mira al enemigo.

b) Gálata moribundo.

c) Altar de Pérgamo (de Zeus y Atenea) (180 a.C): Relieve histórico con batallas entre Dioses griegos y gigante (Gigantomaquia). Reconstruido. Figuras más grandes del natural, a modo de esculturas de bulto redondo que salen del marco. En la época helenística se ponen de moda los altares dedicados a dioses (Zeus) para conmemorar victorias (en este caso contra los celtas). El altar mide 7 metros de altura y contiene una escalinata, rodeada de una columnata jónica de 2.7 metros de altura. La decoración en relieve alcanza los 120 metros de longitud.

RODAS: Continuadora de la vertiente dramática, aportará obras clave en el Helenismo.

a) Grupo del Toro Farnesio : el mayor grupo de la Antigüedad clásica. Representa la escena del suicidio de Dirce.

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b) Laocoonte (50 d.C): Obra de Agesandro, Polidoro y Atenodoro. Obra maestra para Winckelmann (estudioso del Arte Antiguo). Representa la impotencia y el dolor sobrehumano. Se ha perdido el equilibrio clásico. Laocoonte fue sacerdote de Apolo en Troya y alertó a los troyanos del engaño del regalo del caballo de madera, “Temo a los griegos, sobre todo cuando hacen regalos”, lanzando lanzas de fuego para quemarlo. En ese momento, y, como castigo al atentado hacia una ofrenda divina, las serpientes lo atacan junto a sus hijos. Aparece en Italia en el siglo XVI, en las Termas de Tito, junto a un viñedo. Se dice que el mismo Miguel Ángel estuvo presente y que, al no aparecer el brazo derecho, él mismo sugirió cómo reconstruirlo. Julio II se la lleva y será la primera pieza de los Museos Vaticanos. Influencia en la escultura del Manierismo y del Barroco (línea serpentinata) Composición oblícua. Museo Vaticano.

c) Victoria de Samotracia (190 a.C): Louvre.245 cm. Sobre la proa de un barco, (se situaba delante de un estanque) se agitan sus ropas con el viento (gran expresividad). Erigida en un santuario, como conmemoración de una victoria naval. Efectos de claroscuro (a modo de pintura).

ARTE ÍBERO

Entre los siglos VI y I a.C, surgen en la cuenca mediterránea un conjunto de pueblos que los griegos denominarán como “íberos” (bastetanos, turdetanos, contestanos, edetanos e indigetas). Tenemos testimonio escrito de ellos sobre todo interpretado por los griegos y los romanos, de los que destacan los escritos de Polibio, que los identifica como pueblos guerreros.

Características generales.

Esta sociedad fuertemente belicista encontrará en el tema de la guerra una gran inspiración para llevar a la escultura.

Animales mitológicos y fantásticos; algunos reales. Aparecen como protectores de las necrópolis (leones, lobos, toros, caballos, esfinges…)

Aparecen figuras de gran tamaño, talladas en piedra caliza y policromadas; también, pequeñas estatuillas en bronce (exvotos).

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El tema femenino es el más destacado, lo que muestra la alta consideración que tuvo la mujer en la sociedad íbera.

Son la síntesis entre la tradición indígena y las formas artísticas griegas que llegaban con el contacto con los griegos por el comercio marítimo.

En ellas aparece un hieratismo muy acentuado: frontalidad y geometrización. Así, claramente observamos la influencia griega de la época arcaica.

a) Bicha de Balazote (siglo IV a.C). 70 x 90 cm. Museo Arqueológico de Madrid. Apareció en la ciudad con el mismo nombre, en Albacete. Cuerpo de toro y cabeza humana, representando al dios y río Aqueloo (la divinidad de agua más antigua de Grecia).

b) Gran dama oferente del Cerro de los Santos (siglo IVa.C) : Aparece ofreciendo un vaso, relacionado con la existencia de agua curativa en el lugar de donde proviene, el santuario más destacado que existía en el mundo ibérico.

c) Dama de Elche (siglo IV a.C): En piedra caliza, policromada. Museo Arqueológico Nacional de Madrid. Hallada en 1897. Urna funeraria, con un hueco en la espalda destinado a contener las cenizas del difunto.

d) Dama de Baza (siglo IV a.C): Piedra caliza policromada. 130 cm. Museo Arqueológico Nacional de Madrid. Encontrada en la tumba 155 de la necrópolis de Baza. Descubierta en 1971.Sentada en un trono de madera, con alas y patas de felino. Con manto, grandes pendientes, cinco hileras de collares, algunos portadores de amuletos. En su mano izquierda, un pichón azul, símbolo de la fecundidad en el Mediterráneo también para Afrodita. Se rodea de vasos, ofrendas… Necrópolis de altos personajes.