Arte griego

EL ARTE GRIEGO

“El hombre es la medida de todas las cosas”. PROTÁGORAS. ARTE GRIEGO I

ENLACESARTE GRIEGO II

EL ARTE GRIEGO

(Páginas de la 16 a la 47 del libro de texto)

LÁMINAS P.A.U.-Partenón: exterior (fachada fronto-lateral)-Kourós de Anavyssos-Discóbolo, de Mirón-Hermes con Dioniso, de Praxíteles-Laocoonte y sus hijos

CONTEXTUALIZACIÓN HISTÓRICA

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CARACTERES GENERALES DEL ARTE GRIEGO

• Arte hecho a la medida del hombre, que fue siempre el punto de referencia y fuente de inspiración.

• Búsqueda de la belleza y de la armonía. Un edificio o un escultura respondían a la conjunción de cálculos o medidas equilibradas (cánones) que definían el concepto de belleza.

• Tener una arquitectura hecha para ser contemplada en el exterior con cierto sentido escultórico (tratamiento dado a la columna a través de los órdenes clásicos) y en la que se destaca la construcción de edificios de carácter público (templos, teatros, etc.); una escultura centrada en la figura humana; o el desarrollo del urbanismo ( estudio de la relación del edificio con su entorno).

ARQUITECTURA

Arquitectura. Rasgos Generales.

• 1 – La arquitectura griega estaba hecha a escala del hombre, que guarda proporción con sus dimensiones y ante la cual no se siente empequeñecido.

• 2-Preocupación por la apariencia exterior de los edificios y por su relación con el entorno (urbanismo).

• 3-Se trataba de una arquitectura arquitrabada (de arquitrabe) o adintelada, basada en líneas verticales (columnas) y horizontales (entablamentos). Los griegos no usaron ni el arco, ni la bóveda.

• 4-Era una arquitectura policromada, los exteriores de los templos se decoraban con colores, aunque este aspecto no se ha conservado en la actualidad se tiene constancia de que así era.

• 5-Materiales.

En principio se empleó el “poros”, que es un conglomerado de piedra arenisca. También se usó la piedra caliza y, por ultimo, el mármol.

• 6-Concepción escultórica de la arquitectura, que se plasmó sobre todo en el tratamiento que se le dio a un elemento sustentante como la columna, la cual llegó a generalizarse en exterior de los templos -edificios por excelencia del arte griego-(peristilo o cinturón exterior de columnas).

• 7-La búsqueda de la armonía visual a través de efectos ópticos (ya definidos hacia el s. V a.C.), como:

*La curvatura del entablamento y estereobato (plataforma o escalinata sobre la que se levantaba el templo griego), para evitar el efecto de concavidad o de desplome en el centro.

*Inclinación de las columnas hacia el centro para impedir la sensación de caída hacia los laterales y obtener el “efecto piramidal” (en forma de pirámide).

*Éntasis. Consistía en engrosar (hacer más grueso) las columnas en su parte central, para corregir el efecto visual de concavidad que tienen las columnas de lados rectos.

*Mayor anchura de las columnas situadas en los ángulos o esquinas de los edificios, para dar a los edificios sensación de robustez y fortaleza.

*Desigual distancia entre las columnas (intercolumnios), que es mayor o menor según los casos.

• 8.- La distinta conformación de los elementos arquitectónicos (sustentantes: columnas; sostenidos: entablamento) en el exterior de los edificios (templos) dio lugar a los llamados órdenes clásicos:

ÓRDENES ARQUITECTÓNICOS

Templo in antis y dístilo

Templo próstilo,Sólo tiene columnas en la fachada delantera

Columnas en fachada delantera

AnfipróstiloColumnas en fachada delantera y trasera

Este templo es a la vez ANFIPRÓSTILO( tiene columnas en sus lados menores),PERÍPTERO (al estar rodeado de columnas por sus cuatro lados) y HEXÁSTILO (presenta seis columnas en su frente)

Pseudoperíptero. Está rodeado de columnas, pero algunas están adosadas la muro de la cella.

Columnas adosadas al muro de la CELLA

El templo de Afaia es DÍPTERO, porque está totalmente rodeado por dos filas de columnas y hexástilo porque presenta seis columnas en su fachada. Si presentase dos sería DÍSTILO, si tuviera cuatro sería TETRÁSTILO, si ocho OCTÁSTILO, DECÁSTILO si diez....

cariátides

Atlantes

URBANISMO. PRINCIPALES ZONAS DE LA POLIS GRIEGA

RECONSTRUCCIÓN IDEAL DE UN ÁGORA

STOA O PORTICO

PALESTRA O ESCUELA DE LUCHA

ESTADIO DE DELFOS

RECONSTRUCCIÓN IDEAL DE UNESTADIO GRIEGO

EL TEATRO GRIEGO

PARTES DEL TEATRO El theatron era, originalmente, el lugar donde se celebraban las danzas y cantos en honor a Dionisos y, posteriormente, dio nombre a las construcciones destinadas a las representaciones dramáticas. El edificio consta de tres partes: la destinada a los espectadores, la que ocupa el coro y la escena. 1- EL GRADERÍO (koilon o cavea) es donde se sitúa el público y se divide en sectores (kerkís) y en grupos de gradas: dos en el teatro griego y tres en el teatro romano (imma, media y suMma cavea). En la parte superior de las gradas tanto el teatro griego como el romano tienen un pasillo circular (diazoma). Situado junto a la orquesta, suele tener algún asiento reservado al sacerdote de Dionisos o a las autoridades y ante ella un pequeño muro separa las gradas de la orquesta (balteus). 2- LA ORQUESTA (orchaestra) es el lugar donde accionan el coro y los primeros actores. Mientras que en el teatro griego tiene una forma circular o mayor que un semicírculo y el del teatro romano es de medio círculo. Además entre la orquesta/graderío y la escena hay un pasillo (parodos) por donde puede entrar el público al interior. 3-LA ESCENA (skené o scaena) es el lugar por donde aparecen los actores desde la parte posterior. La parte anterior, que da a la orquesta, se denomina proscenio (proskenion, prescaena o pulpitum) y fue allí donde se trasladaron los actores desde la orquesta. La propia escena (skené o scaena) suele tener dos pisos con nichos adornados con estatuas y en sus columnas se fijan los decorados (pinakes); en algunas escenas había unas pantallas giratorias (periaktos) para cambiar de decorado. La parte posterior de la escena en el teatro griego estaba ocupada por una dependencia para el cambio de atuendo de los actores.

Teatro del Santuario de Delfos

Teatro de Epidauro

Teatro de Siracusa

ARQUITECTURA ARCAICA. dóricoTemplo de Apolo en Thermos

ARQUITECTURA ARCAICA. Templo de Hera en Olimpia. Dórico.

ARQUITECTURA ARCAICA. Templo de Hera en Paestum. Dórico.

ARQUITECTURA ARCAICA. Templo de Artemisión en Efeso. Jónico. Reconstrucción ideal.

ARQUITECTURA ARCAICA. Tesoro de Sifnios. Reconstrucción.

Tesoro de los sifnios. Santuario de Delos

Era el más suntuoso del santuario. De estilo jónico y construido enteramente con mármol de Paros, tenía en su frente dos cariátides en lugar de columnas y estaba adornado con dos frontones y un largo friso esculpido con representaciones de episodios mitológicos

ARQUITECTURA ARCAICA. Tesoro de los atenienses

Tesoro de los atenienses. Santuario de Delos

ARQUITECTURA DE TRANSICIÓN AL CLASICISMO. PRINCIPIOS DEL SIGLO V A.C. TEMPLO DE APHAIA. EGINA

PLANTA

RECONSTRUCCIÓN

ARQUITECTURA DE TRANSICIÓN AL CLASICISMO. MEDIADOS DEL SIGLO V A.C. TEMPLO DE POSEIDÓN. PAESTUM

PLANTA

ARQUITECTURA DE TRANSICIÓN AL CLASICISMO. MEDIADOS DEL SIGLO V A.C. TEMPLO DE ZEUS. OLIMPIA.

PLANTA

RECONSTRUCCIÓN

ARQUITECTURA CLÁSICA. LA

ACRÓPOLIS DE ATENAS

ACRÓPOLIS. PROPILEOS.

El arquitecto Mnesicles fue quien proyectó los pórticos como si fueran fachadas de templos dóricos. El pórtico exterior tiene una plataforma a cada lado con tres columnas jónicas que sostenían un techo de mármol azul y estrellas. Los dos frentes tienen una fachada dórica, hexástila, con el intercolumnio central más ancho, dando paso a la calzada. El muro de acceso se articula en cinco vanos adintelados dispuestos en orden decreciente. Flanqueando la escalinata de acceso, encontramos un desarrollado basamento sobre el que se levanta el templo de Atenea Niké.

ACRÓPOLIS. TEMPLO DE ATENEA NIKÉ.

La planta, de muy pequeñas dimensiones, es propia de un templo anfipróstilo-tetrástilo, en el que tanto el vestíbulo delantero (pronaos) como el trasero (opistodomos) se convierten en pequeños pórticos. La cella o sala de la diosa, es casi cuadrada (4 x 4 metros). Es, por tanto, un templo muy pequeño, de dimensiones humanas; muy armonioso en sus proporciones. Todas las medidas están matemáticamente estudiadas para dar esa sensación de esbeltez, a pesar de su escaso tamaño.El friso del templo, que representa a Atenea, Zeus y Poseidón ayudando a los atenienses, es sin duda un intento de elevar la moral de la ciudad, que en aquellos años estaba sumida en otra contienda que acabaría perdiendo, la Guerra del Peloponeso.El proyecto se le encargó a Calícrates.

Partenón. Ictinos y Calícrates. Acrópolis de Atenas. (447-432 a. C.)

ERECTEION. PLANTA

Fachada principalHexástilo y jónico

Fachada norteTetrástilo y jónico

Tribuna de las cariàtides

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El Erecteion. Mnesicles. Acrópolis de Atenas. (421-424 a. C.)

ERECTEION. PLANTA

Fachada principalHexástilo y jónico

Fachada norteTetrástilo y jónico

Tribuna de las cariàtides

PERIODO CLÁSICO. SIGLO V. TEMPLO DE APOLO EN BASSAE

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PERIODO CLÁSICO. SIGLO V. TEMPLO DE APOLO EN BASSAE

PERIODO CLÁSICO. SIGLO IV. Tholos del Santuario de Delfos.

Un tholos (plural tholoi) es un templo de estilo clásico, generalmente griego, de planta circular rodeado de una columnata. El más conocido es el tholos de DelfosEl Tholos de Delfos está incluido en el santuario de Athena Pronaia. Esta construcción circular fue construida entre el 380 y el 360 a. C. Tiene 20 columnas dóricas dispuestas en un círculo de 14.76 metros de diámetro exterior, con 10 columnas corintias en su interior.


PERIODO CLÁSICO. SIGLO IV. Mausoleo de Halicarnaso.

El mausoleo estaba dividido en tres partes: un podio de planta cuadrangular, una columnata intermedia con 36 columnas y un cuerpo piramidal coronado por una cuadriga. El edificio estaba adornado con numerosas estatuas de mármol que representaban caballos y hombres tallados de forma muy realista, destacando el hecho de que ninguna de las esculturas estuviera dedicada a los dioses de Grecia

PERIODO CLÁSICO. SIGLO IV. Linterna de Lisícrates

En el helenismo temprano, las novedades arquitectónicas que encontramos se concentran en algunos edificios civiles y monumentos menores como en este caso. La Linterna de Lisícrates fue levantada en la época de Alejandro (336-323 a. C.) en Atenas como homenaje al ganador de un concurso teatral. El trípode se erige sobre una base arquitectónica que destaca por su riqueza decorativa y en la que podemos observar capiteles corintios, orden que normalmente se reserva para el interior de los templos

PERIODO HELENÍSTICO. SIGLO II A.C. TEMPLO DE ZEUS OLÍMPICO EN ATENAS (OLIMPEION).

El Templo de Zeus Olímpico, también conocido como el Olimpeion, es un templo de Atenas. Aunque comenzado en el siglo II a. C. no fue terminado hasta el reinado del emperador Adriano en el siglo II. En las épocas helenística y romana era el templo más grande de Grecia.

PERIODO HELENÍSTICO. TEMPLO DE APOLO EN DÍDIMO(TURQUÍA).

El templo griego de Apolo en Dídimo, Turquía, fue construido hacia el 300 a.C. Es un templo díptero, debido a la doble fila de columnas que rodeaba su espacio interior. Estas columnas jónicas, que alcanzaban los 19,5 m de altura, rodeaban una pequeña habitación que albergaba la estatua de Apolo.


PERIODO HELENÍSTICO. ALTAR DE ZEUS EN PÉRGAMO.

Uno de estos grandes altares construidos en el período helenístico fue el gran altar de Pérgamo, dedicado a Zeus o a Atenea. Sus ruinas han subsistido a través de los siglos y fueron descubiertas por un equipo de arqueólogos alemanes en el siglo XIX. En la actualidad puede contemplarse el gran friso de esculturas en la ciudad alemana de Berlín, en el museo de Pérgamo.Es una construcción colosal alzada sobre un podio, respetando la visión original; estaba construida en la segunda terraza de la acrópolis de la ciudad. El gran friso de las esculturas no formaba parte del entablamento sino del podio del templo. Arriba se encontraba una columnata de orden jónico dividida en tres cuerpos, uno central al fondo y dos laterales. La columnata central daba su espalda a un patio cuadrangular que era el espacio reservado para los sacrificios en que se quemaba incienso y se hacían libaciones en honor de los dioses.

PERIODO HELENÍSTICO. TEATRO DE EPIDAURO.

El género teatral es de creación griega y el edificio que alberga el espectáculo también es una construcción típicamente griega. Consta de tres partes esenciales: escena, orquestra y graderío. La escena se encuentra a nivel de tierra y en ella se emplean decoraciones giratorias en forma de prismas triangulares. La orquestra es la parte dedicada al coro; tiene planta circular y en el centro se alza la estatua dedicada a Dionisos, dios en cuyo honor se celebra la fiesta. El graderío tiene planta ultrasemicircular, rodeando en parte a la orquestra. El teatro más famoso es el de Epidauro, construido por Policleto el Joven a finales del siglo IV a.C. Se utilizó un desnivel natural del terreno de 24 metros para edificar una concha de 120 metros de diámetro que se divide en dos zonas. La parte inferior del hemiciclo está dividida en 12 cuneus con una treintena de gradas cada uno mientras que en la zona superior se hallan 22 cuneus con 20 gradas cada uno. En total podía albergar hasta 15.000 espectadores que disponían de dos tipos de asientos: los del pueblo consistente en las propias gradas y los de las personalidades políticas, con respaldo y brazos.

ESCULTURA GRIEGAESCULTURA GRIEGA

- Etapas: Período Arcaico, siglos VIII al VI a.C., desde el final de la llamada Edad Oscura hasta las Guerras Médicas (490-480 a.C.); Etapa Clásica, siglos V y IV a.C., desde las Guerras Médicas contra los invasores persas hasta el fin de la Guerra del Peloponeso (404 a. C.); Período Helenístico, desde finales del siglo IV a.C., a partir del reinado de Alejandro Magno (336-323 a. C.), hasta la conquista de Grecia por Roma, a mediados del II a.C.

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Características 1) La escultura tuvo como protagonista al ser humano. 2) Los escultores griegos trataron de plasmar la belleza física del cuerpo humano, por tanto, a los hombres y mujeres se tendió a representarlos desnudos o usando técnicas que insinuaban la anatomía humana (Ej. Paños mojados de Fidias). 3) Se dio una inclinación a la idealización del cuerpo humano. Se trató de reflejar la belleza idealizadamente, sin defectos. Aunque en la época helenística de dio un giro hacia el realismo, al aparecer las figuras tal como eran en su aspecto natural. 4) La belleza se entendía como la armonía entre medidas, de proporción entre las partes del cuerpo. La belleza residía en la relación numérica de cada parte con la inmediata y de todas con el conjunto. 5) Los artistas griegos no se limitaron al exterior de las figuras sino que trataron de exteriorizar estados de ánimo (expresiones del espíritu) desde la impasibilidad de las esculturas de la época arcaica, a la serenidad de la estatuaria de la época clásica, hasta llegar a gestos de dramatismo, de dolor y desesperación de ciertas obras de la época clásica pero sobre todo helenística. 6) Otra preocupación fundamental fue la plasmación del movimiento. Partiendo del hieratismo (falta de movilidad) de las representaciones escultóricas arcaicas, se llegaba a los movimientos serenos y contenidos de la época clásica (apolíneo) hasta desembocar en figuras que se agitaban, retorcían convulsivamente, se movían violentamente o estaban en disposiciones forzadas (dionisíaco), como ocurrió en los momentos finales del clasicismo y en la etapa helenística.

7. Era una escultura policromada. Las obras escultóricas (hechas en terracota o mármol) se cubrían de colores, aunque este aspecto no se puede apreciar en la actualidad por no haberse conservado pinturas en la mayoría de las estatuas (además muchas de ellas son copias romanas). Con ello acentuaban el sentido de realidad. 8) Los materiales utilizados fueros diversos:

*Terracotas (figuras de barro cocido). Sobretodo en la época arcaica. Las acróteras de los templos se solían hacer en este material.

*Caliza.

*Mármol. Fue el material más empleado y en el que están hechos los mejores ejemplos de estatuaria griega.

*Bronce.

*Oro y marfil. Esculturas crisoelefantinas.

9) Los griegos hicieron tanto esculturas de bulto redondo como relieves (altos y bajos).

10) Función. En un origen la esculturas griegas estaban destinadas a los templos, bien al culto de los dioses o como exvotos (ofrenda que se le ofrecía a la divinidad como agradecimiento de un don recibido); y a tumbas. También fueron frecuentes las representaciones de atletas desnudos, de damas haciendo una ofrenda, escenas mitológicas o hazañas guerreras.

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ESCULTURA ARCAICA (SIGLOS VII Y VI A.C.)

- Encontramos esculturas anteriores al período arcaico, muy simples: Pequeños exvotos y xoanas (esculturas talladas sobre el propio tronco del árbol).

- Ya en época arcaica encontramos las primeras esculturas de gran formato realizadas en piedra, fundamentalmente dos tipos muy característicos: Los kouroi o efebos (kourós en singular), figuras de atletas desnudos; y las korai o muchachas (kore en singular), figuras oferentes de mujeres vestidas. Estaban dedicadas a distintas divinidades y no eran retratos, sino estatuas votivas y conmemorativas idealizadas.

- Las características principales de la escultura arcaica son: de cuerpo entero; actitud hierática; ley de la frontalidad; modelado sencillo y de fuerte geometrización; estatismo, ya que únicamente se desplaza un poco la pierna izquierda para sugerir el movimiento de andar, pero sin conseguir la sensación de desplazamiento; y otros convencionalismos, como los grandes ojos almendrados, la sonrisa arcaica o eginética, expresión facial mediante un gesto forzado y convencional, las largas cabelleras de elementos geométricos, etc.

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Las Korai

- Características: vestidas, es más importante el estudio de los pliegues que el de la anatomía, encontramos dos tipos fundamentalmente, con el peplo dórico (túnica gruesa sin pliegues) y con chitón jónico (de textura fina y con abundantes pliegues); con los dos pies juntos; la mano libre sujeta el vestido o una ofrenda; con sonrisa arcaica. Son estatuas de carácter religioso, encontradas en los templos. Ejemplos: Dama de Auxerre, derivada de las xoanas; Hera de Samos, todavía muy arcaica; Kore del Peplo y otras korai evolucionadas del siglo VI a.C., como las descritas más arriba.

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Los Kouroi

- Características del siglo VII a.C.: Con la pierna izquierda adelantada, pero sin sensación de movimiento, ya que las plantas de los dos pies están pegadas al suelo; con los brazos caídos, pegados al cuerpo y los puños cerrados; modelado sencillo (que evolucionará hacia formas cada vez más conseguidas), con fuerte geometrización (sobre todo en pelo y torso), y desproporciones entre las distintas partes del cuerpo; con ojos almendrados y abultados; la boca siempre cerrada y con "sonrisa arcaica" ("sonrisa eginética"). Ejemplos: Cleobis y Bitón.

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CLEOBIS Y BITONS.VII A.C.


Los kouroi del siglo VI a.C.: Evolucionan hacia formas más redondeadas, perfeccionándose el modelado anatómico; también es menor la geometrización de las formas; se aprecian ya suaves movimientos; aparecen nuevos elementos. Ejemplos: El Moscóforo (joven portador de ternero como ofrenda); Jinete Rampín, con la cabeza ligeramente girada; el Kourós de Anavyssos y el Apolo de Piombino, kouroi con líneas más dulces.

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MOSCÓFORO s.VI a de C. Museo de la Acrópolis de Atenas

Autor: Anónimo, (talleres de Ática). Estilo: Período arcaico de Grecia. Material: Mármol del Monte Himeto, con incrustaciones de piedra en los ojos. Altura: 1,65 centímetros. La inscripción en su base dice que esta dedicado por Rombos, hijo de Pales.

El Moscóforo en el momento de su hallazgo

en 1866.

CABALLERO RAMPIN

KOUROS DE ANAVYSSOS

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APOLO DE PIOMBINO. Bronce. s. VI. 1,15 mts

Magnífica escultura en bronce hallada en 1832, en

el mar muy cerca de Piombino por lo que recibe este

mismo nombre. Se cree que se trata de una

representación del dios Apolo, y que, por tanto,

portaría un arco en la mano derecha y una flecha en

la izquierda.

Para hacer un trabajo en bronce, básicamente

primero se hacía un modelo en arcilla, que luego se

cubría con una capa uniforme de cera. Luego se

ponía en un molde adaptado bien a la cera, se hacía

salir ésta (con calor) y se vertía el bronce fundido

que ocupaba el espacio originariamente cubierto por

la cera. Una vez frío y sólido se sacaba el molde con

un cincel y se terminaba la figura. Este proceso era

complicado y normalmente no se hacían las estatuas

de una sola pieza. Pero en versión sencilla o

compleja, las estatuas de bronce debido al material

necesitan pocos o ningún apoyo para su equilibrio,

lo que las hace adecuadas para experimentar nuevas

posiciones. Se denomina técnica de la cera perdida. técnica de la cera perdida. técnica de la cera perdida. técnica de la cera perdida.


La Escultura Monumental (aplicada a la Arquitectura)

- Los frisos: Encontramos decoración escultórica en relieve en las metopas de los frisos dóricos y en los frisos corridos jónicos; en ocasiones también en frisos que decoran otros lugares de los templos u otros edificios.

- Los tímpanos de los frontones: Es el lugar preferido, decorados generalmente con esculturas de bulto redondo. Aquí encontramos el problema de adaptar la escena a la forma triangular del tímpano, produciéndose una evolución en la búsqueda de soluciones. Ejemplos: En el Templo de Artemisa en Corfú las figuras aparecen a distintos tamaños, recurriéndose a animales para las esquinas (Medusa y felinos); en el Tesoro de los Sifnos en Delfos y en el Templo de Afaia en Egina y en el Templo de Zeus en Olimpia, que pertenecen a la fase de transición entre el arcaísmo y el clasicismo, encontramos ya nuevas soluciones que respetan la proporcionalidad de las figuras, que van variando de postura (de pie, inclinados, arrodillados, sentados, recostados, tumbados), además también encontramos un mayor dinamismo en las figuras. Esta será la línea a seguir a partir de ahora.

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TÍMPANO DEL TEMPLO DE ARTEMISA EN CORFÚ

Tesoro de los Sifnos en Delfos

TEMPLO DE AFAIA EN EGINA

TEMPLO DE ZEUS EN OLIMPIA

El siglo V a.C. La Etapa Clásica

- En este siglo se produce un proceso febril de realizaciones para conmemorar la victoria frente a los persas y para reconstruir lo destruido.

- El objetivo estético es plasmar la belleza ideal, aunque es un arte naturalista se tiende a la idealización, partiendo de la realidad se crean arquetipos. El verdadero protagonista es el cuerpo masculino desnudo, consiguiéndose en su realización un dominio total de la anatomía. Los temas mas representados pertenecen al mundo mítico de los dioses y héroes, que son tratados con gran seriedad. Se pierde definitivamente el hieratismo, lográndose la movilidad de las figuras y captando gestos y actitudes. También se abandona la frontalidad, las esculturas tienen varios puntos de vista.

- Durante los primeros 50 años del s. V a.C. encontramos una etapa de transición hacia esos objetivos, aún con restos de arcaísmo, el “Estilo Severo”. Vemos pasos hacia la perfección anatómica, mayor dinamismo, y las soluciones para adaptar la escultura a los tímpanos de los frontones.

+ Ejemplos de este período son: Los Frontones del Templo de Afaia en Egina y los Frontones del Templo de Zeus en Olimpia (ya mencionados más arriba); los Relieves del Trono Ludovisi (Nacimiento de Afrodita); bronces como Poseidón, los Guerreros de Riace o el Auriga de Delfos.

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TRONO LUDOVISI. NACIMIENTO DE AFRODITAAutor Anónimo Museo de las Termas de RomaCaracteristicas: Mármol 102 x 144 cmEl trono Ludovisi es una de las obras cumbres de la escultura arcaica, aunque ya del periodo severo, ya que aún teniendo rasgos arcaicos ya anuncia otros clásicos. Es un bloque de mármol originariamente policromado con bajorrelieves es tres de sus caras y abierto en la parte anterior para formar una especie de trono. En lo que constituye el respaldo está representado el nacimiento de Afrodita en el acto de surgir de las olas ayudada por dos ninfas ( Las Horas). Los pliegues de la ropa se adaptan al cuerpo que surge de las aguas como si aún estuvieran húmedos. A ambos lados de la escena principal se encuentras dos figuras femeninas representación del amor sacro y del amor profano: en uno, la sacerdotisa, la esposa, cubierta con un velo, cuida celosamente de mantener la lámpara encendida; en el otro aparece una flautista tocando su instrumento , con las piernas cruzadas y desnuda, como si se tratase de una cortesana. Es uno de los primeros desnudos femeninos de la escultura griega.En el nacimiento de venus el relieve es muy bajo y se desarrolla casi en un único plano. La combinación de torso frontal y cabeza de perfil en la figura de Afrodita evoca una fórmula preclásica. , Destacan sobre todo los “paños mojados” (los “paños mojados”, que posteriormente tendrán gran influencia en Fidias y sus seguidores. Esto conlleva una controversia, puesto que el desnudo de la mujer se ve obstaculizado a la hora de ser figurado: los “paños mojados” permiten al artista aproximarse al conocimiento anatómico femenino sólo de este modo, mientras que el estudio del masculino estaba muy generalizado). Aparecen aquí pegados al cuerpo de la diosa, y dejan entrever su anatomía femenina.

Estatua de bronce representando al dios Griego Poseidón. "Poseidón Soter en Artemisium" (c. 575 A.C.). La estatua fue encontrada en el Mar Egeo en 1926.

Poseidón era el dios griego del mar y los terremotos. Poseidón era representado como un hombre barbudo y de pelo largo, que portaba un tridente y estaba acompañado de delfines y peces. Tenía la reputación de tener muy mal genio. El símbolo del poder de Poseidón era la lanza con tres pinchos conocida como el tridente. Las tormentas y terremotos eran una reflexión de su furia rabiosa. Cuando se enojaba, rompía las montañas y las tiraba al mar para formar las islas. Poseidón era el hermano de Zeus y Hades. Se casó con Anfitrite que era una de sus asistentes, las Nereidas. El dios griego Poseidón era conocido por los romanos con el nombre de Neptuno.

GUERREROS DE RIACE

Las estatuas son dos esculturas exentas, conocidas popularmente como el guerrero viejo y el joven, encontradas en el Mar Jónico, en las costas de Riace, muy cerca de Reggio Calabria.

Seguramente el barco que las transportaba sufrió un naufragio, y toda su carga, ha permanecido en el fondo del mar hasta 1972, año en el que fueron rescatadas.

EL AURIGA DE DELFOS

Se realizó en el año 474 a. C. para conmemorar la victoria de un conductor de carros (auriga) en los Juegos Píticos. La figura formaba parte de un grupo más

amplio en el que estaría incluido el carro y cuatro o seis caballos. De tamaño natural, la figura de bronce tiene una altura de 1,80

metros

Critios: destaca de esta etapa este escultor, autor de los Tiranicidas y el Efebo Atleta, que supone el inicio de la época preclásica, gracias a lo novedoso de su postura, precedente del “contraposto”: dobla una rodilla para apoyar todo el peso del cuerpo en una sola pierna, su anatomía es más realista, aunque el pelo sigue en la misma línea, corto; y la cabeza no está totalmente recta, sino un poco girada y ligeramente inclinada hacia abajo.

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A partir de mediados del siglo V a.C. se inicia la “Etapa Clásica” propiamente dicha:

+ Mirón: Broncista, aunque las obras que se conservan son copias romanas en mármol, como en la mayoría de los casos que vamos a ver. Su obra más famosa es el Discóbolo, en el que Mirón demuestra ser el maestro del movimiento, no estamos ante la tradicional postura erguida, sino que la que realiza es muy atrevida, capta un instante, el momento previo a lanzar el disco, el momento de esfuerzo máximo, por ello todo el cuerpo está en tensión, pero la cabeza no se acaba de corresponder con el cuerpo, ya que está demasiado tranquilo, concentrado, pero sereno. También suyo es el grupo de Atenea y Marsyas, en el que Atenea está andando y con la cabeza mira el suelo al mismo punto donde está mirando Marsyas, formando una uve, Atenea está serena y viste el peplos, Marsyas es una figura desnuda en tensión, lo que permite mostrar una potente musculatura.

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CRITIOS. EFEBO CRITIOS. TIRANICIDAS

MIRÓN. ATENEA Y MARSYAS

MIRÓN. DISCÓBOLO

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COMENTARIO DEL DISCÓBOLO

1. Clasificación: Escultura exenta. 2. Material: Mármol. Originariamente era de bronce. Esta es una copia romana en mármol que en sus tiempos estaba policromada.3. Tema: El Discóbolo4. Argumento: El atleta está en movimiento, representado en el instante en que va a soltar el disco. Es el momento más noble de competición atlética.

5. Características: Es una representación ideal de un atleta. Capta la naturaleza movimiento como si se tratara de una instantánea fotográfica. La perfecta descripción de la musculatura revela un conocimiento exhaustivo de la anatomía masculina. El rostro es inexpresivo e ideal y no revela el esfuerzo del lanzamiento.6. Autor: Mirón, escultor griego nacido en Eleutera. Trabajó principalmente el bronce.7. Cronología: 490-430 a.C.8. Periodo-estilo: Periodo clásico del arte griego.9. Contexto: Vivió en la época de máximo esplendor de Atenas, en que la ciudad encabezada la alianza militar de Liga de Delos para poner freno a la amenaza oriental de los Persas. Trabajo en la decoración de la Acrópolis. El Estado ateniense gastaba mucho dinero en obras de arte que daban prestigio a la ciudad. Estas esculturas se hacían en homenaje al vencedor de unos juegos atléticos, pero no guardaba parecido con la persona, pues los artistas griegos de este periodo trataban de plasmar en sus obras la belleza ideal, el hombre perfecto. Durante el siglo V estaba en boga la teoría de Platón de que el mundo terrenal era reflejo imperfecto de un mundo ideal supraterrenal.

Policleto: También broncista. Publica el "Kanon", obra en la que realiza un estudio de las medidas y proporciones del cuerpo humano, la belleza estaría en estas proporciones (la altura total del cuerpo es siete veces la cabeza) y en la simetría. En el Doríforo, portador de lanza, plasma todas sus teorías: cabeza esférica, proporciones y simetría, postura clásica o “contraposto”, erguido, con cierta curvatura en el torso y la cadera al descansar todo el peso sobre una pierna. El Diadúmeno posee unas características muy parecidas al anterior, aparece atándose una cinta a las sienes. Otra obra suya es una Amazona herida, premiada en un concurso para la decoración del Santuario de Éfeso, en el que compitió con Fidias y Crésilas hacia mediados del siglo V a.C.

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Doríforo. Policleto el Viejo. (450-440 a. C.)

Original en bronce. 2,12 m. Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.

Contraposto

curvatura en el torso y la cadera al descansar todo el peso sobre una pierna

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Kanon Policleto

La proporción del hombre es que la medida total del cuerpo será de 7 medidas de la

cabeza

DIADUMENO. POLICLETO

Representa a un atleta griego ciñendo en su cabeza la cinta de la victoria, de donde procede el nombre διαδούµενος / diadoumenos, «el que ciñe y desciñe», que deriva del término griego διαδέω / diadeo, «ceñidor o bien ceñido». Aún está desnudo después de la competición y eleva los brazos para atarse la diadema, una banda en forma de cinta que identifica al ganador y que en la obra original de alrededor del año 420 a. C. estaría representada por una cinta labrada


AMAZONA HERIDA. POLICLETO

Fidias: Unido a Pericles por la reconstrucción y ordenación monumental del Acrópolis de Atenas, es el escultor de los dioses, el que mejor capta la esencia de la divinidad, autor de dos gigantescas esculturas crisoelefantinas (núcleo de madera con placas de oro y marfil): la Atenea Parthenos, de la que se conserva una pequeña copia romana en mármol, la Atenea Farnesio, de unos 12 metros de altura y se encontraba en el interior del Partenón, lleva la coraza sobre el pecho, una túnica hasta los pies, el casco sobre la cabeza y una victoria de tamaño natural en la mano, su escudo mostraba la amazonomaquia en relieve en la parte delantera y la gigantomaquia pintada por la parte de atrás; y el Zeus de Olimpia, hoy perdido, que estaba sentado con una victoria en la mano derecha y un cetro en la izquierda, de 15 metros, sedente, obra que aseguró su inmortalidad.

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Otras obras suyas: la Atenea Prómachos, en bronce, sólo conoccida por monedas, es la salvadora y guardiana de la ciudad, representada como guerrera tenía unos 15 metros de altura, estaba situada en la mitad de la Acrópolis; la Atenea Lemnia, su mejor obra, cuya cabeza se ha denominado como “la belleza” porque corresponde con el canon de belleza perfecta del siglo V a.C.; la Amazona herida del concurso de Éfeso.

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ATENEA PARTENOS

Atenea Lemnia

También se atribuye a Fidias toda la decoración escultórica del Partenón, que influirá en los escultores del “Estilo Partenón” del “Estilo Bello”, de finales del siglo V a.C.: las Metopas del Friso del Dórico (composiciones claras, de dos o tres figuras, en altorrelieve); el Friso de las Panateneas (representación en bajorrelieve de la procesión de las Panateneas, en el friso alrededor de la cella del Partenón; no es una representación esquemática, las figuras son vivas e individualizadas, representadas mediante un naturalismo idealizado); las esculturas de los Frontones del Partenón (excelentes composiciones, en las que las figuras se ajustan perfectamente al frontón; en el frontón oriental se representa el Nacimiento de Atenea y en el occidental la Lucha de Atenea y Poseidón por el Ática; estudia la anatomía en los desnudos y de los vestidos en las figuras femeninas, aunque mediante la “técnica de paños mojados” también en este caso se adivina la anatomía).

FIDIAS EN EL PARTENÓN

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PROCESIÓN DE LAS PANATENEAS. FRISO DEL PARTENÓN. MÁRMOL DEL PENTÉLICO. 160 METROS.

FRISO DEL PARTENÓN

PARTENÓN. METOPA.

PARTENÓN. METOPA

METOPAS. PARTENÓN

PARTENÓN. FRONTONES

Krésilas destaca entre los escultores adscritos a este periodo: Realizó un Busto de Pericles, situado en el Acrópolis de Atenas, con casco corintio y muy idealizado. También conservamos su Amazona Herida del concurso de Éfeso.

PERICLES. KRÉSILAS.

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Kallimachos: Sus obras continúan en la línea de la técnica de los paños mojadosinaugurada por Fidias en el Partenón, la Afrodita de Frejus y el relieve de la Victoriaatándose la sandalia del Templo de Atenea Nike.

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Se producen cambios respecto al siglo anterior: Dioses y atletas siguen siendo los protagonistas,

pero ahora se representan los dioses más próximos al hombre y no los grandes del Olimpo y los

atletas en actitudes menos heroicas, más cotidianas; las figuras se hacen más libres, menos

majestuosas; el canon estético se estiliza; se acentúa el naturalismo en gestos y actitudes, los rostros

comienzan a reflejar el “pathos” (su expresión emocional y estado anímico); inicia su aparición el

desnudo femenino.

EL SIGLO IV A.C.EL SIGLO IV A.C.

Praxiteles: Es el escultor de la delicadeza, la elegancia y la belleza, de las superficies suaves.

Acentúa la tradicional postura clásica inclinando aún más la cadera, “curva praxiteliana”, aunque

continúa el quietismo de la composición. Obras suyas son el Hermes de Olimpia (uno de los pocos

casos en que conservamos el original, representa a Hermes, el mensajero de los dioses, llevando a

Dionisos niño durante un descanso en el camino), el Apolo Sauróctono (marca aún más la curva

praxiteliana y el cuerpo es más joven), la Afrodita de Cnido (con la que se inicia el desnudo

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HERMES CON DIONISOS NIÑO. PRAXITELES. Mármol. 2,12 mts. Museo de Olimpia

Curva praxiteliana

HERMES CON DIONISOS 343 a. de C. Praxiteles ANÁLISISTipo de escultura: Se trata de un grupo escultórico, exento, de bulto redondo formado por dos figuras, un joven en pie, desnudo, apoyado en un tronco y un niño también desnudo, sujeto en su brazo izquierdo. Ambos están apoyados en un tronco del árbol del que pende un manto con drapeados que casi ocultan el tronco. El brazo derecho de la figura está incompleto y la parte inferior de las piernas ha sido reconstruido en yeso. Es una escultura original griega. Su medida es de 2,12 metros. De altura. Tema: mitológico. Se ha interpretado como una conmemoración de la alianza entre Arcadia y Elida, cuyos patronos eran Hermes y Dionisos. Material la obra está trabajada en mármol, mostrando una gran calidad técnica, está claro, entre otros instrumentos el uso del trépano. (técnica escultórica) Composición: esta se concibe mediante una serie de líneas ascendentes, con el fin de que la atención se concentre en el rostro del joven, que aparece ensimismado en sus pensamientos. La figura principal presenta un contrapposto o esquema en S, mediante una postura lánguida y natural: el brazo derecho está en tensión con el hombro algo desplazado mientras que el izquierdo se apoya en un soporte; la pierna izquierda libre de peso, toca el suelo con la punta del pie, la derecha sujeta el cuerpo, resaltando así la línea de la cadera, la llamada "curva praxiteliana" . La ligera inclinación de la cabeza viene a completar el esquema. La luz es un elemento importante. Resbala con suavidad sobre las superficies y crea ricas modulaciones y matices sutiles., también aparece el claroscuro sobre el cabello y los drapeados del manto. La policromía es en la actualidad inexistente, pero si existiría originalmente, con los cabellos dorados, había sido policromada por Nicias. La forma de expresión es figurativa y naturalista, hay un gran interés por la belleza formal, especialmente en la figura principal, su anatomía es proporcionada, armónica, perfecta y sensual. El Hermes es indolente, en el reside un cierto espíritu femenino y una dulcificación de la musculatura La expresión de su rostro es distanciada e inaccesible, su cara presenta dos novedades: el trazado anchuroso de la nariz que sustituye la forma alargada, hasta entonces en boga y la manera de dibujar los ojos casi borrando el párpado inferior, lo cual produce una impresión de nebulosa “el esfumado”, el pelo está tallado a trépano. No hay ninguna relación afectiva entre Hermes y el niño el cual se considera que peor conseguido, se considera de peor calidad. COMENTARIO La obra es fruto de un estilo cuyo centro de interés es la figura humana. El dominio técnico hace pensar en una etapa de madurez, su expresividad, aquí identificada con la melancolía nos hace pensar en una escultura griega del período posclásico que se extiende durante el S.IV a.C. Cronología es del S. IV, esta obra se realizó en tomo al 343 a. de C. El autor es Praxiteles, gran escultor ateniense del S. IV a. de C escultor Cefisodoto En concreto es el Hermes y Dionisos de Praxiteles. Es un tema mitológico, el joven Hermes lleva a su hermanastro para que lo cuiden las ninfas, parece ser que ha hecho un alto en el camino y que ofrecía con la mano derecha un racimo de uvas que Dionisos se esfuerza por alcanzar. A pesar de tratarse de dioses, el tema es anecdótico y está representado de forma afectuosa. Es típico del postclasicimo, y concretamente de Praxíteles la representación de un momento fugaz. Función religiosa pues se trataba de un exvoto entregado al templo de Olimpia, según el testimonio de Pausanias. Fue hallado "in situ"" durante las excavaciones realizadas en dicho emplazamiento en 1877. Los testimonios de historiadores griegos daban testimonio de cómo en este Santuario había más de 3000 estatuas. Relaciones estilísticas esta obra está relacionada con otras del mismo autor como El Apolo Sauróctono, Afrodita de Cnido, y la Afrodita de Arles. Contexto histórico La obra se realiza en el S. IV, en el que se ha producido en Grecia la guerra del Peloponeso (401-403a. de C.) Atenas, a pesar de la derrota frente a Esparta se recuperó y restauró su democracia, pero nunca recuperó el poder, en la cuna de la democracia se instauró una oligarquía. Politicamente y militarmente se vio sometida al equilibrio de fuerzas de las tres potencias, Atenas, Esparta y Tebas. Sin embargo una potencia exterior estaba a punto de tomar las riendas de la situación, Macedonia país bárbaro del norte de Grecia, donde reinaba Fi1ipo II, que intervendrá en la política exterior .Macedonia logrará aumentar sus dominios e intervendrá en los asuntos internos de los griegos y aunque se creará una liga en contra de los Macedonios, finalmente Atenas será conquistada por Filipo en 337, proclamando una paz general. Estamos en la antesala de un nuevo período, el Helenismo.

APOLO SAUROCTONO. PRAXITELES. Mármol. Museo del

Louvre.

Curva praxiteliana

El Apolo Sauróctono era una estatua de bronce y de tamaño natural realizada por Praxíteles en el siglo IV a. C. Es mencionada por Plinio y representaba a Apolo en su adolescencia a punto de herir a un pequeño lagarto que trepaba por el tronco de un árbol.

AFRODITA DE CNIDO

Curva praxiteliana

La desnudez en la Afrodita Cnidia es un buscado y logrado elemento de erotismo: la seducción ha sido acentuada merced a la tersura que se ha obtenido en el fino labrado del mármol que constituye a la estatua. Tersura realzada por las curvilíneas y suaves (mórbidas) formas, grácilmente femeninas del cuerpo. Formas que se "mueven" con un perfil sinuoso (en "S"). La representación toma, en efecto, a Afrodita cuando presta al baño, deja caer casi lánguidamente sus vestiduras sobre una hydria (gran ánfora para agua) que está a su costado. La vestidura y el ánfora, pese a la impresión opuesta sugerida, cumplen la función de fuerte soporte estructural, de manera que así el cuerpo puede "rotar" ligera y levemente hacia adelante y hacia la izquierda, casi en un gesto de, instintivo aunque despreocupado, pudor. Como si la diosa hubiese sido sorprendida en tal pose por un extraño. Por ello, "lleva" su mano diestra delicadamente a cubrir incompletamente el pubis.

Scopas: Escultor del "pathos", de la pasión, reflejándose en las figuras el estado del alma (angustia

agitada). Atraído por temas trágicos o patéticos, lo que se aprecia en obras como su Bacante oMénade Herida (con el cuerpo agitado por movimientos convulsivos, con el torso retorcido, girando

el cuello hacia atrás, la cabellera desordenada y revuelta). También realizó los relieves orientalesdel Mausoleo de Halicarnaso y la estatua de Mausolo.

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MÉNADE HERIDA .SCOPAS

Aparece representada cuando, poseída por el furor dionisíaco, danza frenéticamente en pleno éxtasis, semidesnuda, por lo que aparece en una violenta contorsión, dibujando su cuerpo una curva pronunciada, ya que está inclinada hacia atrás, abriendo provocativamente el vestido por uno solo de sus lados por efecto del violento movimiento, con la cabeza elevada, torcida, mirando hacia arriba, los ojos hundidos y el pelo rizado cayendo por la espalda. Se ha roto la serenidad y el equilibrio fidíaco mediante la plasmación del frenesí de la ninfa, ya que toda ella se mueve. De nuevo para los escultores griegos, el alma se representa a través de todo el cuerpo. Es destacable el trabajo muy profundo de los paños que provoca violentos contrastes de luz y sombra, realizados con la técnica de “paños mojados”, adheridos al cuerpo, transparentándolo.

Lisipo: Escultor arcaizante, admirador de Policleto, pero en él el naturalismo está más acentuado.

Nuevo canon de belleza, más esbelto, ahora el cuerpo como ocho cabezas, disminuyendo el tamaño

de ésta, por lo que el cuerpo resulta más alto en proporción a la anchura.

DORIFOROPOLICLETO APOXIOMENO. LISIPO

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APOXIOMENO. LISIPO

El Apoxiomeno es una estatua de mármol de época romana que se encuentra en los museos Vaticanos. La mayoría de los historiadores de arte sostienen que se trata de una copia de otra estatua de bronce perdida de la antigua Grecia realizada por Lisipo hacia los años 340-330 a. C. Pero algunos autores han cuestionado que esta copia sea similar a la estatua realizada por Lisipo.Mide 2,05 metros de altura. Una de las manos es restauración moderna.Se trata de un atleta desnudo que se limpia de aceite con el estrígil. El conjunto produce un efecto de movimiento momentáneo. Se apoya en una pierna mientras la otra está desplazada hacia un lado, recibiendo parte del peso. La cabeza es pequeña y está girada de forma parecida a la del Doríforo de Policleto, obra que debió de tener influencia en la realización de esta estatua.

HÉRCULES FARNESIO. Mármol imitación del bronce de Lisipo. 3,40 mts.

El héroe está figurado en reposo y pensativo, apoyado sobre la clava y la piel de león; la pequeña cabeza del musculoso héroe se presta para adaptarse al nuevo canon lisípeo. Una estatua gigantesca de Hércules descansando, apoyado en la clava, fue ejecutada en bronce por Lisipo para Tarento, y de allí trasladada a Roma.

OTROS AUTORES.TIMOTEO

LEDA Y EL CISNE

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OTROS AUTORES. LEÓCARES.

APOLO BELVEDERE. Museos Vaticanos. 2,45mts. Mármol.

La escultura representa al dios griego Apolo que acaba de vencer a la serpiente Pitón, un monstruo que recientemente había causado estragos en la costa de Delfos. La flecha acaba de salir de su arco, y aún perdura el esfuerzo impreso en su musculatura. Su cabello, ligeramente rizado, flota en tirabuzones sobre su cuello y se alza graciosamente en lo alto de su cabeza, que está rodeado con el strophium, una banda simbólica de reyes y dioses. Su aljaba cuelga del hombro izquierdo. La ropa (clámide) está sujeta sobre el hombro derecho, vuelta sólo sobre su brazo izquierdo y echada hacia atrás.

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ESCULTURA HELENÍSTICA (SIGLO III a. C.-SIGLO I) El Helenismo es la etapa de la crisis de la polis, al englobarse la constelación de ciudades-estado en una unidad política bajo el dominio macedónico. - En este nuevo mundo político, organizado por el genio de estadista de Alejandro Magno, no tienen sitio los ideales de armonía y medida de la Grecia clásica y son sustituidos por nuevos valores, la cultura griega se universaliza, admitiendo las aportaciones de los pueblos orientales con los que funde, surgiendo así una cultura mixta, en la que se mezclan la tradición clásica, el orientalismo (colosalismo y decorativismo) y una nueva concepción de la vida, no basada ya en elevados ideales sino en la búsqueda del goce de la misma. - Artísticamente partirá de las conquistas del siglo IV a.C., pero la escultura es más naturalista, incluso llegando al realismo más crudo en ocasiones, se acentúan la expresividad de los rostros y las actitudes, se prefiere el desequilibrio de los cuerpos retorcidos a las serenas posturas fidíacas, el dramatismo de las expresiones a los rostros tranquilos, la fealdad de monstruos o seres amenazadores a la belleza clásica, así mismo se enriquecen los puntos de vista, aumenta la monumentalidad y la variedad temática, en definitiva, se tiende a la barroquización de la escultura.

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HELENISMOTriunfo del realismo, el retrato: Se van a reproducir los rasgos individuales, el realismo avanza en los retratos, descarnados, sinceros y de gran penetración psicológica.

Homero

¿Eurípides?

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HELENISMOEl desnudo femenino: Ahora momento de esplendor del tema. Destacan la Afrodita de Milo(mutilada, lo que ha hecho de ella una de las más bellas y famosas) y la Afrodita agachada(tema de éxito en el helenismo).

VENUS DE MILO

AFRODITA AGACHADA

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La Afrodita de Milos (griego: "Αφροδίτη της Μήλου"), más conocida como Venus de Milo es una de las estatuas más representativas del periodo helenístico de la escultura griega, y una de las más famosas esculturas de la antigua Grecia. Fue creada en algún momento entre los años 130 y 100 a. C., y se cree que representa a Afrodita (denominada Venus en la mitología romana), diosa del amor y la belleza. Esculpida en mármol en un tamaño ligeramente superior al natural, a la estatua le faltan los brazos, que se han perdido. El autor es anónimo, aunque tradicionalmente se ha atribuido a Praxíteles. Otra opción, según una inscripción en su pedestal, es que pudiera ser obra de alejandro de Antioquía. Actualmente se encuentra en el Louvre de París.

Los temas de género: Se van a desarrollar mucho durante el helenismo. Como ejemplos El niño de la oca, los Luchadores(escena de gimnasio que capta el momento de tensión máxima), la Vieja ebria(en la que no encontramos ya ni rastro de la belleza ideal), el Espinario(niño quitándose una espina después de una prueba deportiva, el tema de los niños tuvo mucho éxito en este período) o el Hermafrodita tumbado.

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Niño de la Oca

Luchadores

Estatua de “Vieja ebria” De

original helenístic

o Mármol. 94 cms.

Niño de la Espina

- La Escuela de Alejandría, las alegorías: Gusto por las alegorías, como la de El Nilo (se

representa al río como figura humana, rodeado de otros elementos que lo identifican).

Alegoría del Nilo. Detalle.

Alegoría del Nilo

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- La Escuela de Pérgamo, las grandes composiciones: Son famosas sus grandes composiciones,

heroicas, de fuerza patética y gran intensidad emotiva, como el Monumento de Atalo I (para

conmemorar la victoria frente a los galos, del que se conservan algunas figuras exentas de gran

realismo, hasta el extremo de identificarse claramente sus rasgos raciales) o los Relieves del Altarde Zeus en Pérgamo (la obra cumbre de este tipo por los efectos de dolor y esfuerzo, perfectamente

logrados al tallar la anatomía, el tema es La Gigantomaquia o lucha entre los dioses y los gigantes).Gálata

moribundo. Monumento de Atalo I

Gálata. Detalles.

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Coloso de Rodas

Fauno Barberini El Laoconte

- La Escuela de Rodas, colosalismo y movimiento: Gusto por lo colosal y gigantesco, por el movimiento contorsionado y por la expresividad, sobre todo los gestos de dolor de los rostros. Ejemplos el Coloso de Rodas(gigantesca escultura a la entrada del puerto de Rodas, bajo la cual pasaban los barcos, una de las Siete Maravillas del mundo antiguo), el Fauno Barberini(de un realismo extremo) la Victoria de Samotracia(con las alas desplegadas y el cuerpo hacia adelante, desafiando al viento, mostrando una gran maestría en el estudio de los ropajes, que se hacen transparentes al pegarse al cuerpo por efecto del viento), el Conjunto de Laoconte(de Agesandros, Polidoros y Atenodoros, famoso por su expresividad y la representación del dolor mediante la anatomía en tensión por el esfuerzo físico, resumen del barroquismo helenístico, representa el castigo que se le dio a este sacerdote troyano por dudar del caballo de Troya, matando tanto a él como a sus hijos con serpientes marinas) o el conjunto escultórico del Toro Farnesio(realizado por Apolonios y Tauriscos, representa el momento en el que los hijos de Antíope deciden castigar a Dirce, que había tratado cruelmente a su madre, arrastrándola con un toro hasta morir).

Toro FarnesioEstudiar

Reconstrucción del Coloso de Rodas

Fauno Barberini. Gliptoteca de Munich.

2,15 mts.

Victoria de Samotracia. s. II a. C. 2,45 mts. Museo del Louvre.

Laooconte, Antifantes y Timbreo. Copia de la obra. Museos Vaticanos.

2,43 cms.

En la mitología griega Laocoonte (o Laoconte era el sacerdote de Apolo Timbreo en Troya, casado con Antiopa y padre de dos hijos. Según el relato de Virgilio en la Eneida, después de que los sitiadores aqueos hubieran simulado una retirada, los troyanos encontraron un caballo construido de madera en las puertas de Ilión.Lacoonte pronuncia la famosa frase (Desconfío de los dánaos (griegos) incluso cuando traen regalos),alertando a los troyanos de que podría ser una trampa, que dentro del caballo podía haber tropas aqueas y sugirió quemarlo, pero los troyanos no le hicieron caso. En su osadía lanzó palos en llamas para tratar de quemar el caballo de madera, en ese momento dos grandes serpientes emergen de las aguas y devoran a sus hijos; angustiado, se lanza a luchar contra las serpientes y también resulta devorado.

Curiosidades sobre el Laooconte

Estudiar a través de lámina

Laooconte

La estatua originaria era de bronce, trabajada con la técnica de la fundición. A nosotros nos ha

llegado una copia realizado por los romanos en talla en mármol.

Pertenece a la escuela de Rodas, en la que estaban Agesandros, Polidoros y Atenodoros, los

autores de esta obra. Otras de las obras más importante de esta escuela, es el Coloso de Rodas.

Se trata de Laocoonte, una escultura de bulto redondo de musculatura exenta. Se trata de la

representación de un sacerdote sufriendo, junto a sus dos hijos, por el ataque de dos serpientes

marinas, la cual es enviada por Poseidón para que no delatara a los griegos y su famoso caballo de

Troya frente a los troyanos.

Las extremidades inferiores del hijo derecho están de perfil, al igual que el tronco. La cabeza está

girada mirando a su padre con un rostro totalmente expresivo reflejando su dolor. El brazo derecho

está alzado por la presión de la serpiente, mientras que el brazo izquierdo está flexionado tirando

de la serpiente. El hijo izquierdo tiene las piernas de frente, con la pierna derecha apoyada en el

suelo y la izquierda flexionada para liberarse de la serpiente, con lo que deja todo el peso del

cuerpo en la pierna derecha y el pódium. El tronco está visto de frente y está inclinado hacia

delante. Su rostro es de perfil, clavando la mirada en su padre y en su rostro se refleja la necesidad

de auxilio. Laocoonte, que se sitúa en el centro, tiene la pierna derecha flexionada por la fuerza

que ejerce sobre él la serpiente, mientras que la izquierda está casi estirada. Las dos piernas están

soportando el peso del cuerpo, ayudado por un pódium. El torso se ve de frente, mostrando un

perfecto ejemplo de cuerpo idealizado y retorcido. El brazo derecho flexionado hacia arriba y el

izquierdo casi en tensión sujetando a la serpiente. La cabeza está de frente, con un rostro de dolor

totalmente expresivo.

Con este conjunto escultórico, la escuela de Rodas representa casi todas las características de

la escultura griega helenística: expresividad en el rostro, cuerpos retorcidos, musculatura

idealizada… que son muy utilizadas en las esculturas de esta época.

Toro Farnesio

Este colosal grupo escultórico de mármol representa el mito de Dirce. Anfión y Zeto, hijos de Antíope, la ataron a un toro salvaje, pues querían castigarla por el mal trato infligido a su madre, la primera esposa de Lico, rey de Tebas.

Arte griego

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