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Historia del Arte. ARTE BARROCO

1 IES Lacimurga C. I. Javier Pérez (DTO. Geografía e Historia).

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ARTE BARROCO 1. Arquitectura

1.1 Concepto y características generales. El término barroco aparece en el siglo XVIII con un cierto sentido peyorativo, y su origen aparece

derivar de “barrueco”, nombre dado a una perla de forma irregular, asociándolo a la complejidad del arte de esta época. De ahí que lo irregular y lo complejo se mezclan en la definición de lo barroco.

Actualmente, entendemos por Barroco el estilo que a lo largo del siglo XVII y parte del siglo XVIII aparece en Italia y se extiende por Europa, con un lenguaje propio y complejo, con distintas soluciones estéticas y formales. El arte barroco se puede definir como la manifestación de los tres poderes establecidos: la iglesia, la monarquía y la burguesía. Podemos dividir la producción artística barroca en

dos grupos: la derivada de la burguesía protestante y la que proviene de la Iglesia y el poder real.

a. Urbanismo.

El arte Barroco se caracteriza por ser un arte integrador de espacios en un todo unitario, característica fundamental del urbanismo moderno. Se busca, pues, la integración de la arquitectura y los monumentos del marco urbano (fuentes, obeliscos…). Aparecen en esta época los planos reguladores. Roma se convierte en la

ciudad capital del urbanismo europeo.

Bajo el pontificado del Papa Sixto V, ayudado por el arquitecto Doménico Fontana, se convertirá en un ejemplo de transformación y renovación urbana. Su objetivo es trazar grandes vías que unieran las siete basílicas,

para que el peregrino las pudiese visitar en una sola jornada. También en esta época G. L. Bernini será el encargado de diseñar la Plaza

de San Pedro del Vaticano, integrando en un mismo espacio la fachada de la basílica, la

columnata y el obelisco. Según palabras del propio Bernini: “la plaza abraza a sus hijos en la

fe e invita a los no creyentes a entrar en ella”. Como ejemplo de urbanismo de integración puntual tenemos la Plaza Navona de Roma, donde podemos observar el tratamiento unitario

de los edificios, la singularidad de la facha de de la iglesia de Santa Agnese y la fuente de los Cuatro Ríos, obra de Bernini.

b. La arquitectura religiosa.

En la arquitectura, la iglesia representa el poder religioso y el Barroco pretende potenciar la liturgia como vehículo transmisor de las ideas de la Contrarreforma.

Triunfo de Baco y Ariadna (A. CARRACCI)

Plaza San Pedro del Vaticano (Roma)

Piazza Navona (Roma). El antiguo circo de Domiciano se cristianizó con la “Fuente de los

Cuatro Ríos”, obra de Bernini.



El edificio barroco tiene

una concepción unitaria en la que no se trata de añadir módulos sencillos sino de dar forma arquitectónica a un espacio único, como si

de una escultura se tratase. En las iglesias se trata de conseguir espacios para la liturgia de la

Eucaristía, de la palabra, de la penitencia y también de la oración. Con este

objetivo se buscan soluciones como la nave única de gran

amplitud para albergar a un gran número de fieles y capillas laterales dedicadas a la devoción de santos. El modelo de la iglesia del Gesú (Roma) será seguido por los arquitectos italianos y españoles. La fachada de los edificios no se entiende como una parte aislada, sino que se integran en las plazas y se relacionan con su entorno. Así, los elementos de la fachada se superponen y los muros se ondulan creando una sensación de movimiento y de juegos lumínicos que

potencian la teatralidad barroca y conducen al fiel desde el exterior hasta el altar. Borromini, en la Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes (Roma) fue el ejemplo más claro de iglesia de planta flexible y pared ondulante mediante líneas cóncavo-convexas.

Iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes (BORROMINI)



Las plantas de las iglesias se centralizan y

ofrecen múltiples soluciones: la planta circular, la elíptica transversal, la elíptica longitudinal, la octogonal…, o esquemas derivados de complejos esquemas geométricos a fin de conseguir un espacio unitario. Esta centralización espacial conlleva a la integración de la cúpula. Esta obra

influirá en la Capilla del Santo Sudario de Guarino Guarini en Turín, quien en su obra tiene como referencia la arquitectura gótica. En arquitectura aparece un repertorio de infi-nitas curvas (elipses, parábolas, hipérbolas…)

que sustituyen al perfecto arco de ½ punto romano. Las columnas se retuercen en hélices salomónicas. Los frontones son curvos. Los muros

se curvan a la búsqueda de mil quebradas perspectivas y efectos luminosos. La arquitectura ocultará las estructuras fundamentales mediante enlucidos, relieves,

quebrando las cubiertas con fingidos cielos y la pintura imitará sólidas arquitecturas. Así se creará el riquísimo y peculiar lenguaje del Barroco. 2 El arte barroco en Italia. 2.1 arquitectura barroca italiana: BERNINI Y BORROMINI. El estilo Barroco nace en Italia y los nuevos

mecenas son principalmente los Papas. Así el arte barroco italiano mantiene unos esquemas que son clásicos y prevalece la iconografía religiosa. Los antecedentes más claros los encontramos en VIGNOLA y Carlo MADERNA.

De VIGNOLA ya vimos su iglesia del Gesú en Ro-ma, modelo de iglesia para la compañía de Jesús, además de la sobriedad y austeridad de su planta, en su fachada incorpora ménsulas invertidas para unir el cuerpo ático con el resto, siendo esta solución tema de inspiración de numerosas obras barrocas.

Carlo MADERNA es el arquitecto encargado de terminar la basílica de San Pedro del Vaticano. Deshace la primitiva idea de Bramante, de la planta de cruz griega, y alarga la nave mayor.

Pero el mejor arquitecto de este estilo es Gian Lorenzo BERNINI, hombre de amplia formación, es escultor, pintor, decorador, urbanista y por supuesto arquitecto. En 1624 construye el baldaquino de San Pedro, que cubre el altar mayor situado bajo el cimborrio de la basílica. Esta inmensa construcción de bronce apenas tiene una línea

recta, gira y se retuerce como una gran llamarada. Pero su obra más trascendental como arquitecto es la columnata de la plaza de San Pedro en Roma. De planta elíptica, las columnas nacen de la fachada de la basílica como dos grandes brazos que acogen a la humanidad.

Iglesia del Gesú (VIGNOLA)

Baldaquino de San Pedro

Columnata de San Pedro del Vaticano (BERNINI).

Cúpula de la capilla del Santo Sudario (G. GUARINI) en Turín.



Francisco Castelli (BORROMINI). Comienza su actividad colaborando con Maderna y con Bernini. Entre sus primeras obras señalamos la iglesia de Santa Inés (Roma), situada en Piazza Navona, plaza edificada sobre la planta del antiguo circo romano. La iglesia es toda una declaración de intenciones de la nueva estética barroca, con una fachada que se adelanta y se retrasa dentro de la

propia plaza. Mucho más audaz es la iglesia de San Carlos de las Cuatro Fuentes, también en Roma, de planta elíptica y pared ondulante, resuelta mediante líneas cóncavo-convexas que envuelven al espectador.

2.2 Escultura barroca italiana: BERNINI. En escultura también es Roma el centro creador y pro-pagador de las formas barrocas. Lorenzo Bernini y su obra representan el máximo esplendor de la escultura

barroca. La estética barroca expresa a través de la escultura las pa-

siones del alma. Las características de la escultura

barroca son: Uso de técnicas muy diversas para

conseguir las mejores calidades y texturas

de la piel, músculos, telas… El tema más cultivado es el religioso. Se

trata de una estética al servicio de la Iglesia católica. También se representa al

hombre como héroe, presente en la

escultura funeraria y en las estatuas ecuestres; los temas alegóricos para las fuentes monumentales en las plazas de las ciudades; y el tema mitológico para palacios y jardines.

La escena se fija en el momento de mayor intensidad y dramatismo y se representa en puras escenografías, como en el teatro.

La predilección por la línea serpentinata, es decir, el cuerpo humano captado mientras realiza un movimiento en espiral como consecuencia de un movimiento de rotación.

Los violentos juegos de luces y sombras a través de los

ropajes, los cabellos…

G. L. Bernini.

Bernini es con relación a la escultura del siglo XVII, lo que

Miguel Ángel fue a la del siglo XVI. Sus características

principales serán: el movimiento exaltado, la búsqueda de calidades texturales y un profundo naturalismo. En sus primeras obras, presenta figuras combatiendo o en pleno movimiento, de gran fuerza expresiva y de iconografía mitológica y bíblica. Entre

otras destacan: Apolo y Dafne, el rapto de Proserpina y El David.

Tiene tamaño real y está ejecutada con mármol. Representa al futuro rey David, uno de los personajes del Antiguo Testamento, en la escena en que derrota al gigante Goliat lanzando una piedra con una honda. En comparación con otras versiones pasadas del tema, como la famosa estatua el David de Miguel Ángel, se muestran cualidades paradigmáticas de la escultura del Barroco. Sobre la placidez clásica y renacentista, Bernini introduce emoción y dinamismo. El cuerpo de la figura se muestra en el instante en que se dispone a tirar la piedra, los dos pies apoyados, el cuerpo medio girado. La figura está en tensión, el movimiento y la potencia están implícitos. La cara muestra concentración, con el ceño fruncido e

San Carlos de las Cuatro

Fuentes

Iglesia Sta. Inés

Beata Ludovica Albertoni (BERNINI)

Santa Cecilia (C. MADERNO)

Santa Teresa (BERNINI)

El David (BERNINI)



incluso mordiéndose el labio inferior. Este David no es el guerrero perfecto e idealizado, sino uno muy humano esforzándose para lograr sus metas. A sus pies, un arpa hermosamente tallada, que indica que David se convertirá en un poeta. Tampoco es típico de las esculturas anteriores de Bernini el representar un hombre, en otras obras como Apolo y Dafne elige modelos mucho más jóvenes y delicados.

Más adelante labrará su obra más conocida, el Éxtasis de Santa Teresa. El tratamiento de las calidades es absolutamente pictórico, dando a los paños una ligereza casi inmaterial que contrasta con la sensación de peso de la santa desvanecida. Se aborda, en esta obra, incluso la representación de las nubes flotando en el aire.

2.3 La pintura barroca italiana: CARAVAGGIO. Al igual que en la escultura, interesa la expresión y la representación de los sentimientos interiores, las pasiones, los temperamentos. También en el campo de la pintura es Italia, y especialmente Roma, el centro Barroco, con los Carracci y Caravaggio como principales representantes.

Así pues desde el punto de vista formal, la pintura barroca se caracteriza por:

El naturalismo y el realismo llevan a representar lo deforme, el dolor, incluso a veces cadáveres en putrefacción.

Predominio del color sobre el dibujo. En los

grandes maestros las manchas son las definidoras de las formas; se puede comprobar en la pintura de Velázquez o de Rembrandt, por ejemplo.

Dominio de la perspectiva aérea, en la que se intenta representar la atmósfera que envuelve a los objetos.

Profundidad. En el Barroco se acentúa la

selección delante-detrás y la pintura parece poseer tres dimensiones.

Hegemonía de la luz. El Barroco es el arte de plasmar, pictóricamente, la luz. En correlación, la sombra juega un papel hasta entonces inédito,

especialmente en los primeros ensayos del estilo

(tenebrismo). En el Barroco la forma se subordina a la luz, y pueden desvanecerse las formas por de-bilidad o intensidad del centelleo luminoso.

Composición asimétrica. La tendencia instintiva a colocar la figura principal en medio y a pintar dos mitades de tela semejantes (simetría) se pierde, de la misma manera que se desecha la malla de

líneas horizontales y verticales del arte clásico. Se prefiere todo aquello que muestre desequilibrio o sugiera que la escena continúa más allá de los límites del marco.

Movimiento. El Barroco no puede detenerse en formas estáticas, las figuras son inestables, predominan los escorzos, las ondulaciones…

Las técnicas que se emplean son el óleo sobre el

lienzo, y el fresco para las bóvedas. El tema predilecto es el religioso, aunque no se

olvidan los temas paganos, como la mitología y la historias clásicas.

Caravaggio.

Michelangelo Merisi (Caravaggio). Fue el iniciador de la técnica del tenebrismo en pintura. En sus obras hay una preocupación constante por el estudio de la luz. Este afán le llevó a pintar en su sótano con un foco

de luz elevado y único, que normalmente cruza en diagonal la escena pintada y resalta ciertos aspectos mientras arrincona en la penumbra otros detalles.

La muerte de la Virgen (CARAVAGGIO)

Crucifixión de San Pedro (CARAVAGGIO)



Estas atmósferas de luz y tiniebla suelen enmarcar temas

concebidos con un fuerte naturalismo, que prefiere bucear en los aspectos desagradables de la realidad. Cuando Caravaggio eligió para modelo de María, en El entierro de la Virgen, a una mujer ahogada en el Tíber, el vientre hinchado y el rostro abotargado fueron considerados como gestos de impiedad.

Finalmente Caravaggio recurre con frecuencia a la adopción de un punto de vista bajo, especie de contrapicado cinematográfico, como si la escena fuese contemplada por una persona tumbada en el suelo, con lo que adquiere grandeza y profundidad, así en La crucifixión de San Pedro, El entierro de Cristo...

La vocación de San Mateo es la obra en la que más claramente se percibe la nueva manera de tratar la luz, al colocar las figuras en una habitación oscura que recibe

iluminación únicamente de un ventanillo que no se ve, en un ángulo superior del cuadro.

El tenebrismo es la máxima contribución de Italia. En casi todos los países de Europa hubo una etapa tenebrista, o pasaron por ella los grandes maestros como Rembrandt, Zurbarán, Murillo o Velázquez. Además de la revolución caravaggiesca la

aportación de Italia al Barroco se resume en otras dos escuelas, la boloñesa y la veneciana, donde destacaron pintores como: los hermanos Carracci,

Tiépolo o Canaletto.

3. La pintura flamenca: RUBENS. El enfrentamiento entre católicos y protestantes, el desarrollo del comercio y los deseos de independencia produjeron la escisión, en el siglo XVII de los Países Bajos en

Holanda (protestante) y Flandes (católica). La aristocracia y la Iglesia fueron los principales clientes de los artistas.

Además de la pintura religiosa y profana, también se desarrolló el retrato. El barroco flamenco encontró su mejor expresión en la

pintura, especialmente de Rubens y sus discípulos Van Dyck y Jordaens.

Peter Paul Rubens.

Pedro Pablo RUBENS, de origen alemán, pasó la mayor parte de su vida en Flandes. Su estilo podría resumirse en tres exaltaciones: el color, el movimiento y la forma gruesa. La gama de colores y la soltura de la pincelada, adquieren una intensidad pocas veces alcanzada. Las composiciones adquieren un dinamismo

La vocación de San Mateo (CARAVAGGIO)

Las tres gracias (RUBENS)

El entierro de Cristo

La huida a Egipto (A. CARRACHI)

Frescos Palacio Real (TIÉPOLO)

La regata (CANALETTO)



extraordinario: músculos en tensión, diagonales

enérgicas, árboles que se retuercen… Finalmente sus mujeres gruesas muestran su inclinación hacia la figura redonda y voluminosa, acorde con el modelo estético femenino del momento. La obra legada por Rubens es enorme, aunque actualmente se atribuye parte de ella a su taller.

El género religioso está representado por grandes composiciones como La adoración de los Reyes Magos (Museo del Prado). En sus obras mitológicas domina la sensualidad de sus desnudos. En Las tres gracias da rienda suelta a su devoción por las formas femeninas ampulosas.

En El Juicio de Paris, destacan la genial representación de los musculosos jóvenes y nacaradas ninfas de piel

blanca. Como retratista, sus obras reflejan la psicología del retratado, sin

descuidar la exaltación personal de este: Retrato ecuestre del duque de Lerma.

Van Dyck

Trabajó en el taller de Rubens, del que aprendió el aspecto refinado y

cortés de su obra. En sus retratos de cuerpo entero, domina la elegancia y la delicadeza, adelgaza las formas y tiende a eliminar los defectos del retratado. Marcó las pautas para el retrato inglés del siglo posterior. Entre sus obras destacamos el retrato de Carlos I de Inglaterra cazando.

Jordaens

Discípulo de Rubens. Se inclinó siempre hacia la representación de los temas populares, la vida cotidiana de las gentes humildes en cuadros

de matices tenebristas, en los que abundan los personajes vulgares. El rey bebe, puede considerarse un homenaje a la glotonería de sus paisanos.

4. La escuela holandesa: REMBRANDT. Tras la separación de los Países Bajos, Holanda desarrolla una escuela de marcado carácter nacional. Su principal cliente era la burguesía enriquecida gracias al comercio, que demandaba cuadros de pequeño tamaño para decorar su casa.

Se cultivaron profusamente los retratos, individuales o colectivos, las escenas costumbristas y domésticas, los paisajes y los bodegones. Aunque en menor medida también está presente la temática religiosa.

Vermeer

En la pintura de interior, una de las máximas figuras es Vermeer, en cuyas composiciones

la luz alcanza una sutileza suprema. Capta la suavidad de las luces dentro de las habitacio-nes, iluminando figuras y objetos de la vida cotidiana (jarros, mesa, sillas…), como en La le-chera.

Ruysdael.

El paisaje es género muy cultivado por los maestros de la escuela, entre ellos destacan Ruysdael. Pinta paisajes holandeses inconfundibles: la línea de horizonte es muy baja, con lo cual un cielo de nubes eléctricas ocupa la mayor parte de la tela; las luces

que se filtran a través de ellas y se reflejan en las aguas. El molino es una de sus principales obras.

El juicio de Paris

El rey bebe

Retrato de Carlos I

La lechera (VERMEER)

El molino (RUYSDAEL)

La adoración de los magos



Frans Hals.

El retrato adquiere tal relevancia que los holandeses terminan profiriendo el retrato de grupo. El género alcanza su cenit en Rembrandt, pero también es importante la aportación de Frans Hals. Retrata tipos populares, siempre en un tono desenfadado como en La gitana.

Rembrandt Van Rijn.

Fue la figura más importante del barroco holandés, aunque sus contemporáneos no lo vieran así. La fidelidad a su propio estilo y el rechazo a adaptarse a nuevos gustos pictóricos, le alejaron del favor del público. El legado artístico de Rembrandt asombra por su

abundancia. Cultiva todos los géneros: religiosos, mitológicos, paisajes, bodegones…

En sus retratos, individuales o colectivos, capta la psicología del representado. A través de sus numerosos autorretratos, más de sesenta, se puede observar su evolución física y

anímica. No obstante sus obras más ambiciosas son los retratos colectivos: La lección de Anatomía y Ronda de noche. Rembrandt es uno de los máximos maestros del color y la luz. El color lo aplica en manchas gruesas, hasta formar una ancha costra porosa. En la luz le interesan difunden de forma

caprichosa, sin seguir las leyes de la física.

5. La pintura del siglo XVII en España: ZURBARÁN, RIBERA, VELÁZQUEZ Y MURILLO.

El siglo XVII está considerado como el Siglo de Oro de la pintura española. A este periodo corresponden alguno de los pintores más reconocidos de la historia del arte español.

Existen tres focos principales de pintura barroca española: Valencia, Sevilla y Madrid. Además de los rasgos señalados para la pintura barroca, la pintura española ofrece algunas notas peculiares:

Realismo y religiosidad. Realismo que emplea tipos reales y escenarios cotidianos para hacer más comprensibles los temas religiosos.

Predominio de la temática religiosa y especialmente de su expresión ascética o mística.

Predominio de los retratos o el tema mitológico. Los bodegones constituyen también, sobre todo en ZURBARÁN, un género característico.

Ausencia de sensualidad, por obra de una implacable vigilancia de la Iglesia, que no

se ablanda en España. El tenebrismo expresa muy bien esos valores de religiosidad extrema,

por lo que se comprende mejor su éxito entre nosotros.

5.1 La escuela valenciana: José RIBERA. José Ribera, conocido como “el españoleto”, considerado el primer gran maestro del barroco español. De origen valenciano, se traslada muy joven a Italia, donde recibe el influjo de Caravaggio. Aquí tomó contacto con los ambientes humildes, que quedaron perfectamente representados en su obra a través de los mendigos, pobres y desamparados, tratados con una gran

crudeza y realismo. En su estilo se fundirá la profunda emoción religiosa y el dominio del color y de las luces.

Lección de anatomía (REMBRANDT)

El Patizambo

Ronda de noche (REMBRANDT)



En su obra no faltan cuadros realistas como El niño cojo (El patizambo), quien sonríe mostrando la suciedad de sus dientes ajeno a la tragedia de su pie destrozado, ni los

cuadros naturalistas, como La mujer barbuda, que demuestra que el ansia de bucear en la realidad que inspira a los pintores barrocos desemboca a

veces en la representación de todo aquello que se da en la naturaleza, aunque sea desagradable, raro o feo.

El género religioso ocupa la parte central de su actividad. Son grandes composiciones como el Martirio de San Felipe, donde plasmó como los verdugos izan al santo a la cruz ante la curiosidad de unos y la indiferencia de otros. El dibujo destaca por su precisión, las

pinceladas son pastosas y las figuras están dotadas de una exquisita corporeidad. 5.2 Escuela sevillana: ZURBARÁN, MURILLO Y VALDÉS LEAL. Los máximos representantes de la pintura barroca están relacionados en su mayoría con la ciudad de Sevilla, por ser esta ciudad la de mayor población de la Península y concentrar en su puerto el comercio de las Indias.

Francisco ZURBARÁN.

Francisco de Zurbarán, pintor extremeño nacido en Fuente de Cantos. Tuvo sus mejores clientes en los conventos sevillanos y extremeños. Pertenece a la misma generación que Velázquez, con

quien mantuvo amistosas relaciones. A pesar de haber trabajado en la Corte, pintando temas de batallas y mitologías (El socorro

de Cádiz) sin embargo su horizonte parece que se imita con gusto a los temas monacales. Queda así Zurbarán como un cantor de la religiosidad más severa, apoyándose en el uso del blanco y prescindiendo de los fondos arquitectónicos.

Autor de largas series de lienzos monásticos en los que la luz juega un papel decisivo; es un tenebrismo peculiar en el que las figuras irradian ellas mismas una vivísima iluminación. Buenos ejemplos son La aparición de San Pedro apóstol al padre Nolasco, San Hugo en el refectorio de los cartujos. En esta última, San Hugo y su paje irrumpen en la estancia donde se hallan los frailes de la orden cartujana, que acaban de despertarse tras dormir durante días. La paleta de blancos y grises predomina en el lienzo.

Un género que también cultivó con lograda perfección es el de los bodegones, en los que sabe imponer una sobria ordenación y logra una inimitable inmaterialidad a base de la luz blanca.

Bartolomé Esteban MURILLO.

Pintor sevillano, gozó en vida de una gran popularidad en toda Europa, sobre todo en el siglo XVIII, cuando su pintura, llena de gracia y delicadeza, coincide con el gusto del momento. En su juventud se inició en la técnica tenebrista; a esta época pertenecen obras que reflejan el ambiente de golfillos y mendigos

de los bajos barrios sevillanos (Muchachos comiendo uva y melón). A través de la delicadeza y la gracia de las composiciones, Murillo supo acercar la religión a la vida cotidiana. Obra suya muy divulgada es La sagrada familia del pajarito de amplio éxito popular. En ésta y otras ofrece una pintura llena de ternura, intimidad y misticismo que

El martirio de San Felipe

San Hugo en el refectorio

Niños comiendo uvas y melón (MURILLO)

La mujer barbuda.



culmina en sus Vírgenes y niños como El Buen Pastor.

Valdés Leal.

Es otro sevillano alejado de la Corte y ocupado en satisfacer a una clientela ávida de pintura religiosa. Su estilo queda definido en la serie de terribles pinturas del hospital de la Caridad

(ln ictu oculi, Finis gloriae mundi), llenas de melodramática teatralidad y con una severa y clara intención moralizante.

5.3 Escuela madrileña: Diego de Silva y VELÁZQUEZ. Pintor de origen sevillano. A los once años ingresó en el taller de Pacheco, con cuya hija contraería matrimonio años más tarde, y de él aprendió el arte de la pintura.

En las obras de su etapa sevillana muestra una evidente devoción por el tenebrismo. Al lado de alguna obra religiosa,

la adoración de los Magos, predominan los temas realistas, de escenas de la vida cotidiana, como el aguador de Sevilla o la vieja friendo huevos. En el aguador, interpretado como una alegoría de las tres edades del hombre en los tres personajes representados, ensaya una composición en

círculos con las tres cabezas, al tiempo que destaca en el primer plano el gran cántaro iluminado, recursos que repite en la vieja friendo huevos, obras ambas que le señalan como un artista poseedor de grandes recursos pictóricos y de una notable técnica lumínica. Consiguió trasladarse a la Corte, ser nombrado pintor de

cámara regio y gozar del favor del omnipotente conde duque de Olivares y de la amistad del monarca Felipe IV. Durante esta época su tiempo y su paleta se ocupan fundamentalmente en

retratos y temas mitológicos, habiéndole espoleado en su dedicación a estos últimos la visita

de RUBENS. Parece que el gran pintor de Amberes le aconsejó que visitara Italia, viaje que VELÁZQUEZ pudo realizar con la ayuda de una bolsa real. La estancia le llevará al abandono del tenebrismo, al tiempo que le hace concebir nuevas preocupaciones por el

color, el desnudo y la perspectiva aérea. Obra compuesta en ese tiempo es La fragua de Vulcano, tema mitológico representado con elementos estrictamente humanos y con una leve ironía.

In ictu oculi (Valdés Leal)

La fragua de Vulcano (VELÁZQUEZ)

El aguador de Sevilla (VELÁZQUEZ)

Finis Gloriae Mundii (Valdés Leal)



A su regreso de Italia se afianza como el gran retratista de la Corte: retratos ecuestres del príncipe Baltasar-Carlos, del conde duque de Olivares y la larga serie dedicada al rey Felipe IV, a quien retrata desde su juventud hasta la edad crepuscular con una mirada infinitamente melancólica. En este género,

VELÁZQUEZ se distancia de la sensibilidad de otras escuelas europeas, aunque sea perceptible el influjo de RUBENS, omitiendo todo recurso escenográfico, salvo los fondos serranos y la hondura psicológica de la expresión del retratado.

Pero también es el genial retratista de tipos tan curiosos y variados como los de la serie de los bufones (El niño de Vallecas, El bufón

calabacillas, entre otros) a los que trata de un modo casi redentor.

Obra cumbre de este período es el cuadro de Las lanzas (La rendición de Breda), en el cual más allá de las efigies de los caudillos, que firman la paz entre católicos y protestantes, se despliega un paisaje luminoso y brumoso sobre el campo de combate, donde se representa la rendición de la ciudad de Breda a los tercios españoles.

Velázquez realizó un segundo viaje a Italia con el encargo de hacer acopio de cuadros para las galerías reales españolas. Durante su estancia en aquel país pintó el retrato del papa Inocencio X. Su calidad de retratista es paralela a sus dotes extraordinarias para el paisaje. Dos pequeños lienzos,

paisajes de villa Médicis, captan la vibración lumínica mediante pequeños toques luminosos. Se anticipa aquí en más de doscientos años a la técnica del impresionismo, hasta el punto de parecer dos “monets” del siglo XVII. El retorno a la Corte le dará la posibilidad de pintar sus obras más importantes: La Venus del espejo, Las Meninas y Las Hilanderas.

Tres obras que se han convertido en referentes del arte mundial.

En Las Meninas, la escena se desarrolla en el llamado cuarto del Príncipe del Alcázar de Madrid. En la composición, el maestro nos presenta a once personas, todas ellas documentadas, excepto una. La escena está presidida por la infanta Margarita y a su lado se sitúan las meninas María Agustina Sarmiento e Isabel de Velasco. En la izquierda se encuentra Velázquez con sus pinceles, ante un enorme lienzo cuyo bastidor podemos observar. En la derecha se hallan los enanos Mari Bárbola y Nicolasillo Pertusato, este último jugando con un perro de compañía. Tras la infanta observamos a dos personajes más de su pequeña corte: doña Marcela Ulloa y el desconocido guardadamas. Reflejadas en el espejo están las regias efigies de Felipe IV y su segunda esposa, Mariana de Austria. La composición se cierra con la figura del aposentador José Nieto. Una

lección magistral en el tratamiento de los personajes y de la perspectiva aérea.

En su famosa Venus del espejo, única obra del pintor en la que aparece una mujer desnuda, coloca a una mujer de belleza palpable, de carne y hueso, resaltando aun más la carnación gracias al contraste con el paño azul y blanco, o el cortinaje rojo que da gran carga erótica al asunto. Da la sensación de que el artista ha sorprendido a Venus mientras Cupido, resignado, sostiene el espejo en el que se refleja el rostro de la belleza, aunque lo

La rendición de Breda (VELÁZQUEZ)

Retrato ecuestre del conde-duque

Príncipe Baltasar Carlos.



que deberíamos ver sería el cuerpo de la diosa. En cuanto a la técnica, cabe destacar cómo

el pintor utiliza una pincelada suelta, que produce la sensación de que entre las figuras circula aire, el famoso aire velazqueño.

Las Hilanderas o la fábula de Aracne, se trata de una de las obras más enigmáticas del pintor. En

primer plano vemos cinco mujeres que preparan las lanas para la fabricación de tapices. Al fondo, detrás de ellas, aparecen otras cinco mujeres ricamente vestidas, sobre un fondo de tapices. Esta última escena sería la que da título al cuadro ya que recoge la fábula en la que la joven Aracné, al presumir de tejer como las diosas, es retada por Atenea a la confección de un tapiz. El jurado dictaminó un empate pero Atenea castigó a Aracné convirtiéndola en araña para que tejiera durante toda su vida. Con esta fábula, Velázquez quiere indicarnos que la pintura es un arte liberal, igual que el tejido de tapices, no una artesanía como la labor que realizan las mujeres en primer término. Poner el mensaje en un segundo plano es un juego típico del Barroco.

La Venus del espejo. Las Hilanderas.

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