Arte 8 Arte Gótico - profesorpaco.files.wordpress.com · peyorativamente al arte de la baja Edad...

Historia del Arte (2º Bachillerato) ARTE GÓTICO

http://javier2pm-arte.blogspot.com.es

1

Arte_8

Arte Gótico Durante el siglo XII tuvo lugar un crecimiento notable de la población gracias al desarrollo de la agricultura y del comercio. Este proceso posibilitó el auge de los burgos, ciudades, así como la aparición de una nueva clase social, la burguesía. Este nuevo grupo social favoreció

que el predominio cultural ejercido por la Iglesia y los monasterios en los siglos anteriores, pasara a manos de las universidades. Estas se convirtieron en centros de enseñanza y sobre todo de actividad intelectual, artística y cultural. La expansión económica de las centurias anteriores se vio bruscamente interrumpida, a mediados de siglo XIV, por lo que se conoce con el nombre de crisis de la Baja Edad Media. El hambre, las guerras y las epidemias (Peste negra de 1348) marcaron el

descalabro demográfico y económico de las ciudades europeas. Paralelamente, se inició una nueva corriente de pensamiento: el Humanismo, que dio lugar a una visión del mundo basada en la experiencia del ser humano y en la reflexión crítica, antecedentes de la floreciente época renacentista.

1. Arquitectura gótica.

1.1 Localización y evolución artística. Teniendo como génesis la Isla de

Francia (París y sus alrededores), el arte gótico se extendió fundamentalmente por Europa occidental, desarrollando sus variables en cada país. El término gótico —de la palabra

“godo”— se utilizó por primera vez en el Renacimiento para referirse peyorativamente al arte de la baja Edad Media, considerado bárbaro e inferior en comparación con el de la antigüedad clásica (Grecia y Roma).

El nuevo estilo no supuso una

ruptura con el románico, sino un estilo que evoluciona e incorpora nuevas formas en arquitectura, escultura y pintura. Aunque en líneas generales el arte gótico queda fijado entre mediados del siglo XII y las primeras

décadas del siglo XVI, es preciso señalar que en cada país tendrá una duración diferente (Italia, hasta ½ siglo XV; Inglaterra, España y Portugal, hasta principios siglo XVI). Generalmente se divide el gótico en tres grandes periodos:

Gótico inicial (siglo XII y XIII), partiendo

del románico, se configuran las nuevas formas góticas.

Gótico clásico (siglos XIII y XIV), considerado una etapa clásica y de

expansión de las formas góticas. Gótico flamígero (siglo XV e inicios del

XVI), periodo caracterizado por la exuberancia ornamental que impregna todas las manifestaciones artísticas.

1.2 Características y tipologías. Las portadas: decoración escultórica. La catedral se convirtió en el edificio paradigmático de la arquitectura gótica y el modelo francés fue su expresión más típica.

Catedral de Burgos

Escenas de la Anunciación y visitación, catedral de Reims, siglo XIII.

http://javier2pm-arte.blogspot.com.es/



2

La nueva espiritualidad religiosa de la época, las

innovaciones técnicas y constructivas, permitieron levantar edificios más altos y luminosos. El muro pierde su función de soporte y se convierte en mero cerramiento translúcido gracias a la apertura de grandes ventanales (vitrales o vidrieras). Entre los elementos fundamentales de la arquitectura

gótica destacamos el arco apuntado (ojival) y la bóveda de crucería. El primero tiene la ventaja técnica de ejercer empujes laterales menores que el de medio punto, a la vez que resulta más ligero. Fue evolucionando en su forma hasta derivar en los arcos conopiales y carpaneles.

La bóveda de crucería, formada por el cruce diagonal de dos arcos apuntados, transmite el empuje de la bóveda a cuatro puntos. Está formada por dos

elementos: el esqueleto y los plementos. El primero lo conforman los arcos cruzados diagonalmente junto a los formeros

y fajones; mientras que los plementos son los paños que cierran los espacios entre los nervios. La más sencilla de las bóvedas de crucería fue la cuatripartita, de cuatro plementos, pero progresivamente se enriqueció su

traza al añadirle nervios; así surgen la sexpartita, la de terceletes y la estrellada. Los empujes que ejercen los nervios de las nuevas bóvedas son

recogidos por los pilares cru-

ciformes, a los que se van adosando finas columnas llamadas baquetones, para proyectarlos hacia el exterior, donde se encuentran los contrafuertes. Estos soportan el empuje de la bóveda; aunque deben ser más altos

debido a la mayor elevación de las construcciones. Por otra parte, y con el fin de aumentar su eficacia, los contrafuertes se separan del muro a través de los arbotantes, arcos que transmiten los empujes laterales hacia ellos y que a su vez permiten la canalización de las aguas del

tejado. A su vez, el contrafuerte suele rematarse con un pináculo que, además de un carácter decorativo, tiene una función constructiva: ejercer un empuje vertical

sobre el contrafuerte para contrarrestar el empuje oblicuo que sobre él ejercen los

arbotantes. Este entramado de descargas permite la sustitución de los muros por grandes vidrieras decoradas que inundan de claridad los espacios interiores. Con ello se consiguen los objetivos de ligereza y luminosidad que sintetizan la nueva arquitectura gótica.

Aunque hay algunas muestras de arquitectura civil: palacios urbanos, hospitales, lonjas… la arquitectura gótica es fundamentalmente religiosa, con la catedral como máximo




3

exponente. Su planta suele ser longitudinal, con tres o cinco naves, e incorpora un crucero.

Las novedades más importantes se presentan en la cabecera, ahora poligonal, donde se sitúan el presbiterio, el deambulatorio y las capillas exteriores. En cuanto al alzado, la nave central es más alta que las laterales. Además, la tribuna románica termina desapareciendo, sustituida por una estrecha galería abierta al interior del templo (y más tarde también al exterior) denominada triforio, sobre la que se dispone otra hilera de ventanas llamada claristorio para aumentar la claridad.

Por lo que respecta a las fachadas, éstas se desarrollan ampliamente; no sólo la principal, sino también las del crucero, sobre aquéllas en que la decoración se extiende con generosidad. La fachada principal suele estar flanqueada por torres cubiertas con terrazas o con un cuerpo piramidal llamado chapitel. Son también características las molduras angulosas que se colocan sobre los arcos de las portadas, denominadas gabletes, así como los rosetones o vanos circulares calados y cerrados con vidrieras de gran espectacularidad.

1.3 Arquitectura gótica europea

Francia: el centro difusor

En la segunda ½ del siglo XII, en el norte de Francia, comienzan a surgir las primeras catedrales góticas, en

las que se creó el modelo llamado gótico francés. En este momento se levantan las grandes catedrales góticas francesas: Notre Dame de París, Chartres, Reims y Amiens. En ellas se observa la diferencia de altura entre la nave central y las

laterales, la ubicación del crucero casi en el centro, el mayor tamaño de las cabeceras, el protagonismo de las vidrieras (claristorio) y la presencia de torres en la fachada.

A mediados de siglo XIII, la obsesión por la altura dio paso a

una reducción de los muros lo que permitió ampliar las superficies acristaladas, potenciándose las vidrieras. Conocido como gótico radiante, este estilo tuvo en la Sainte Chapelle de París su mejor ejemplo.

La arquitectura gótica inglesa

El gótico inglés es bastante distinto del francés: la cabecera es recta, tres naves, con doble crucero, las torres son de gran tamaño… El tipo de decoración es muy particular llamada estilo perpendicular (preferencia por las líneas verticales). Son también puramente inglesas las bóvedas de abanico o palmeadas, cuyos nervios se abren a partir de los soportes. Entre las obras más significativas señalamos la capilla de San

Jorge (castillo de Windsor).

La arquitectura gótica en Alemania El gótico alemán se caracteriza por la gran altura de los edificios,

determinada por las agujas o flechas de rica tracería calada con que se rematan las torres. Entre los mejores ejemplos señalamos la

catedral de Colonia.

La arquitectura gótica italiana. En Italia nunca se aceptó el modelo gótico francés, por eso en su arquitectura predominan las construcciones civiles frente a las religiosas.

Catedral de Notre Dame de París

Bóveda de abanico (capilla San Jorge, castillo de

Windsor)




4

El palacio toscano se asemeja a una fortaleza, con pocas y pequeñas

ventanas, almenas y una elevadísima torre de planta cuadrada; los ejemplos más significativos son la Signoria de Florencia y el Ayuntamiento de Siena. Respecto a la arquitectura religiosa, destacan la catedra de Florencia y la catedral de Siena. Su característica principal no es la altura, sino el predominio de las formas clásicas.

1.4 Arquitectura gótica española.

Siglo XIII: gótico castellano.

En el siglo XIII se comienzan la mayor parte de las catedrales castellanas (Toledo, León y

Burgos). Es el siglo de la preponderancia de Castilla bajo los reinados de Fernando III y Alfonso X, la reconquista sufre un tremendo avance llegándose hasta Andalucía, la cual es casi reconquistada (Córdoba, Sevilla, Jaén). Las obras de este periodo, siguiendo el modelo francés, son plenamente góticas: tres naves, profundo presbiterio, girola y capillas. De este periodo son las catedrales de Burgos,

Toledo, y León.

Siglo XIV - XV: gótico levantino.

En el siglo XIV el impulso constructivo se traslada a la región levantina y en especial a Cataluña. En sus edificios se observa

una tendencia a la horizontalidad y un gusto por la austeridad

decorativa. De este periodo es la catedral de Barcelona. En el siglo XV se erigieron la catedral de Palma de Mallorca, esta última por su testero plano, así como la iglesia de Santa María del Mar erigido por los gremios de Barcelona, y que constituye un

estilizado ejemplo de gótico mediterráneo.

Siglo XIV – XV en Castilla (Sevilla, Toledo, Guadalajara, Salamanca).

Durante todo este periodo se construyeron alguno de los mejores ejemplos de arquitectura gótica religiosa en Castilla y Andalucía, por ejemplo la catedral de Sevilla.

A finales de siglo, durante el reinado de los Reyes Católicos, comienza una fiebre decorativa que oculta la estructura arquitectónica y en la que es habitual la utilización de bóvedas estrelladas y arcos conopiales. Es el denominado estilo isabelino o flamígero, en el que participan muchos maestros extranjeros.

En Toledo trabaja Juan Guas, autor de la iglesia de San Juan de los Reyes, edificación muy sencilla pero rica decoración. Suyo es también el palacio del Infantado (Guadalajara), con un patio con arquería decoradas con esculturas, escudos y leones. También en esta época se levantaron numerosas obras civiles, como

signo del prestigio social y testimonio del incremento de la iniciativa privada. Entre ellas destacan las casas de nobles y burgueses como la Casa de las Conchas en Salamanca.

Santa Mª del Mar (Barcelona)

San Juan de los Reyes (Toledo)

Catedral de Burgos Catedral de Toledo Catedral de León

Casa de las Conchas (Salamanca)




5

2. La pintura gótica

2.1 Características La reducción de los muros en la arquitectura gótica determinó la disminución de la pintura

mural, y allí donde antes había frescos, se realizaron grandes cristaleras policromadas (vitrales). Esto obligó a la pintura a buscar nuevos soportes, como las tablas que conformaban los retablos, y a continuar el desarrollo de la miniatura iniciada en el románico. La evolución de la pintura desde el siglo XIII al XV y las diferencias entre unos países y otros dificultan la con-creción de unas características generales. A pesar de

ello, se pueden apuntar algunas notas comunes: La temática es mayormente religiosa, aunque se

desarrollan numerosos temas profanos. Las figuras son cada vez más expresivas y naturales. Los fondos neutros y dorados ceden su lugar a

espacios figurativos y al paisaje. Las técnicas empleadas son muy variadas, según los

soportes: temple y óleo, en pintura sobre tabla, y el fresco en las pinturas murales.

Composiciones muy simétricas, con elementos situados en el centro teórico del cuadro.

Tiene un carácter narrativo y finalidad didáctica y devocional.

2.2 Pintura gótica italiana: Giotto. Lo más destacado de la pintura lo encontramos en el siglo XIV (trecento italiano), donde se muestra un mayor interés por la belleza y el volumen de las figuras.

Giotto di Bondone

Pintor, escultor y arquitecto. Está considerado como el primer artista de los muchos que contribuyeron a la creación del Renacimiento italiano y uno de los primeros en sacudirse las limitaciones del arte medieval. Toda su obra es de temática religiosa. Hizo sobre todo retablos y frescos para diversas

iglesias. Muy pocos de ellos se conservan en buenas condiciones y la mayor parte han

desaparecido o han tenido que restaurarse casi en su totalidad. Sus escenas se alejan de la rígida estilización medieval para presentar la figura humana con formas amplias y redondeadas. Se opuso a los colores vivos y brillantes. Los escenarios son fondos poco profundos, se aleja de los fondos planos pero no llega todavía al desarrollo de la perspectiva que se llevó a cabo durante el Renacimiento.

Pinta al fresco y sus obras más importantes, “La huida a Egipto” y la “Resurrección de Lázaro”, destacan por el tratamiento diferenciado de las figuras y los fondos paisajísticos

La huida a Egipto. Esta es una de las obras más famosas del artista. Representa a José, María y Jesús Niño huyendo a Egipto

para evitar la persecución de Herodes, que había ordenado la matanza de los inocentes. Habían sido advertidos en sueños por un ángel, que les marca el

camino en su huida. María, montada en un asno conducido por José, lleva al Niño sujeto por un pañuelo; del grupo forma también

parte una figura joven, con la cabeza coronada de hiedra, y con una cantimplora al cinto, junto a José y otros tres jóvenes por el mismo camino de la caravana. La escena aparece descrita conforme se narra en los evangelios apócrifos del pseudo Mateo.

Adoración de los Magos (GIOTTO)

Huida a Egipto (GIOTTO)




6

La resurrección de Lázaro.

La historia narra la Resurrección de Lázaro por orden de Jesús, en la pintura aparece Cristo bendiciendo a Lázaro, mientras arrodilladas a sus pies se ven a las hermanas de Lázaro, Marta y María. A la derecha del cuadro se observa la imagen momificada de Lázaro sostenida por otros familiares.

El cadáver envuelto en las vendas, entreabre los ojos, mientras los presentes manifiestan su estupor. Las mujeres tienen el rostro cubierto para evitar el olor de Lázaro muerto. El pintor introduce el realismo en su obra, representando un tema que muestra su interés, por la visualización del dramatismo que quiere explicar

en la historia, frente al milagro realizado por Cristo. 2.3 La pintura gótica en Flandes: Van Eyck y El Bosco.

En el siglo XV, algunas ciudades de Flandes se convierten en sedes de una importante escuela pictórica, que para muchos autores supone ya los inicios del Renacimiento. Su mayor aportación al arte europeo será su progresiva observación de la realidad, que se inspira en la

escultura y que se verá favorecida por la nueva clientela: la burguesía. Las características de este estilo flamenco son:

Minuciosidad. Son obras para ser vistas de cerca. Detalles casi microscópicos, hojas de un árbol, ciudades lejanas. Son miniaturas unidas en un cuadro.

Naturalismo. Representación veraz de la realidad sin idealizaciones como en Italia. Los rostros son de personas con nombres y apellidos, con sus fealdades. La anatomía es perfecta, la visión casi fotográfica en matices y texturas.

El paisaje. Se convierte en el protagonista. Muchas veces la escena interior se abre al paisaje exterior a través de una ventana. En multitud de obras el paisaje se convierte en el tema de representación fundamental.

Gusto por los objetos, por lo concreto de la vida cotidiana. Son habitaciones pequeñas repletas de objetos de uso común, muebles, alfombras, cuadros, objetos que señalan también un cierto nivel de vida burguesa y entre los que destaca siempre el tejido.

La técnica. Predomina la pintura sobre tabla con la utilización del óleo que permite

veladuras, trasparencias y minuciosidad. La luz. Es uniforme, natural, sin estudio. La composición. Tiende siempre a ser sencilla, simétrica y jerarquizada. Lo más

importante en primer término y de mayor tamaño. Temas. Predomina el religioso, aunque también es frecuente el tema cotidiano, con

familias burguesas donde la moral inunda de puritanismo todas las escenas: el trabajo

diario, el matrimonio y la fidelidad…

Jean Van Eyck.

Jean Van Eyck es el precursor y principal miembro de esta escuela. Se estableció en Brujas donde desarrollará todo su trabajo.

La adoración del cordero místico.

Su mejor obra es El Retablo de San Bavón. Abierto tiene 12 tablas, siete superiores y cinco inferiores. Las de arriba representan a Cristo, La Virgen y San Juan en el centro; los ángeles cantores y músicos en los laterales; y en los extremos a Adán y Eva. En las tablas inferiores se representa la Adoración del cordero místico, que es la escena principal de todo el tríptico,

a la izquierda los caballeros y jueces de Cristo y a la derecha los ermitaños y peregrinos. El tema representa la idea del catolicismo místico de la zona. El cordero es Cristo que derrama su sangre por todos nosotros. Es la idea de paraíso. La obsesión por el realismo se transforma en un detallismo extremo. La minuciosidad es microscópica y se puede seguir el pincel con una lupa donde el ojo no llega.

La composición es sencilla, todos los rostros vueltos hacia el centro, hacia el altar. Las figuras se reparten por grupos dispuestos ordenadamente. El colorido es brillante y hay un equilibrio entre los colores fríos del horizonte y los vivos colores del primer plano resaltados sobre un fondo verde.

Resurrección de Lázaro (GIOTTO)




7

La Virgen del Canciller Rolind.

En esta obra convierte un tema religioso en unos estudiados retratos, dentro de una escena cotidiana y en un escenario real. El canciller está arrodillado ante la Virgen y sobre ésta hay un ángel. Al fondo una ventana por donde se sale a un

espacio exterior: un jardín y un fondo dividido en dos por un río. El detalle es el mismo para el rostro que para la torre

campanario del fondo. La Virgen responde al canon de belleza de la mujer flamenca y el donante al canon de hombre de negocios. Detrás del donante está la ciudad terrena y detrás de la Virgen la Jerusalén celeste, las dos unidas por un puente con siete arcos que simbolizan los siete sacramentos.

El matrimonio de Arnolfini. El cuadro es un certificado de matrimonio por su simbología. Es el único retrato doble y de cuerpo entero que conocemos de Van Eyck. Corresponde a un rico banquero italiano afincado en Brujas y su reciente mujer. En esta obra el pintor recurre a una

técnica para amplificar el espacio que es revolucionaria: un

espejo cóncavo en donde aparece reflejado el pintor de frente y las espaldas de los dos retratados. El color es brillante, la textura de los tejidos es perfecta, la nitidez y minuciosidad de todos los objetos es de miniatura. La composición es sencilla y simétrica, la luz entra por una ventana a la izquierda pero no

selecciona y apenas crea sombras, el espacio es interior y el estudio de las perspectivas es bueno. Abundan los símbolos. Así el perro es el símbolo de la fidelidad, las zapatillas son el símbolo de la ocupación del hogar por el varón y la cama es el símbolo de lo conyugal.




8

El Bosco.

Este artista es probablemente una de las figuras más relevantes y extravagantes que podamos encontrar en la historia de la pintura europea. Su estilo es anunciador de formas manieristas, surrealistas y expresionistas de siglos posteriores, por lo que podemos considerarlo como un verdadero precursor del arte de finales del siglo XIX y principios del

XX. Pertenece a la segunda generación de pintores flamencos, que se extiende a lo largo de la 2ª ½ de siglo XV y principios del siglo XVI. Su obra refleja de forma satírica y mordaz la sociedad corrompida de su época. Destaca su dibujo preciso puesto al servicio de una extraordinaria fantasía,

antecedente del surrealismo. Entre sus obras destacan: El carro de heno, el tríptico El jardín de las delicias.

El carro de heno. La escena es una sátira mordaz contra los placeres terrenales. Es la alegoría de los placeres que se esfuman

como el heno. Todos quieren subir al carro a coger heno. El

carro está tirado por seres increíbles; hay un cura que come heno del que le traen las monjas; un abuelo que le dice a su nieto que no coma heno; una pareja de enamorados encima del carro y Cristo que sale de una nube mirándolo todo con agonía y un enorme pesimismo.

El jardín de las delicias.

El mundo fantástico de sueños imaginarios del Bosco alcanza su culmen en esta obra. La temática es similar a la del Carro de heno. Es un tríptico, una gigantesca alegoría satírica con imágenes suprarrealistas.

En el panel de la izquierda aparece una escena bíblica, el paraíso terrenal con Adán y Eva. Es el principio de la creación, cuando aún no

existía el pecado. En el panel del centro está el jardín de las delicias, es el centro de la vida sumida en el

pecado y el placer. En el panel de la derecha aparece el infierno musical, es el final, lo que les espera a los hombres en un juicio final. Si se cierra el tríptico aparece el mundo en el tercer día de la Creación.

El impacto cromático es intenso. Técnicamente El Bosco se manifiesta en este cuadro como un pintor muy tradicional, con un carácter miniaturista por el sentido del color y la perfección de cada uno de los objetos. El punto de vista está muy alto, como si divisáramos todo desde una colina y el horizonte es por ello muy alto. Igualmente descuida el volumen de sus figuras porque sólo le interesa la lectura iconográfica.

En cuanto a composición también juega un papel moralista: en el panel de la izquierda, se aprecian ciertas simetrías, mientras que en el panel de la derecha, sólo hay un caos desordenado y caótico que representa el infierno.


Arte 8 Arte Gótico - profesorpaco.files.wordpress.com · peyorativamente al arte de la baja Edad...

Documents

Transcript of Arte 8 Arte Gótico - profesorpaco.files.wordpress.com · peyorativamente al arte de la baja Edad...