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ART DECO
JULIANA MORENO ANGEL
RODOLFO PULIDO
ANDRES OGGIONI
MATILDE MARTINEZ
INSTITUTO DE ARTE DE CALI
SANTIAGO DE CALI
NOVIEMBRE 19
2009
ART DECO
PRESENTADO POR:
JULIANA MORENO ANGEL
RODOLFO PULIDO
ANDRES OGGIONI
MATILDE MARTINEZ
PRESENTADO A:
PEDRO ANGEL
MATERIA:
HISTORIA DEL ARTE
DISEÑO Y DECORACION DE INTERIORES
INSTITUTO DE ARTE DE CALI
SANTIAGO DE CALI
NOVIEMBRE 19
2009
INTRODUCCION
El Art decó fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939
(cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países),
afectando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño
gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura,
grabado, escultura, y cinematografía.
Art Deco
Hablar del término o estilo Art Déco como tal es explicar un conjunto de diferentes
manifestaciones estéticas que se dieron cita en la ya citada Exposition
Internationale de Arts Décoratifs et Industriels Modernes de 1925 y que fueron
conmemoradas en la retrospectiva titulada "Les Annés 25" llevada a cabo en
París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966.
Además, dichas manifestaciones constituyeron una época de la decoración que
inundó todos los ámbitos de la vida cotidiana, desde una lámpara hasta un edificio
completo y que alternó con los movimientos de vanguardia. Esa época son los
años de entreguerras, los veinte y los treinta, los "años Locos", la "Belle Epoque"
que quedaron insertos en la historia del siglo XX y de la decoración como los años
del Art Déco.
Morfología y tecnología
Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y
movimientos diversos del temprano siglo XX, y a diferencia del Art Nouveau se
inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del
Constructivismo, Cubismo, Futurismo, del propio Art Nouveau del que evoluciona,
y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos
descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su
impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas del Art Decó, afín, a la
monumentalidad y elementos de fuerte presencia en sus composiciones.
Como estilo de la edad de la máquina utilizó las innovaciones de los tiempos para
sus formas: las líneas aerodinámicas producto de la aviación moderna,
iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas
influencias del diseño fueron expresadas en formas fraccionadas, cristalinas, con
presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría. El color se
nutre de las experiencias del Fauvismo. Trapezoides, facetamientos, zigzags; y
una importante geometrización de las formas son comunes al Decó.
Correspondiendo a sus influencias maquinistas, el Decó se caracteriza también
por los materiales que prefiere y usa, tales como aluminio, acero inoxidable, laca,
madera embutida, piel de tiburón (shagreen), y piel de cebra. El uso de tipografía
en negrilla, sans-serif o palo seco, el facetado y la línea recta o quebrada o greca
(opuesto a las curvas sinuosas y naturalistas del Art Nouveau), los patrones del
galón (chevrón), y el adorno en forma de sunburst son típicos del Art Decó.
Ciertos patrones de ornamento se han visto en aplicaciones bien disímiles desde
diseño de zapatos para señoras, a parrillas de radiadores, diseño de interiores
para teatros, y rascacielos como el Chrysler Building.
Sociología
El Decó alcanzó su apogeo en los años 1920. Aunque muchos movimientos del
diseño tienen raíces o intenciones políticas o filosóficas, el Art Decó era casi
puramente decorativo, por lo que se lo considera un estilo burgués. A pesar del
eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el Decó es sólido y posee
una clara identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo;
es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución Industrial. Su
significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la
maquinaria. Elegante, funcional, y modernista, el Art Decó fue un avance frente al
Art Noveau, esta vez, exitoso en generar un nuevo repertorio de formas acordes a
la problemática e imaginería de su tiempo.
El Art Decó era un estilo opulento, y su exageración se atribuye a una reacción
contra la austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial. En
simultáneo a una creciente depresión económica y al fantasma del acercamiento
de la Segunda Guerra había un deseo intenso por el escapismo. La gente gozó
de los placeres de la vida y del Art Decó durante la 'edad del jazz'.
Decadencia
El movimiento pierde patrocinio en las metrópolis europeas y americanas mucho
después de haber alcanzado una introducción masiva; al punto de ser empleado
para representar falsas pretensiones de lujo. Finalmente, el estilo cae en
decadencia dada las austeridades impuestas por la Segunda Guerra Mundial.
En países coloniales o periféricos tales como India, Nueva Zelanda, Cuba,
Colombia, Argentina, México, Ecuador y las Filipinas, se convirtió en una puerta
de entrada al Modernismo y continuó siendo utilizado bien hasta los años 1950.
En América Latina se pueden encontrar durante este periodo varios exponentes
del art decó como José Fioravanti en Argentina.
Un resurgimiento del interés en el Decó vino desde exploraciones del diseño
gráfico en los años 1980. Su asociación con el "film noir" en cinematografía y el
encanto del glamour de los años 1930 propició su reempleo a finales de la década
de 1980 en piezas publicitarias para joyería y el mundo de la moda y en la
decoración de hoteles como el Hotel Fairmont de la Ciudad de México.
Características del Art Déco
El Art Déco se basa principalmente en la geometría imperante del cubo, la
esfera y la línea recta, además de los imprescindibles zigzag.
Tratan de representar algunas abstracciones que muestran en la
naturaleza, rayos luminosos radiantes, fluidos acuáticos, nubes ondulantes.
Representación faunística haciendo referencia a ciertas cualidades como la
velocidad y usan para ello gacelas, galgos, panteras palomas, garzas.
Representación de elementos fitomorfos se utilizan las flores, los cactus,
las palmeras, representados por medio de delineaciones geométricas.
Utiliza imágenes de fuentes congelas de formas ascendentes.
Utilización de nuevos materiales como la baquelita, el cromo y el plástico,
maderas nobles el ébano y el palisandro, pieles naturales de zapa, de
tiburón y el carey.
Se utilizan motivos de las culturas prehispanas de las culturas azteca,
maya o inca y motivos inspirados en los objetos de los descubrimientos
arqueológicos de Egipto, mesopotamia, vikingo o de los pueblos africanos
o indios.
En arquitectura, además de las formas geométricas, se recurre a remates
terminados escalonadamente y con proas marítimas que sostienen
mástiles que sirven como astas; arcos y puertas ochavadas y lujosos
materiales como el mármol, el granito y el aluminio consuman el aparato
decorativo.
Se utiliza la figura humana de hombres gimnastas, obreros, habitantes de
las urbes, luciendo el "look" de la época, junto a la de mujeres resueltas
que participan en la producción económica, vistiendo una moda más
atrevida, con el pelo corto a la "garzón" que fuman y participan en cócteles,
denotando su liberación.
Xavier Esqueda en su libro Art Déco. Retrato de una época lo explica
así:
"El empleo de la línea recta es la principal característica de este estilo, en
diferentes combinaciones y principalmente en la de zig-zag... Las curvas
aparecen frecuentemente, y el círculo en especial, pero estas líneas se
emplean con un sentido geométrico,...La geometría impera en los diseños
desde la arquitectura hasta todo aquello diseñable, y notablemente se hace
uso de la simetría incluso cuando se estiliza la figura humana.
El exágono y especialmente el octágono son las figuras geométricas de
más uso...
El colorido participa audazmente en los textiles, cerámica y materiales tales
como la baquelita y el plástico en los que se hace la imitación de jade,
ámbar, etc., también en la decoración de interiores y en el recubrimiento de
exteriores, que en ocasiones van ascendiendo sugerentemente hasta la
cúspide de los rascacielos.
La obsesión del art deco por el diseño es latente hasta en los más mínimos
detalles de la construcción, y en algunos casos de la arquitectura se pone
más atención en el efecto decorativo que en la estructura en sí...
De los elementos más representativos en este sentido podemos citar por
ejemplo la fuente, plasmada en bajorrelieves, en herrería, en vitrales,
gráfica, lámparas, etc., o bien la fuente misma como elemento del diseño
arquitectónico en edificios, jardines y parques. Las descargas eléctricas
sintetizadas, solas o en repeticiones constantes aparecen para formar un
diseño que igualmente se encuentra en muchísimos elementos. De la flora
y de la fauna se escogen ciertos ejemplares...: las gacelas y los galgos que
por su ligereza y elegancia de movimiento y línea son ad-hoc para el
estilo...los elefantes, osos, palomas, peces y especialmente las panteras y
las garzas... Los diseños florales y botánicos se hacen por la facilidad de la
estilización geométrica y los girasoles aparecen triunfantes rodeados de
helechos simétricos, o bien se utilizan las palmeras y los cactus que dan
idea de un exotismo remoto. Cuando la figura humana aparece sobre todo
en la estatuaria, relieves, objetos decorativos, arte-objeto o en la escultura
en sí, se hace representar con dinamismo: la figura masculina es
representada por titanes, atletas, obreros, etc. En cuanto a la figura
femenina por estilización de líneas y actitud, diferente a la fragilidad con
que el art nouveau representó a la mujer, nos hace pensar en la
emancipación femenina del presente. El sol con sus rayos geométricos, en
medio de colores con sentido étnico, viene a ser con frecuencia el centro
decorativo, así como en las culturas arcaicas era el centro de adoración
religiosa. Las nubes trazadas con curvas rígidas, son un elemento
decorativo, asimismo las repetidas ondulaciones, representan el agua que
fluye o que vierten las estilizadas fuentes.
Los materiales empleados en este arte son de gran solidez y pureza como
el concreto, vidrio, bronce, mármoles de diferentes colores y procedencias,
aluminio, estaño, etc...
Los edificios, los rascacielos son construidos y decorados de tal manera
que al situarse frente a ellos, se recibe más la impresión de estar bajo
enormes templos,...
En resumen, el art deco, por consiguiente, se caracteriza por su afán
decorativo, aun en aquellos casos en que su diseño es llevado a su mÌnima
expresión, siempre y cuando contenga alguna de las condiciones antes
mencionadas...Por lo tanto el art deco termina cuando se elimina la
intención decorativa y obviamente no se encuentra ninguna de sus
características".
Como rasgos distintivos del Art Déco, Eva Weber cita lo siguiente:
"Una de las características más reconocibles del estilo Art Decó fue la
riqueza ornamental de las superficies en el exteríor de los edificios,
repetida en sus instalaciones en el interíor. Los motivos con formas
precisas comprendÌan zigzags, triángulos, rayas, círculos segmentados y
espirales, mientras entre los motivos naturalistas se encontraban flores,
árboles, frondas, fuentes, gacelas, pájaros, nubes y amaneceres
estilizados. La imaginerÌa astrológica, junto con personificaciones
idealizadas de fuerzas naturales y tecnológicas, era también usual. Fueron
representativos de la era de la máquina su dinamismo los rayos, los
aeroplanos, las locomotoras, los trasatlánticos, los automóviles, los
rascacielos y los puentes. La imaginerÌa de la era de la máquina se
extendió también a las cúspides de los edificios, que con frecuencia
estaban coronadas con mástiles futuristas o pretiles con aletas. Llena de
aspiraciones y optimismo, la imaginerÌa Art Déco ilustraba el lugar del
hombre en el cosmos y su seguro control de las máquinas que había de
desembocar en el amanecer de una nueva era".
Pintores
Santiago Martínez Delgado
Beltrán Massés
Alexandra Ekster
Vadim Meller
Jean Dunan
Tamara de Lempicka
Pierre Legrain
Francois Jourdan
Maurice Ascalon
Eileen Gray
Lewis Sue
Paul Jirbe
Robert Mallet-Stevens
Santiago Martínez Delgado
Rene Prou
André Mare
José Fioravanti
Armand Albert Rateau
Jacques Emile Ruhlmann
Jean Puiforcat
Jean Marie Mouron (Cassandre)
Arquitectos
Frank Lloyd Wright
Raymond Hood
William Van Alen
Henry Hohauser
L. Murray Dixon
T. L. Pflueger
Manuel J. Raspall i Mayol
INFLUENCIA
En Francia los decoradores se sublevaron de los decoradores contra el estilo de esta nueva estetica yPreconizaron el retorno a los estilos clasicos que habian hecho la gloria de su pais. En realidad todo volvia alli, como en otros lados, una simplificación de las formas por el retorno a la linea recta, a una geometrizacion del decorado bajo la influencia del movimiento pictorico cubista y ala utilización del color y de la luz en el juego de los volúmenes.
La ruptura fue total, a pesar de realizarse en varios años sea como fuere, Francia figuro nuevamente como lider de las artes decorativas y la Exposición de paris de 1925 aseguro su triunfo.
Al lado de las realizaciones puramente funcionales y racionales como las de Le Corbursier, cuyo estilo estetico seco y riguroso no fue aceptado por el publico, se desarrolllo un arte refinado y elegante que sirvio como modelo al mundo entero.
Fue asi que los arquitectos comenzaron a imaginar construcciones modernas, caraterizadas por la sobriedad de los planos y de las lineas, la prolijidad de las superficies y las formas, la ausencia casi total de ornamentación aplicada , generalizando e l empleo de materiales nuevos como el semento armado, el asero o el vidrio. Estas construcciones se transformaron rapidamente en patron que se propago de pais en pais, aplicandose tanto en los edificios publicos como en las construcciones privadas.
Sin embargo, es el mobiliario el que mantiene, sin competencia, la creación mas original de este estilo.
Las experiencias fueron numerosas y muchos estilos se codearon :
Boudoir : adaptado de las lineas del siglo XIX, buscaba agaradar, y no asustar, a la clientela burguesa. De la ambles y aduladoras se puede catalogar lascreaciones de Jaulmes Duffrene, Follot o Jallot.
Elegante y refinado, inspirado en Luis XVI tradicional,
pagar el precio pedido por una ejecución y una terminación
perfecta. En esta categoría se agrupan hombres tan distintos
como Jean Michel Frank, Emile Jacques Ruhlemann, Jules
Leleu, Louis Sue y André Mare con la Compañía de Artes
Francesas.
El Estilo interior: propuesto para satisfacer el gusto
fantasioso de una clientela surgida de la moda, los
creadores hicieron gala de originalidad proponiendo un
estilo de interior surgido de modelos inéditos inspirados,
ya sea en Egipto, en la antigüedad greco-romana o en el arte
africano. Jacques Doucet y Paul Poiret, ambos modistos de
renombre, fueron los que impulsaron
este movimiento, ya sea como mecenas –dejando libre curso a
los creadores como Paul Iribe, Pierre Legrain, Clement Mere,
Clement Rousseau, Marcel Coard, Gustave Miklos, Joseph
Csaky; o abriendo un taller de decoración paralelo a la casa
de modas, como hizo Paul
Poiret con L’Atelier Martine. Podemos además añadir a este
grupo artistas como Jean Dunanad,
Jean-Michel Frank, Armand Rateau o André Groult, cuyos
muebles en laca, marquetería , piel de tiburón, pergamino
desbordaron las crónicas. Pero el verdadero
estilo moderno y la innovación estética se le debe a los
creadores como Eugene Printz o a
Pierre Chareau. Su concepción arquitectónica y la calidad de
sus realizaciones son el origen
de la renovación del mueble moderno del siglo XX.
Todas las artes decorativas fueron renovadas. Así es como en
la cristalería resurgió el
esmaltado, con piezas decoradas por Marcel Goupy, Auguste
Heiligenstein o Maurice Marinot, los
unos y los otros presentados por el editor de arte Rouard,
Av. de l’Opera en París. Es el mismo
Marinot que impulsa el grabado sobre vidrio a un punto jamás
imaginado, ni igualado, agregando
manchas intercaladas a base de polvos de óxidos controlando
su efecto y distribución, o de burbujas
blancas o coloreadas de un efecto hermoso. Henri Navarre y
André Thuret en el mismo
dominio llegaron a presentar obras totalmente originales sin
copiar a su inspirador.
A pesar de todas estas innovaciones y perfeccionamientos, la
verdadera novedad se
le debe a René Lalique. En efecto, este industrial avezado,
luego de renovar completamente el
arte de la joyería alrededor de 1900, hasta crear un
verdadero estilo que todo el mundo copiaba,
decidió consagrarse al cristal. Creó y afinó para eso un
semi cristal que fundía y moldeaba en formas
inventadas por él, lo que le permitía realizar cuanto
deseaba en función de las necesidades
de su inspiración. El es el verdadero triunfador del cristal
en esa época.
La pasta de vidrio fue elegida por François Emile
Decorchemond para realizar con tonos
de piedras semi preciosas, vasos o copas de una gran pureza.
Mientras que Gabriel Argy- Rousseau realizaba sus objetos y
sus luminarias en un material más poroso y de un grano más
fino. La cerámica de alta temperatura, arte más tradicional
y más lento de captar o a dejarse influenciar
por el nuevo estilo, se desarrolló nuevamente con las
creaciones de Emile Decoeur, Henri
Simmen y Emile Lenoble, mientras que la loza barnizada y
esmaltada, más apta a reflejar las
nuevas orientaciones decorativas, se transformó en al
expresión favorita de hombres como René
Buthaud, André Methey o Jean Mayodon.
La orfebrería, signo distintivo de una elite internacional,
también sufrió una renovación
completa, no sólo en el nivel estético, sino también en el
técnico. Su creador más singular y original fue Jean
Puiforcat, cuyos modelos a la vez poderosos y elegantes son,
con los de Tetard y Laparra, el origen de la orfebrería
moderna.
El hierro forjado fue usado por ese hábil artesano que
transformó su arte en industria,
Edgar Brandt, mientras que el arte latón reencontró su lugar
abandonado desde el medioevo en
Francia, con hombres como Jean Dunand y Claudius Linossier.
Todos estos artistas tuvieron un brillo considerable y una
influencia determinante sobre la evolución de las artes
decorativas del siglo XX. Esta primera muestra conmemorativa
realizada en Argentina permitirá subrayar la modernidad y la
calidad excepcional de estos creadores de
renombre internacional, ya que son la fuente de nuestro
mundo contemporáneo.
El Art Decó como estilo y como época, caracterizó la producción de bienes
perdurables en el período de entreguerras tanto en Europa como en Estados
Unidos. Se caracterizó por sus imponentes construcciones, la utilización de líneas
rectas, el empleo de materiales exóticos, la producción de piezas únicas y la
utilización de algunos materiales de reciente invención para la época como la
baquelita y más adelante, la formica.
El Art Decó logró la fusión entre producción industrial y las artes decorativas. Fue
influenciado desde sus inicios por la estética futurista de donde heredó las formas
aerodinámicas e inspiradas en la máquina. Así mismo fueron empleadas las
combinaciones de materiales como madera y metal en el mismo objeto,
permitiendo a los artistas crear piezas muy costosas usadas como símbolos de
poder económico.
El papel que la mujer jugó en este período se vio igualmente reflejado en las
creaciones propias del estilo Art Déco. La publicidad, el diseño de modas y las
artes gráficas evidencian los cambios socio culturales y el cambio en los roles de
género durante este período. En este sentido se destaca la presencia de las
mujeres conocidas como las “flappers” que marcarían todo un estilo de vida,
reflejado a su vez en la forma de vestir.
En Colombia el estilo llegaría tardíamente, pero en algunos escenarios
productivos como el de los muebles y accesorios, las artes gráficas y en menor
medida en el vestuario, se vería reflejada esta influencia, particularmente en los
años cuarenta.
A CONTINUACION ANEXAMOS GALERIA DE IMÁGENES.
BIBLIOGRAFIA
PAGINAS DE INTERNET:
1. www.google.com
2. www.todocultra.com
3. http://es.wikipedia.org
4. www.laberintos.com
5. www.artelista.com
Fecha de investigación: noviembre 12 - 2009
