Aproximación a la Historia del Arte y a los lenguajes artísticos

a) El arte como expresión humana en el tiempo y el espacio.

b) El lenguaje de las artes visuales y su terminología.

c) Percepción y análisis de la obra de arte.

d) Pervivencia y conservación del patrimonio artístico.

* * * * * * * *

a) El arte como expresión humana en el tiempo y el espacio.

1-Término arte.

El término arte deriva del latín ars- artis , con el significado de facultad o destreza para hacer algo, una

destreza entendida como habilidad “técnica”. Se trata, pues de una habilidad que pueden ser de carácter

intelectual o manual.

2-El concepto de arte. Dificultades para definir el arte. Cambios en la conceptualización del arte.

Dos de las evidencias a la que se enfrenta el estudioso del arte son:

- La dificultad para definir que es el arte.

- El cambio de lo que se ha entendido por arte a lo largo del tiempo.

Sin embargo se pueden señalar una serie de características propias del hecho artístico:

a) Arte como una manifestación típicamente humana. Arte y hombre son inseparables. Según las

palabras de René Huyghe: “No hay arte sin hombre, pero quizás tampoco hombre sin Arte ,

b ) Arte como lenguaje y forma de expresión

El hombre para transmitir ideas y sentimientos ha creado una serie de códigos, basándose en sistemas de

signos. Entre ellos están, por ejemplo, el lenguaje articulado con el que nos comunicamos al hablar o

escribir, el matemático y el artístico. El lenguaje artístico es un medio de conocimiento de la realidad y de

comunicación del artista respecto tanto de lo que le rodea (mundo físico y humano) como de su propio

interioridad (sentimientos, deseos, temores...). Se trata, por tanto, de un lenguaje de las formas o visual, de

carácter universal- ya que todo el mundo puede expresarse con él y comprenderlo-, para conocer y

comunicar lo exterior e interior al ser humano.

c) Arte como actividad que da forma material a aquello que concibe el espíritu humano, idea

complementaria de la anterior de igual forma que aquellos que consideran el arte como forma significativa,

con un contenido o significado, incluyendo muchas veces valores simbólicos (Ej.”Saturno devorando a su

hijo de Goya”, símbolo de la crueldad y del paso del tiempo que lo destruye todo) e incluso, en muchas

ocasiones sin significado o deseo de transmitir mensaje alguno - arte por el arte- (Arte abstracto).

d) Arte como creación. Cuándo un artista concibe y lleva a efecto una obra de arte está creando un

elemento único e irrepetible y dotado de su propia identidad.

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e) Arte y belleza . El arte como sinónimo del ideal belleza ha sido una de las constantes durante muchos

períodos históricos (Grecia, Renacimiento, Neoclasicismo...) y el arte de esta manera era entendido como

plasmación de la proporcionalidad o armonía o equilibrio de medidas.

3- Historia del Arte. Concepto.

La Historia del Arte es la disciplina que se ocupa del estudio y análisis de los artistas, de las obras de

arte, así como de los estilos artísticos dentro de su contexto histórico y espacial.

4 - Concepto de estilo artístico. Los estilos artísticos.

-Definición.

El término estilo viene del latín (“stilus”, punzón para escribir sobre una tablilla de cera) y designa la

manera peculiar de ejecutar su obra un artista. En sentido estricto la palabra estilo hace referencia a la

modalidad artística - es decir un conjunto de rasgos artísticos- que caracteriza a una época o periodo

histórico concreto (Ejemplos: se habla de arte griego, arte romano, arte barroco, etc.)

5- Las funciones sociales del arte en la Historia. Su valoración en los distintos momentos históricos y

culturas diversas.

Desde que aparecieron las primeras manifestaciones artísticas en el Paleolítico Superior (arte rupestre,

arte mueble, figuras antropomorfas...) el arte se ha constituido como un elemento básico de las sociedades

humanas de cualquier época o espacio. Para entender de manera completa una civilización humana, a parte

de estudiar su forma de vida (economía), su manera de organizarse entre sí (sociedad), las formas de poder e

instituciones políticas (organización política) su sistema de ideas o pensamientos (ideologías), etc., es preciso

tener en cuenta las manifestaciones artísticas que ha generado. Las manifestaciones artísticas no han tenido

siempre la misma finalidad en las sociedades humanas a lo largo de la historia, esta ha ido variando y

evolucionando.

Funciones sociales del arte durante los diversos momentos históricos y culturas

1) El sentido mágico que algunos historiadores del Arte han querido ver en el Arte prehistórico. Según

ellos las representaciones animalísticas de las pinturas rupestres tendrían un carácter propiciatorio. El artista-

cazador del Paleolítico representaría las especies de animales que más tarde desasearía cazar.

Aunque otros le darían un significado sexual a estas pinturas, asimilando cada una de las representaciones

de animales a signos masculinos y femeninos respectivamente. En el mismo sentido se interpretan las

denominadas “Venus” paleolíticas. Todas estas manifestaciones artísticas habría que relacionarlas con los

cultos a la fertilidad. Es de resaltar la importancia que tendrían las funciones reproductivas para asegurar la

continuidad de los grupos humanos, en los cuales la supervivencia era un elemento vital.

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2) En muchas civilizaciones -desde las más antiguas a las más recientes- el arte ha estado vinculado

estrechamente a los distintos poderes políticos y /o religiosos; bien como un medio más para mostrar su

dominio ante al sociedad o como método de propaganda. Ejemplo representativos son:

a) Los bastones de mando en la Prehistoria, que se han interpretado como un signo de supremacía de un

individuo dentro de un grupo humano.

b) Las pirámides en la Civilización egipcia (Ej Pirámide de Keops), que no son otra cosa que tumbas

monumentales con la que se expresa el rango que llegaron a ostentar los faraones, considerados como

auténticos dioses en la tierra.

c) En la Civilización romana se afianza el estrechamiento de los lazos entre el Arte y los poderes

públicos. Los gobernantes romanos, especialmente los emperadores, fueron los que impulsaron la

construcción de edificios públicos: teatros, anfiteatros, circos, templos...o bien de construcciones para

mostrar sus hazañas al pueblo, generalmente militares, mediante la erección de monumentos

conmemorativos (arcos de triunfo -Ej. Arco de Tito-), constituyendo todo ello un efectivo método de

propaganda política.

d) En relación con las monarquías europeas, durante el periodo moderno sólo citar a modo de ilustración:

el Monasterio de San Lorenzo del El Escorial, símbolo de la fortaleza de la monarquía de los Austria,

mandado levantar por Felipe II; o más tarde, con respecto a la realeza francesa, el Palacio de Versalles,

autentico símbolo del absolutismo monárquico del s. XVIII representado en Luis XIV.

3) Otra función que ha desempeñado el arte es la de transmitir ideas, entre ellas:

a) Las de carácter religioso, en intima conexión con la religión cristiana fundamentalmente. Derivado de

lo anterior hay que hablar también de un sentido didáctico y moralizante, y habría que referirse al Arte como

un recurso para hacer llegar a la gente las doctrinas o normas morales del cristianismo

- Esta intención se aprecia desde los primeros momentos de difusión de los ideales cristianos con el arte

paleocristiano.; y durante la Edad Media cuando se afianza un arte cristiano que tiene su máximas

expresiones en : el arte bizantino ; el arte románico, con un predominio de la finalidad didáctica y

moralizante. La misión de manifestaciones artísticas como la escultura románica se inscribe en una sociedad

dominada por las ideas religiosas y con una institución tan poderosa como la Iglesia , y teniendo en cuenta,

por otro lado, que la mayor parte de la población era analfabeta, dicha estatuaria desempeñaría la función de

enseñar a las gentes una serie de normas religiosas y morales. De ahí que la iconografía románica haya sido

interpretada por los historiadores del arte como una figuración de los valores antagónicos del bien y del mal.

Asimismo habría que citar el arte gótico y el arte el barroco, en el cual muchas obras artísticas se hacían

para ponerlas al servicio de la Iglesia Católica, como expresión del espíritu y las normas impuestas por la

Contrarreforma (Concilio de Trento), frente a los reformadores protestantes.

b) Ideales de carácter estético. Aquí habría que incidir en la conexión entre Arte e ideal de belleza. La

idea de belleza ha sido una manifestación constante en toda la extensión de la Historia del Arte, que se ha

manifestado con gran intensidad durante determinados períodos o momentos

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-En culturas como la griega, alcanzar la belleza es la máxima aspiración de muchos artistas. La belleza se

concibe como armonía o equilibrio de medidas (“cánones) en la obra de arte

Los ideales de belleza también ocuparon un eje central durante: El Renacimiento y el Neoclasicismo. Al

recuperase en ambos momentos los valores de la Antigüedad clásica, prevalecieron los ideales de belleza, de

considerar las obras de arte como una conjunción perfecta de mediadas o proporciones armonizadas, muchas

veces idealizadas.

5) El arte puede ser asimismo un distintivo de importancia o rango social de una serie de individuos. El

fomento de la realización de las obras de arte se convertiría en un instrumento para destacar dentro de la

estructura social. En este ámbito podíamos citar a los “mecenas” o protectores de los artistas ( Ej: los Médici

en la Florencia “quattrocentista”) o coleccionistas bien remotos como las clases dirigentes romanas que

copiaban o importaban obras griegas, los papas durante el Renacimiento y el Barroco, o más actuales como

personajes del mundo de la empresa o los negocios el barón Thyssen (recientemente fallecido).

6) El Arte como medio para luchar contra los valores dominantes en una época, o como método de

denuncia y oposición a la estructura de una determinada sociedad o momento histórico. En esta línea hay que

mencionar los movimientos de vanguardia que surgieron a fines del s XIX y principios del XX /entre los

tuvo especial relieve el dadaísmo).

7) El arte, en sociedades como la nuestra de hoy en día, se ha convertido en un elemento de consumo.

Las obras de Arte son unos objetos más que se compran y se venden en el gran mercado del capitalismo (Ej.

subastas y galerías artísticas, o fenómenos más cotidianos y populares como reproducciones de obras de arte

que se venden en: carteles, videos CD Rom, libros, fascículos de periódicos... )

b) El lenguaje de las artes visuales y su terminología.

a) El lenguaje artístico. Lenguaje plástico y visual.

Los lenguajes artísticos se caracterizan por ser:

1-Lenguajes plásticos, es decir, utilizan elementos que se pueden moldear o dar forma.

2-Lenguajes visuales, o, lo que es lo mismo, que se perciben con el sentido de la vista.

* Los lenguajes artísticos se apoyan en una gama de elementos materiales, formales y técnicos sin los

cuales no existirían y no se entenderían (Ejemplos: Una bóveda no sería posible sin la piedra con la que está

hecha; o el gótico no hubiera sido posible sin los adelantos técnicos del arbotante o la bóveda de crucería.).

Así pues, están constituidos por un conjunto de materiales, procedimientos técnicas y elementos formales.

- Los lenguajes artísticos más destacados son los relacionados con los medios de expresión artística más

significativos:

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a- Arquitectura.

b- Escultura.

c- Pintura.

b) ARQUITECTURA: Definición. Materiales, procedimientos técnicos, elementos formales.

* Definición. La arquitectura es el arte de la creación de espacios interiores.

* Materiales: piedra, ladrillo, tapial (pared hecha con tierra amasada), hierro, hormigón, etc.

* Procedimientos técnicos y elementos formales: Elementos formales:

1) Elementos sustentantes (muro, pilar, columna)

2) Elementos sostenidos (dintel, arco, bóveda, cúpula).

1-Elementos sustentantes:

# Muro (Macizo). Elemento sustentante. Es la pared u obra construida sólida, situada entre vanos, o bien

opuesta a vano. - En unos estilos como el románico predominó el macizo sobre los vanos. Lo contrario

ocurrió con el Gótico.)

a) Aparejos (se utiliza este término para designar las diferentes formas de tallar y de disponer los

materiales constructivos en un muro). Tipos:

- Regular (isodómico, a soga, a tizón, a soga y tizón...).

-Irregular (mampostería; muro hecho con piedras irregulares unidas por argamasa; ciclópeo.).

Vano (Hueco que interrumpe un muro o pared. En general, lo que se opone a macizo: puertas y ventanas).

Partes.

- Umbral (puerta).

- Alféizar (ventana).

- Jambas (laterales). Abocinamiento.

- Alfiz

# Pilar: Es un elemento sustentante vertical de sección poligonal. Fueron muy utilizados en el Románico

y el Gótico. Tipos: cruciforme, cruciforme con columnas adosadas, fasciculado -Gótico-

- Pilastra: es un pilar adosado a un muro.

- Estípite: pilar en forma de tronco de pirámide invertida. Se empleó mucho durante el barroco.

- También suelen tener basa y capitel como las columnas.

# Columnas: Son elementos sustentantes verticales de sección curva, generalmente circular. Suelen

constar de tres partes: basa, fuste, capitel. En muchas culturas como la griega fue tratada como un elemento

escultórico, dando lugar a los estilos: dórico; jónico, corintio.

2-Elementos sostenidos:

# Dintel: Es un elemento sostenido de carácter horizontal construido, generalmente en una sola pieza.

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- Arquitectura adintelada o arquitrabada. Es la basada en elementos horizontales. Ejemplo: los

entablamentos de los templos clásicos . El entablamento es lo que se encuentra sobre las columnas. Partes

del entablamento: dintel (arquitrabe), friso, cornisa, frontón.

Arquitecturas adinteladas fueron entre otras la de Egipto y la Griega

#Arco: Es el elemento sostenido de configuración curva. Las piezas que forman el arco se llaman dovelas,

la que ocupa la parte central se denomina clave y las que inician el arranque del arco se llaman salmer.

En todo arco hay que tener en cuanta: 1-Las impostas, que es la separación entre el arco y la parte recta de

un vano. Es la superficie de la que arranca un arco. 2-La fecha, que es la altura del arco, contada desde la

clave hasta la línea de impostas. 3-La luz, es la anchura del arco.

- Tipos:

1-Arco de medio punto. Es el equivalente al de media circunferencia (Arte romano, románico...)

2-Arco peraltado. Es el equivalente al de medio punto, más el peralte en el que se apoya (Arte islámico-

periodo nazarí-, románico...)

3-Arco apuntado u ojival. Es el formado por dos segmentos de arco que forman un ángulo. Tiene dos

centros. Es el característico del arte gótico.

4-Arco de herradura. Es un arco ultrasemicircular; propio del arte musulmán.

5-Arco lobulado. Es el formado por lóbulos. Si tiene tres lóbulos se llama trilobulado y si posee más de

tres polilobulado. Es característico del arte musulmán, aunque también de otros estilos por influencia de este

( Ej: Románico).

6- Arco mixtilíneo. Es el formado por líneas mixtas. Es típico del arte musulmán- periodo reinos taifas.

7-Arco conopial. Es el que tiene forma de quilla de barco invertida. Consta de cuatro centros, dos

interiores y dos exteriores. Muy utilizado en el gótico.

8-Arco carpanel. Se parece al rebajado. Se traza a partir de tres centros: propio del gótico.

9-Arco rebajado. Es aquel cuya curva es inferior a media circunferencia. Está descrito con un solo

centro. El escarzano es un arco rebajado formando un ángulo de 60º.

10-Otros.

# Bóveda: Es un elemento sostenido que tiene su origen en el movimiento de un arco.

- Tipos:

1-Bóveda de medio cañón. Es la formada por el movimiento de traslación de un arco de medio punto a lo

largo de un eje longitudinal (Románico...)

2-Bóveda de arista. Compuesta por la intersección perpendicular de dos bóvedas de medio cañón. Es

típica del románico.

3-Bóveda de nervios (o de nervadura). Constituida por nervios y plementos. Existen diversos tipos según

el número y la disposición de los nervios:

- Bóveda de crucería (simple). También llamada ojival. Originada por la intersección de dos arcos

ojivales. Es típica del gótico.

- Bóveda sexpartita.

- Bóveda de terceletes.

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- Bóveda estrellada.

4-Bóveda de cuarto de esfera (de cascarón o de horno). Equivalente a un cuarto de esfera. Cubre

generalmente el espacio de un ábside.

5-Bóveda anular. Es la de medio cañón que cubre un espacio circular o curvilíneo.

6-Bóveda de arcos entrecruzados. Típicamente musulmana. Formada por cruzamiento de arcos que no

pasan por el centro.

7-Bóveda vaída. Se trata de una bóveda semiesférica cortada verticalmente por cuatro planos paralelos

entre sí dos a dos. Se utilizó durante el Renacimiento.

8-Otras.

- En las bóvedas podemos distinguir:

- Arcos fajones. (Perpiaño en el estilo románico). Son los que cortan la bóveda en sentido transversal a su

eje.

- Arcos formeros. Son los paralelos al eje de al eje longitudinal de la nave, para unir y, a la vez, separar

las naves contiguas.

- Arco toral. Cada uno de los cuatro arcos que forman el crucero.

*Cúpula: Es la bóveda creada por el movimiento rotatorio de un arco. La más común es la semiesférica o

de media naranja, originada por la rotación de un arco de medio punto. Se asienta bien sobre pechinas (son

cada uno de los triángulos esféricos que sirven para pasar de la superficie cuadrada de la planta a la circular

de la cúpula), trompas (Son bovedillas semicónicas que sirven para pasar de una planta cuadrada a la

octogonal de la cubierta sobre la que va la cúpula), tambor (estructura cilíndrica poligonal que sustenta la

cúpula otorgándole mayor altura). En la parte superior suelen tener una abertura para dar luz: la linterna.

- Tipos:

1-Otras: Cúpula bulbosa.

*A la hora de estudiar un edificio debemos considerar, por otro lado:

1-El plano o planta. Es el dibujo (hecho a escala) de la sección horizontal de un edificio. En él aparecen

los muros, las columnas, pilares, vanos y la proyección de la bóvedas.

- Tipos:

- Longitudinal. Es aquella planta en la que predomina un eje longitudinal (el largo del edificio). Tipos:

Planta basilical. Es que tiene su origen en las basílicas romanas: edificio longitudinal, normalmente con tres

naves - la central a mayor altura que las dos laterales- y ábsides en la cabecera. . Dentro de las plantas

basilicales destaca la planta balilical de cruz latina., que es la que consta de un eje longitudinal, el mayor -

como la basilical- y otro transversal más corto (transepto o crucero)

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-Centralizada. Es la planta que se organiza en torno a un centro. Tipos: 1) Cruz griega. Es la planta que

consta de dos ejes iguales. 2) Circular. Es la que tiene forma de circulo. 3) Poligonales, son las que siguen la

forma de polígonos (Ej. Un octógono).

2-El alzado. Es la proyección (a escala) o dibujo de la sección vertical de un edificio.

c) Escultura. Definición. Materiales, tipología, procedimientos técnicos, elementos formales.

*Definición: Es el arte de la creación de volúmenes, es decir, la realización de figuras en sus tres

dimensiones; mediante el modelado, tallado o el esculpido empleando diversos materiales.

* Materiales (son variados).

- Mármol y alabastro. Se utilizan mucho por su facilidad para esculpirse y por su acabado brillante. Arte

griego, romano, renacentista, etc.

- Granito. Se utiliza para obras de sentido monumental.

- Bronce. Aparece en estatuas de carácter urbano, ecuestre, fuentes, etc.

- Madera. Es el material más empleado para estatuas destinadas a retablos, sillerías de coros, pasos

procesionales. Policromada o no. Se muestra con profusión en el Renacimiento y Barroco español.

- Otros: Terracota (barro cocido).

- Oro y marfil (esculturas crisoelefantinas), etc.

* Tipología:

1-Bulto redondo. Es aquella escultura que se encuentra exenta (porque no está pegada a nada, está

aislada) y es independiente del marco arquitectónico; además puede contemplarse desde todos los puntos de

vista a su alrededor.

2-Relieve. Se trata de una escultura adherida a un plano (no exenta y no liberada físicamente del plano

arquitectónico) y, por tanto, solo cabe mirarla desde un punto de vista, el frontal. Según el relieve sobresale

del plano se distingue entre:

- Alto relieve. En este tipo las figuras parecen casi de bulto redondo pero adheridas al plano, pues

sobresalen más de la mitad respecto a éste.

- Medio relieve. En él las figuras parecen estar como cortadas por la mitad, ya que sobresalen casi un

50% respecto al plano.

- Bajo relieve. Es un tipo de relieve en el cual las figuras sobresalen muy poco respecto al plano del

fondo.

Según la actitud de la figura representada podemos también establecer varios tipos:

- De pie.

- Sedente. Sentada.

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- Orante. De rodillas con las manos juntas

- Yacente. Tendida.

- Ecuestre. A caballo.

- De pie.

Dependiendo de la parte del cuerpo representada se diferencia entre:

- Busto. Representa solo la cabeza y la parte superior del tórax.

- Torso. Le falta cabeza, brazos y piernas.

- Cuerpo entero.

Por otro lado se puede hablar también de grupo , cuando se representa un tema por medio de un conjunto

de figuras.

* Procedimientos técnicos. Existen varios métodos para efectuar una escultura:

- Sustractivo (de quitar) Consiste en partir un bloque compacto. La escultura ya está ahí- como decía

Miguel Ángel-y sólo hay que quitar lo que sobre. Al ir desbastando la piedra o la madera, el escultor va

realizando volúmenes negativos y el resultado es lo que deja sin tocar. Para la piedra, mármol, etc. se utiliza

como técnica el esculpido (cincelado) y para la talla la madera.

- Aditivo (de añadir) Supone ir añadiendo materia sobre una armadura mínima. Aquí el escultor debe ir

concibiendo los volúmenes positivos e irlos creando. Por lo general se utiliza como materiales la arcilla, el

metal y la madera; como técnicas el modelado, la soldadura y el encolado

Para las estatuas obtenidas a partir de un molde- generalmente para la fundición de figuras en bronce- se

utiliza la técnica del vaciado- Supone obtener un molde de la obra y con él reproducir la misma obra una y

varias veces en un estado que pueda obtenerse en estado líquido y que después termine fraguando y

endureciendo (cera, escayola, cemento, metal fundido, plásticos, etc.) Tipos:

a) Procedimiento de fundición “a cera perdida”. Se suele utilizar para obtener pequeñas escultura de

bronce (macizas). Pasos a dar: 1) Se hace un modelo de cera que se recubre de arcilla mezclado con arena,

yeso... (materiales refractarios: materiales que resisten la acción del calor sin modificarse o derretirse),

constituyendo el molde, que reproduce en negativo todas las formas del modelo en cera. 2) En el molde se

dejan orificios de entrada y salida. A través del orificio de entrada se vierte la colada de bronce fundido en

estado líquido que penetra en el interior y desplaza la cera hacia el orificio de salida, ocupando su lugar. 3)

Por último se deja enfriar el metal, se fractura y se quita el molde, quedando la escultura lista para pulirla y

acabarla.

b) Procedimiento de fundición “en hueco”. Es un método apropiado para esculturas de gran tamaño.

Modo de empleo: 1-En primer lugar se prepara un núcleo interior en arcilla con arena, en yeso o cualquier

materia refractaria. 2-Sobre este núcleo se hace un molde de cera. 3-Posteriormente la cera se reviste de la

misma materia refractaria que el núcleo interior, tras lo cual el bronce fundido se vierte por el orificio de

entrada que se ha dejado en el molde para desplazar a la capa de cera hasta el orificio de salida. 4) Cuando el

metal ya se ha enfriado y se ha roto el molde, liberando la escultura, a esta hay que vaciarle todavía el

interior para que quede hueca por dentro.

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*Elementos formales.

- La composición. Es la disposición o distribución de los distintos elementos que integran una escultura.

La composición en escultura se ha debatido tradicionalmente entre dos principios rectores:

- El reposo o carácter estático.

- La ilusión de movimiento o carácter dinámico.

1-El reposo o carácter estático.

Se aprecia en la escultura egipcia y en la estatuaria griega de la época arcaica (ss. VII y VI a.C.)

Las composiciones escultóricas responden a la “ley de la frontalidad”, según la cual la figura humana es

sometida a un principio compositivo en la que se presenta vista de frente, con el cuerpo dividido en dos

partes iguales, mediante un eje vertical imaginario que pasa entre las cejas, por la nariz y el ombligo. Las

esculturas que se ajuntan a este principio son rígidas, hieráticas, etc.

2- La ilusión de movimiento.

Se obtiene mediante dos recursos compositivos:

a) El ritmo.

Tiende a convertir lo estático en dinámico, mediante la armonía en la distribución de los elementos

compositivos.

Entre los recursos para conseguirlos están:

-La duplicación o multiplicación de perfiles (de frente, perfil...) (Ej. relieves egipcios o mesopotámicos.)

-Unidades rítmicas elementales: a) Ritmos lineales: oblicuos o en diagonal. b) En forma de “S”,

helicoidales, zigzag...c) Otros: en pirámide, en círculo, etc.

-Los basados esencialmente en la contraposición armónica de las partes del cuerpo humano, como los

utilizados en la escultura griega (“contraposto”: o sea, disponer en una escultura un brazo que avanza y una

pierna que retrocede, buscando el equilibrio en una figura estática.).

b) La tensión

Se consigue dando forma dinámica a la la escultura mediante una fuerza interior que pugna por

exteriorizarse (Ej. Miguel Ángel).

* Otros aspectos interesantes de la escultura a la hora de hacer su estudio son:

-Si una escultura aparece con caracteres realistas o idealizados (pudiendo haber intención detrás de todo

esto o no)

- La luz y el color.

1-La luz. Las diferentes partes de la escultura proyectan más o menos luminosidad; resultan más o menos

claras. Puede haber efecto de claroscuro (unas zonas en sombra y otras iluminadas).

2-El color. En cuanto al color la obra puede ser monócroma o policromada.

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- Textura. Muchas veces el escultor par a diferenciar las distintas partes del cuerpo humano (piel, ojos,

cabellos, las vestiduras, joyas, armaduras, etc. no pulimenta o trata de la misma manera el material con el

que trabaja para así sugerir al espectador sensaciones táctiles diferentes.

d) Pintura. Definición. Materiales, procedimientos técnicos, elementos formales.

* Definición. La pintura es el arte de aplicar colores (pigmentos) y líneas (dibujos) sobre una superficie

plana (de sólo dos dimensiones).

* Materiales. En pintura hay que distinguir entre:

a) El soporte plano de dos dimensiones sobre el que se pinta (muro, papel, tabla, lienzo, etc).

b) El pigmento. (Color). Es la materia colorante, es decir, los elementos naturales o artificiales que

proporcionan un color. (Ejemplo: el carbón produce el color negro.)

c) El aglutinante, que es una sustancia líquida que fija y da consistencia a un color (Ejemplo: el aceite en

la técnica al óleo, huevo en el temple...)

d) Otros materiales pictóricos. A partir sobretodo de los movimientos de vanguardia (fines XIX/principios

del. XX) se incorporaron a la pintura materiales como: papales pegados, arenas, trapos, maderas, objetos

metálicos...

*Procedimientos técnicos:

Existe una amplia gama.

Los más destacados son:

- El fresco. Técnica utilizada para la pintura mural. Para aplicarla exige las siguientes condiciones: 1-

Revocar el muro, es decir, que se haga un enlucido a base de arena fina, cal y polvo fino de mármol. 2-

Humedecer el muro. 3- Aplican los colores con agua de cal. Este procedimiento tiene: la ventaja, de que al

convertirse la disolución de cal en carbonato cálcico, se convierte en una sustancia muy resistente a los

agentes externos y de gran duración (de ahí su utilización para exteriores); el inconveniente: exige gran

destreza y rapidez de ejecución al pintor, ya que el muro no se puede dejar secar: Además tampoco admite

retoques.

- La acuarela. Técnica pictórica que consiste en diluir los colores en agua y aplicarlos sobre papel, por lo

cual seca rápidamente y obliga a tener una ejecución rápida. Caracteriza a la acuarela la transparencia y la

luminosidad de los colores. No utiliza el blanco como pigmento.

- La tempera. Muy parecida a la a la técnica anterior. Tiene a favor que se pueden superponer los colores

y retocarse después de estar terminada la obra. Es menos luminosa que la acuarela-colores algo opacos y

apagados-. Si utiliza como pigmento el blanco.

- El temple. Es una de las técnicas que más se utiliza en la pintura sobre tabla, aunque también se emplea

sobre lienzo y en menor medida se puede aplicar igualmente sobre muro. Consiste en diluir los colores en

agua templada (“temperada”) a la que se han añadido aglutinantes como el huevo, goma arábiga, etc. Al

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utilizar el huevo es un procedimiento más brillante y lento de secar. Tiene la ventaja de que, a diferencia del

fresco, es posible retocarlo en frío.

- El óleo. Es el procedimiento pictórico más utilizado a partir del s. XV. Fue perfeccionado y difundido

por los pintores flamencos. Consiste en mezclar los colores en aceites especiales (secantes) como el de

nueces y el de linaza- semilla de lino- y aplicarlos sobre un lienzo o una tabla previamente preparados. Es el

procedimiento más lento en secar de todos los conocidos, lo que permite un trabajo sosegado, hacer

interrupciones y retoques. El mayor inconveniente que tiene es el oscurecimiento de los aceites con el paso

del tiempo.

- La encáustica. Técnica pictórica consistente en diluir los colores en cera fundida, a la que se añade

resina para darle más dureza. Hay que pintar en caliente y para aplicar los colores se emplean paletas y

espátulas metálicas - previamente calentados en una estufa -. Las ceras de colores son una versión

actualizada de esta técnica antigua.

- El acrílico. Método pictórico en el que se usa como aglutinante el ácido acroleico, que es un emulgente,

o sea, permite unir el agua con el aceite, por lo que ambos elementos pueden utilizarse para extender el color.

Participa de las ventajas del temple y del óleo, es decir, es lento de secar. Sin embargo, su capacidad de

cubrir un color con otro es inferior, ya que unos colores no ocultan a otros.

- El mosaico. Es un procedimiento que no utiliza colores. El color lo proporcionan directamente las

teselas o piezas pequeñas de piedra, vidrio o metal, con las que realmente se “pinta”.

Se trabaja sobre un dibujo previo hecho en papel, y en posición horizontal, en donde se van colocando las

teselas que van configurando formas. Posteriormente se encolan papeles sobre el trabajo acabado para poder

trasladarlo, así al muro que tendrá la argamasa (capa de cal, arena y agua) preparada. Una vez fraguada esta

se desencolan los papeles se sujeción y transporte, para proceder a la limpieza y acabado final.

- La vidriera. Se trata de un armazón o bastidor de madera o metálico con vidrios utilizado en puertas y

ventanas. (La vidriera emplomada es la que tiene tiras de plomo para encajar en ella los vidrios).

Al igual que en el mosaico se trabaja sobre un plano horizontal y sobre un dibujo previo en el que han

diseñado los cortes de los vidrios que irán configurando las figuras.

Una vez cortados los vidrios (del color que conviniere) se pintan los grafismos de los rostros, cuerpos,

pliegues de trajes, sombras... con pigmentos, y se introducen de nuevo en el horno, para que la pintura

penetre en el vidrio, que se ha elaborado, previamente en el horno. Posteriormente se recompone el mosaico,

se unen sus bordes con plomo, se arma sobre hierros sólidos y se lleva al ventanal.

*Elementos formales:

1-La línea. /El dibujo. Son las líneas que determinan el contorno (líneas exteriores) y los dintorrnos -

líneas interiores- de las cosas o figuras representadas.

Rasgos:

- Poder limitativo, que acota y define el objeto.

- Identifica y reconoce las formas.

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Tipo de trazos lineales:

- Continuos y cerrados: delimitan formas finitas y acabadas.

- Discontinuos y abiertos: producen formas indeterminadas indefinidas.

2-El color.

Es la cualidad de los objetos originada por la impresión que los rayos del Sol producen en la retina, al

reflejar unos rayos de luz y absorber otros. ( La luz al atravesar un prisma se descompone en siete colores del

espectro).

El color es un elemento básico de la pintura. Sirve para crear efectos como la luz y el volumen, por tanto

de la profundidad (sobretodo en la perspectiva aérea). Los colores pueden ser:

- Oscuros o luminosos.

- Naturales (si son semejantes a los colores de los objetos y seres naturales) o irreales (si no tienen

parecido con el natural (cielo verde, agua amarilla, etc).

En una pintura se pueden utilizar muchos o pocos colores. Es posible que aparezcan superficies tonales

(degradaciones de un mismo color) o superficies planas (utilización de colores sin distintos tonos).

- En cuanto a los tipos de colores, es preciso distinguir entre:

1-Colores primarios o fundamentales (elementales o simples. Son tres: el rojo, el amarillo y el azul).

2-Colores binarios. Formados por la mezcla de dos primarios. Son tres: el naranja (rojo más amarillo);

verde (azul más amarillo); y violeta (rojo más azul).

3-Colores terciarios. Son los originados por la combinación de un binario y un primario. Esta forma de

combinación se puede seguir indefinidamente hasta dar una gama enorme de colores.

Por otro lado hay que hacer mención de:

- Los colores complementarios. Son los que al yuxtaponerse se intensifican mutuamente y al mezclarse en

parte iguales se destruyen dando lugar a un gris neutro. Los colores complementarios son uno secundario y el

primario que no entra en su composición: el verde es el complementario del rojo; el naranja lo es del azul y

el violeta del amarillo.

Otra distinción es la que se hace en función de sensaciones térmicas o espaciales que sugieren los colores

y así hay que mencionar:

- Los colores cálidos o cercanos: rojo, amarillo y naranja. Expanden la luz y son salientes, avanzan hacia

el espectador (también relación con el sol, la alegría).

- Los colores fríos o lejanos: verde, violeta y azul; Absorben luz, son entrantes y se alejan del espectador

(también relación con el agua y la naturaleza).

Esta distinción se hace en función de sensaciones térmicas o espaciales.

Existen asimismo teorías que asocian los colores a:

- Emociones y sensaciones (rojo: vida, sangre; azul: cielo, agua; verde: vegetación; amarillo: fuego y

luz...) -Son asociaciones naturales.

- Ideas o conceptos (blanco y azul: pureza). - Asociaciones por tradición cultural

Otros términos relacionados con el color:

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- Paleta. Conjunto o escala de colores preferidos por un pintor

- Gama. Serie de matices de un mismo color.

- Factura de color. Se llama así a la manera en la que el artista ha distribuido los colores, bien con toques

ligeros y difuminados, o con pinceladas espesas y contrastantes.

Sobre la distribución de los valores tonales en la organización de la obra de arte está el claroscuro.

(Hay que resaltar que una realización pictórica prevalece unas veces el dibujo o el color; o bien se

establece un equilibrio entre ambos elementos.).

3-La composición. Es la ordenación organizada de las figuras, objetos o colores en un una obra pictórica.

Tipos:

- Sin aparente composición: Yuxtaposición de elementos (colores, figuras...)

1) Las basadas en la línea, que han dado lugar a esquemas compositivos:

- Simétricos.

- Piramidales (triangulares).

- En diagonal

- En espiral. Línea serpentinata (Manierismo).

- Circular.

- Rectangular.

(Isocefalia. Consiste en disponer las cabezas a la misma altura).

2) Las basadas en el color (tanto en la pintura figurativa como en la abstracta)

Ej. Los movimientos de vanguardia -Pintura abstracta-

En otro orden de cosas las figuras pueden aparecer bien:

- Quietas o en reposo.

- En movimiento, mostrando tensión dinamismo.

4- La representación del volumen.

La Pintura en sí es bidimensional (dos dimensiones: alto y ancho), extendiéndose sobre una superficie,

sin embargo el lenguaje pictórico ha tratado de sugerir o representar mediante ilusiones ópticas la tercera

dimensión, lo profundo, creando así apariencia de volumétrica.

- Maneras de representación del volumen:

a) El modelado

Es posible conseguirlo mediante:

- La gradación de luz y sombra; representado las zonas más próximas al ojo con más luz, mientras las

más alejadas en penumbra o en sombra, con ello se obtiene que la figura destaque en relieve sobre la

superficie del cuadro.

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(Ejemplo: claroscuro violento de Caravaggio -tenebrismo-; “sfumato” o difuminado suave de Leonardo).

- El color. Los colores se aclaran o se transparentan en las zonas más próximas al observador mientras se

van oscureciendo en las partes más alejadas. Con ello también se obtiene el efecto volumétrico. Además

cada color se comporta de manera diferente en relación a la luz, cada uno de ellos tiene distintos valores

respecto a la luz y puede presentar distinta intensidad. (Este último es un recurso muy utilizado por

impresionistas y postimpresionistas).

b) El escorzo.

Es un recurso plástico que consiste en disponer a los objetos en posición perpendicular u oblicua respecto

al plano de la obra pictórica

La sensación de volumen ha sido un efecto que muchas veces se ha querido obtener en pintura, pero en

otras ocasiones se ha prescindido de él dando lugar a una pintura plana, sin profundidad.

c) La perspectiva. Se denomina así al sistema o artificio que permite representar sobre una superficie

plana, de dos dimensiones, el espacio y los objetos que hay en éste tal como son en la realidad (tamaños,

disposición, etc.), por medio de la simulación de la tercera dimensión o profundidad.

- Si no se utiliza la perspectiva, hablamos de pintura plana, sin representar ficticiamente el espacio (Ej.

arte rupestre, egipcio, bizantino, románico, fauvismo, arte contemporáneo en general).

- Perspectiva lineal o geométrica. Se consigue mediante líneas diagonales que confluyen en un punto ,

denominado punto de fuga, en el fondo del cuadro. Mediante este sistema se consigue representar las cosas

más grandes o más pequeñas en función de la distancia en que estarían situadas respecto al espectador (Fue

muy utilizada a lo largo del Renacimiento y del Barroco y en los movimientos posteriores).

- Perspectiva aérea. (El comienzo de su uso así como su teorización se debe a Leonardo da Vinci)- La

perspectiva aérea es la que intenta representar la atmósfera que envuelve los objetos, pintar el aire del

cuadro; para ello partiendo de la perspectiva lineal, se van difuminado los colores y los contornos de la

figuras en relación a la distancia. La luz y el aire interpuestos entre el ojo del espectador y los objetos

difuminan los contornos y por tanto no se aprecian con la misma nitidez objetos situados en primer plano que

los que ocupan el fondo. Al mismo tiempo los colores también se van modificando con la distancia. (Tiene

su máximo exponente en el Barroco -Velázquez- y en los movimientos del s. XIX).

Según el punto de vista elegido para realizar la perspectiva se puede hacer una diferenciación entre:

- Perspectiva de punto de vista normal o frontal. El punto de vista está en el centro del cuadro. Es la más

utilizada en pintura.

- Perspectiva caballera (o de punto de vista alto). También se le llama “a vista de pájaro o militar”. Es la

que se obtiene desde un punto de vista semejante a un jinete, más elevado de lo normal. Con ella se

contempla una amplísima superficie de terreno. (Ha predominado en la pintura Flamenca).

- Perspectiva de punto de vista bajo. Se obtiene desde un punto de vista colocado cercano al suelo. Esta

perspectiva se utiliza para lograr efectos de sensacionalismo, de grandilocuencia, etc. (Fue utilizada sobre

todo en el Renacimiento -Mantegna-).

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* Forma de representación. Hace referencia a si la representación de las figuras es realista o existe una

idealización.

c) Percepción y análisis de una obra de arte.

A la hora de contemplar, analizar y comprender una obra de arte hay que tener en cuenta diversos tipos

de elementos, que se pueden sintetizar en el siguiente esquema:

1-La ubicación espacial y temporal de la obra de arte.

- El lugar en el que se efectuó la obra de arte.

- La época en la que se hizo.

- La relación de la obra de arte con las características de su momento histórico.

2-La descripción razonada de la obra (utilizando el vocabulario técnico adecuado)

- Aspectos formales (materiales, procedimientos técnicos, elementos formales).

- Aspectos iconográficos e iconológicos (tema, significado, simbolismo).

3-Valoración argumentada de la obra de arte, aludiendo a:

- Estilo artístico.

- Autor - si se conoce- (características de éste).

ASPECTOS ICONOGRÁFICOS E ICONOLÓGICOS.

a) Iconografía. Es la ciencia o disciplina que tiene como objeto de estudio las imágenes artísticas

Las dos grandes series iconográficas del arte occidental son:

-La mitológica clásica.

Es decir la representación de personajes y dioses sacados de los mitos griegos y romanos. A parte de los

períodos correspondientes a las civilizaciones griega y romana, las referencia a la mitología clásica han

estado continuamente presentes en la Historia del Arte Occidental en múltiples obras escultóricas y

pictóricas, abundando con especial fecundidad en momentos como: La época clásica (Grecia y Roma), el

Renacimiento; el Barroco; o el Neoclasicismo, o personalidades como Goya..

- Ejemplo: Venus /Afrodita: Trono Ludovisi (Grecia), Botticelli (Renacimiento). Venus de Cnido

(Praxíteles, Grecia), Venus de Milo (Época helenística, Grecia); Venus de Ticiano, de Giorgone

(Renacimiento), “Venus del Espejo” Velázquez (Barroco)...

- La iconografía cristiana. La iconografía cristiana la constituyen toda la serie de imágenes relacionas con

personajes, símbolos o historias sagradas de dicha religión, en concreto sobre la Biblia (Antiguo y Nuevo

Testamento): Cristo, la Virgen María, Apóstoles, Profetas, etc, así como de santos/as y mártires u otras

representaciones sagradas de la religión cristiana. Las imágenes más comunes son:

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1) La cruz, o Cristo crucificado, , 2) La Virgen con el niño. La Virgen portando en su regazo, en su piernas o

en brazos a Jesús de niño. 3) El Pantocrátor. (Cristo en Majestad). Se representa a Cristo resucitado y

triunfante, envuelto en la mandorla o almendra mística portando los Evangelios en una mano y bendiciendo

con otra.. Imagen muy repetida en el arte románico 4) La Inmaculada. Se representa a la Virgen María

suspendida en el aire sobre una nube y /o la luna y con las manos juntas. Tema frecuente del arte barroco. 5)

La Anunciación. La Virgen María recibe el anuncio del Arcángel Gabriel de que ha sido elegida por Dios

para ser la madre del Mesías, Cristo. 6) La Piedad. La Virgen María sostiene en sus brazos el cuerpo muerto

de Jesucristo.

b) Iconología.- Término en el campo de Arte para designar el significado, contenido o sentido propio de una

obra; o dicho en otra palabras los concepto, ideas y valores de la que es portadora la obra de arte.

Para valorar el significado de la obra de arte es preciso tener en cuenta aspectos ideológicos, filosóficos,

socioeconómicos de la época

Ejemplos en la Historia del Arte:

- Significado mágico de las pinturas rupestres paleolíticas.

- Ideas del bien y el mal que descansan en la iconografía románica.

- Idea de belleza (armonía, equilibrio de medidas). Representación de Venus, símbolo de la belleza.

- Pintura expresionista: imágenes como expresión de la interioridad de la persona, su modo de ver las

cosas, sentimientos, deseos.

- Pintura surrealista. Imágenes extraídas del mundo de lo onírico y del subconsciente, etc.

EL AUTOR

a) El artista y el proceso de creación.-

Hacer una obra de arte es un proceso de creación, pero éste no es algo neutro, ni abstracto si no que a la

hora de abordar su estudio es preciso contar con el artista, analizar sus circunstancias personales en un doble

sentido, por un lado observando las conexiones de sus obras con su trayectoria vital o evolución personal y

por otra parte su personalidad da a su obra.

*La trayectoria vital. Los hechos o acontecimientos que van moldeando la vida personal de un artista se

van a ver reflejados en su proceso creador (Ejemplos: 1-Velázquez, pintor sin problemas económicos tras ser

nombrado pintor de cámara de Felipe IV (retratos de personajes de la familia real); transformación artística

de Goya a raíz de sus desgarros interiores provocados por la sordera y los desmanes que se cometieron con

la Guerra de la Independencia).

*La personalidad. Desde el terreno de la psicología en general y del psicoanálisis en particular se ha

querido incidir en los vínculos entre la creación artística y el modo de ser del artista, es decir , lo que le

impulsa a crear una obra, resaltando todo lo relacionado con el mundo del inconsciente (sentimientos,

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deseos, frustraciones; así por el ejemplo la obra de arte aparecería como un medio de sublimación de los

instintos, manifestación de narcisismo...) o ciertas comportamientos patológicos, en la cual la obra de arte se

muestra como fruto de la tensión interior del artista o como medio para evadirse o tratar de salir de ella ( Ej.

Van Gogh).

b) Consideración social. Circunstancias sociales.

La consideración social de los artistas ha experimentado cambios a lo largo del tiempo. En períodos como

La Edad Media el artista era normalmente un ser anónimo, un artesano que hacía su obra por encargo,

ajustándose normalmente a los gustos patrones e ideas de la persona de que quien dependía. En otras

ocasiones, como durante el Renacimiento, los artistas se convierten en un grupo social muy apreciado tanto

por su genio intelectual, por sus habilidades técnicas y su capacidad creadora, así como por su destreza para

idear y llevar a la práctica auténticas obras inigualables que ha pasado a la posteridad - es el caso de Miguel

Ángel -. Otras veces puede ocurrir que la obra de un artista sea menospreciada o infravalorada en la época en

la que vive y posteriormente con el paso del tiempo se convierta en un elemento de admiración y veneración

(Ej. Van Gogh).

Las circunstancias sociales. El artista no es un ser que vive separado de la sociedad de su época sino un

componente más de ésta y, en consecuencia, estará influido por las ideas, gustos, modas o tendencias de su

tiempo. (Ejemplos: El arte románico fue un arte fundamentalmente religioso debido a que la religión y la

Iglesia -como institución- ocupaban un papel esencial en la vida del Hombre medieval y pretendía ante todo

transmitir ideas religiosas y morales. En el Renacimiento se recupera la temática mitológica por la afición a

la Antigüedad grecolatina, el ideal de belleza como máximo exponente del goce estético...)

c) El papel de clientes y mecenas.

Los clientes en Arte serían todas aquellas personas que demandan, patrocinan o impulsan la realización

de obras artísticas. Los “mecenas” (la palabra viene de Cayo Cilnio “Mecenas”, amigo de Augusto y

protector de las letras y la literatura) han sido personajes que se han dedicado a patrocinar las letras y las

artes. En el terreno artístico se convirtieron además en auténticos protectores de los artistas. Todos ellos

clientes y mecenas ejercieron una influencia determinante en la promoción del Arte y de las tendencias

estéticas o estilísticas.

(Ejemplos: 1- No se concibe el esplendor artístico renacentista del “Quattrocento” florentino sin la

protección de la familia Medici; o el de la Roma renacentista y barroca sin la intervención de los Papas

(Julio II-Basílica de San Pedro, frescos de la capilla Sixtina, etc.). 2-No se comprende tampoco el

predominio aplastante de la temática religiosa en la pintura y escultura barroca española sin conocer que el

cliente principal fue la Iglesia Católica).

Otros ejemplos son: 3-Los monarcas absolutos, como los franceses, quienes para expresar su poderío y

grandeza impulsaron la realización de obras del porte del Palacio de Versalles, mandado a construir por Luis

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XIV. 4-La rica y acomodada burguesía de países como Holanda en el s. XVII, que impone sus gustos en la

temática pictórica -ausencia de representaciones religiosas, paisajes, interiores de casas burguesas, retratos,

etc.

En cuanto a personalidades individuales cabe resaltar el mecenazgo que ejerció el rey Felipe IV respecto

a Velázquez. El convertirse en pintor de cámara de dicho monarca le permitió vivir sin estrecheces

económicas y no tener que vender sus cuadros para subsistir. Lo mismo cabe decir de Goya con respecto a

personajes como Carlos IV o nobles como el duque de Osuna.

d) Pervivencia y conservación del patrimonio artístico

El patrimonio artístico lo componen el conjunto de obras de arte que nos han legado –dejado- las

generaciones que han vivido antes que nosotros - nuestros antepasados (Ej.: los monumentos romanos de

Mérida, las pinturas del Museo del Prado, etc.).

Se trata de una herencia artística de la que debemos estar orgullosos por haberla recibido y por la cual

tenemos que hacer todo lo posible por conservar y asimismo transmitir a las generaciones futuras.

Las obras de arte no son objetos pasivos que se guardan en los almacenes de los museos, sino un

elemento activo de la cultura. Se debe enseñar a leer y observar las obras de arte, y utilizarlas como un bien

cultural del que podemos obtener un goce o disfrute en los momentos de ocio.

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