Antidiseño

Curicó Profesora Mª Verónica Palma V.

Diseño Gráfico

Cultura II

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Guía de estudio Antidiseño

(1960- 1990 aprox)

Temario:

1. Antidiseño

1.1 Descripción

2. Archigram

2.1 Contexto

2.1 Descripciòn

3. Superstudio

3.1 Contexto

3.2 Descripción

4. Archizoom Asociati

4.1 Descripción

5. Memphis

5.1 Contexto

5.2 Descripción

6. Estética kitsh

1. Antidiseño

El Antidiseño (también llamado Diseño radical o Contradiseño) fue una corriente arquitectónica

desarrollada entre los años 1960 y 1970 en Europa, representado principalmente por el grupo

inglés Archigram y los italianos Archizoom y Superstudio.

1.1 Descripción

En contra de los preceptos racionales que defendía el movimiento moderno se situó el

antidiseño, una tendencia que pretendía validar la expresión creativa individual a través del

diseño. Opuesto al racionalismo y a la primacía del diseño sobre la función social y cultural de

la arquitectura, el antidiseño puso énfasis en el estudio de las necesidades de los individuos

por sobre cualquier otra consideración.

En la década de los 60, el antidiseño se convirtió en una fuerza de vanguardia. En ese periodo

se formaron varios grupos de diseño radical. Así en Italia se formaron Archizoom, Superstudio,

Gruppo Strum y 9999. Todos consideraban que la modernidad había dejado de estar en

sintonía con la vanguardia. Había dejado de ser una fuerza cultural impulsora y estaba

sometida a los intereses industriales y, lo peor, a los diseños consumistas.

Radicalmente crítico con la tecnología avanzada y el consumismo ya establecido en la

sociedad, el movimiento del antidiseño defendía el diseño de evasión. Con sus provocadoras


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superestructuras intentaba demostrar lo absurdo del racionalismo llevado al límite. La creación

en 1974 de la Global Tools, una escuela de antiarquitectura y diseño, que buscaba nuevas

técnicas no industriales para potenciar la creación individual, marcó el final de la primera etapa

del antidiseño.

El pionero dentro de esta tendencia fue el grupo inglés Archigram (1961-1974), formado por

Peter Cook, Warren Chalk, Ron Herron, Dennis Crompton, Michael Webb y David Greene. El

nombre es una contracción de los términos ingleses Architecture y Telegram, y quería expresar

la idea de que enviaban un nuevo mensaje al anquilosado mundo arquitectónico. Inspirados en

la visión innovadora de arquitectos como Bruno Taut, Antonio Sant'Elia y Richard Buckminster

Fuller, así como diversas obras teóricas como Teoría y diseño en la primera era de la máquina,

de Reyner Banham (1960), este grupo creó una nueva perspectiva para la arquitectura del

futuro, marcada por el reciclaje y la portabilidad, así como el predominio de la tecnología. Sus

proyectos eran comercialmente inviables, por lo que quedaron en bocetos, planos y maquetas,

aunque influyeron poderosamente en las nuevas generaciones de arquitectos.

Los grupos italianos Archizoom y Superstudio surgieron en Florencia en 1966. Archizoom debía

su nombre a un explícito homenaje a Archigram, y estaba compuesto por Andrea Branzi,

Gilberto Corretti, Paolo Deganello y Massimo Morozzi. Superstudio estaba formado por Adolfo

Natalini, Piero Frasinelli y Cristiano Toraldo di Francia. Inspirados en el Art Nouveau, el art

déco, el pop-art y el arte kitsch, realizaron una serie de diseños de tono irreverente que

cuestionaban la funcionalidad y buen gusto del diseño anterior (como la Silla Mies, de 1969).

También concibieron proyectos de ciudades utópicas del futuro, donde la tecnología liberaría al

ser humano del trabajo manual.

Los tres grupos se disolvieron a mediados de los años 1970, aunque dejaron una clara

impronta en los siguientes movimientos arquitectónicos: el high-tech recobró su pasión por la

tecnología, y la arquitectura posmoderna continuó con su aversión al proyecto moderno

racionalista. Su idea dinámica de los ambientes urbanos influyó igualmente en la obra de Rem

Koolhaas, y su concepción de regeneración urbana fue retomada por los grupos West 8

(surgido en 1987) y Muf (nacido en 1993).

1.- Archigram

1.1 Contexto

Era un tiempo de cambios radicales en el mundo. John F. Kennedy fue elegido

presidente de los Estados Unidos en 1960. Las teorías filosóficas y antropológicas de Michel

Foucault, Roland Barthes y Claude Lévi-Strauss estaban siendo asimiladas por los libres

pensadores; así como las películas de Jean-Luc Godard, Federico Fellini y François Truffaut en

el cine. También fue un momento de grandes avances tecnológicos, cuando el cosmonauta

soviético Yuri Gagarin se convierte en el primer hombre en el espacio y el primer satélite

meteorológico se lanzó de Cabo Cañaveral. La fotocopiadora fue inventada, el láser y la píldora

anticonceptiva.

1.2 Descripción


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(fig. 2).

Archigram (término que combina la palabra ARCHItecture y

TeleGRAM) fue un grupo de jóvenes arquitectos de vanguardia

creado en la década de 1960 —principalmente en la Asociación

de Arquitectura de Londres-.

Este provocativo grupo se autoerige como

principal agitador de la arquitectura de su

tiempo y se mantendrá activo hasta 1974

poniendo como fundamento de sus planteamientos la cultura pop, la

aceptación del modelo consumista, el antidiseño, antiheroico y de

vocación futurista se inspiran en la tecnología con el fin de crear una

nueva realidad que fuese expresada solamente a través de proyectos

hipotéticos.

Los principales miembros del grupo fueron: Peter Cook, Warren Chalk,

Ron Herron, Dennis Crompton, Michael Webb y David Greene.

En el panfleto Archigram I publicado en 1961 exhibieron sus ideas. Proponían una arquitectura

profundamente tecnológica, realizada

con nuevos materiales enteramente

industriales, e indicativa de un modo de

vida despreocupado y utópico. Peter

Crook emitió una afirmación que puede

dar idea del temperamento del grupo:

“Los envases de comida congelada

son más importantes que Palladio”.

En efecto, en base a la creación de

módulos de plástico y metal

intercambiables, las estructuras inflables

o colgantes de Archigram permitirían la

libertad de acoplar elementos de

distintos tamaños. Su diseño más

consecuente (e irrealizable) fue la

archiconocida Ciudad Andante (Walking

City) en 1964 de Ron Herron (fig. 2).

Encargados de realizar una infraestructura ligera, con tecnología de punta, enfocado hacia

la tecnología de supervivencia, medios desechables, cápsulas espaciales y con la

imaginería del consumo masivo. Sus obras ofrecían visiones seductoras de una glamorosa

era futura de las máquinas; sin embargo, los temas sociales y ambientales fueron dejados de

lado. Sus propuestas se representaba en el lenguaje gráfico de los comics y del pop art,

realizaron propuestas de viviendas cápsulas, ciudades enchufables (plug-in-city), y ciudades

móviles con una morfología que surgía de la parafernalia tecnológica evocada en los

expresivos dibujos, llenos de tubos, cables y patas telescópicas.


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Las obras de Archigram basaban su sesgo futurista en la

obra del arquitecto italiano Antonio Sant'Elia y Richard

Buckminster Fuller fue también una importante fuente de

inspiración. Los trabajos de

Archigram sirvieron, a su vez,

como fuentes de inspiración de

trabajos posteriores como el

Centro Georges Pompidou (fig. 3),

hecho en [1971] por Renzo Piano

y Richard Rogers así como la obra

de Gianfranco Franchini y Future

Systems.

Sus miembros crearon la revista

ARCHIGRAM y organizaron exposiciones en el “Institute of

Contemporary Arts” de Londres para dar a conocer sus ideas y sus

proyectos, de los cuales

muy pocos fueron

realizados y la mayoría quedó en el papel.

Archigram se sirvió del lenguaje del cómic y del

collage para difundir sus propuestas: ciudades de

horizontes quebrados y coloristas, calles con

cadillacs, zepelines, y grandes anuncios de

colores. El mundo de Archigram fue algo así como

una enorme tienda de chucherías futurista. Se

trataba, evidentemente, de uno de los

innumerables golpes que la sobria arquitectura

moderna (Bauhaus, Mies Van der Rohe) habría

de sufrir en la segunda mitad del siglo XX para

que finalmente madurara el estilo posmodernista y

todas sus ramificaciones actuales.

Es por eso que el lenguaje de Archigram tiene sentido precisamente en su imposibilidad. Es una

arquitectura soñada, y en tanto que promisoria de algo inherente al inconsciente común (cierta

utopía consumista desprovista de sustrato crítico) tiene claros precedentes en la imaginería de la

música pop, en el cómic y en el cine de ciencia-ficción.

fig. 3


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fig.4

The Walking City – Ron Herron

Living Pod – David Greene Suitaloon – Michael Webb

Instant City – Ron Herron

Warren Chalk, David

Greene


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2. El Superstudio

"El diseño como invención-el diseño como evasión"

2.1 Contexto

En la época de los 60 el diseño en Italia se encontraba en crisis, el modernismo comenzaba a

perder fuerza abandonando la innovación por un formalismo vacío que busca solo el marketing y

la producción, siendo la arquitectura la más afectada, puesto que, no existía un plan regulador

del uso del espacio o la seguridad para las construcciones. Es bajo este ambiente de caos que

movimiento como el anti diseño que cuestiona el "buen diseño" y lo puramente funcional de este,

y el diseño radical que procura el cambio de la actitud de las personas para así modelar el

ambiente que los rodea, generando diseños que respondan a las necesidades del momento

comienzan a influenciar la forma de abordar el diseño y el pensamiento frente a este de lo

jóvenes arquitectos de la época y es bajo estas bases que varios grupos de diseño italiano se

forman, Archizoom, Superstudio, Grupo Strum y 9999 fueron algunos de los grupos de diseño

radical que rechazaban la característica racional del movimiento moderno y la vida moderna en

si, donde el diseño era sometido a los intereses industriales siendo principalmente comercial y

consumista. Es por esto que la corriente buscaba un diseño de "evasión" tomando al surrealismo

como ejemplo de creatividad, el cual se inspiraba en las investigaciones de Sigmund Freud, y

que André Breton define en el Manifiesto del Surrealismo 1924, como "El dictado del

pensamiento, libre de todo control de la razón y toda preocupación estética o moral".

Entre el antidiseño y el diseño radical existe una leve diferencia, siendo el segundo mucho más

fuerte en la parte ideológica y preocupado de cómo la política y lo cultural afectan al diseño.

El sacco (Piero Gatti, Cesare Paolini, 1969) se considera como un diseño típico de este

movimiento, puesto que su forma (como las actuales "peras") permite al usuario adoptar

cualquier tipo de posición de descanso otorgándole una amplia libertad de uso al objeto, y se

puede observar cómo el pensamiento del anti-design prevalece frente a otro factores como la

calidad del asiento o la ergonomía del mismo.

2.2 Superstudio

El Superstudio fue un grupo arquitectónico italiano desarrollado entre los años 1966 y 1978.

Las inquietudes de Adolfo Natalini (nacido en 1941) y Cristiano Toraldo di Francia (nacido en

1941), compañeros de la Universidad de Florencia los estimula a fundar el mismo año de su

graduación en 1966 el grupo de antidiseño Superstudio, lugar de experimento y de vanguardia,

más tarde se les unirían Alessandro y Roberto Magris y Piero Frassinelli. El objetivo de esta

agrupación era la investigación teórica del urbanismo y el diseño de sistemas, describiendo

su obra con el lema "el diseño como invención- el diseño como evasión". El grupo busca con sus

obras, escapar de la vida cotidiana estipulando que todo objeto tiene además de una función

práctica una contemplativa ignorando al racionalismo que regía al diseño hasta el momento y

generando un quiebre para los diseños del futuro.


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El Superstudio al cuestionar el racionalismo busca generar en la ciudad un estado de igualdad

sin jerarquías sociales, sus ambiciosos proyectos de superestructuras como Il Monumento

Continuo apuntaban a un mundo menos consumista, dando a sus diseños una característica

menos funcional y más simbólica, el diseño de

ambientes básicos y neutrales para habitar sin

la necesidad de objetos y por lo tanto el

consumismo, recalcan su pensamiento utópico

de una igualdad social que nace a partir de la

forma en que se construye la ciudad. Si bien el

grupo no construye sus proyectos

arquitectónicos los revela al público a través de

provocativos fotomontajes, películas, muebles y

exhibiciones. En un comienzo en 1966 sus

diseños eran objetos fantásticos para la

producción en madera, acero, vidrio, ladrillo y

plástico, como la lámpara de mesa Gherpe,

luego comenzaron a trabajar en objetos más

funcionales como sillas, mesas siempre con un

diseño neutral manteniendo su postura crítica

frente a la cultura consumista. En 1969 la obra

critica Il Monumento continuo a través de

collages representaba el mundo cubierto por

una mega estructura que pasaba por sobre la

cuidad, como una extensa grilla que cubre sin

discriminación lo urbano y lo rural, la idea era

mostrar exageradamente como la globalización

comenzaba a unir al mundo mostrando que

esta mega estructura lo cubriría todo y

habitaríamos en un ambiente de igualdad

donde la cultura local seria absorbida en una

gran y única cultura global, una serie de

fotomontajes mostraban familias y personas en

su diario vivir sobre la grilla metálica que cubre

totalmente el paisaje volviendo a la tierra en un estado neutral, igual para todos.

Superstudio realiza una campaña de anti diseño con ideas

que se oponían totalmente al arte pop y a sus excesos por lo

que en 1970 presenta una línea de mobiliario de oficina

llamada Quaderna para Zanotta, el diseño de la mesa

cuaderna era muy geométrica en su forma y su estructura la

cubre una lamina plástica con un estampado de grilla en

blanco y negro lo que permitía que filas de estas mesas

dieran la apariencia de continuar hacia el infinito,


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Proyecto de ciudad futurista. Super Studio 1970.

además esta grilla buscaba un aspecto neutral que

seguía representando la idea anti consumista del grupo,

Quaderna, además de ser un diseño critico no dejaba de

ser un diseño funcional y práctico por lo que Zonatta la

sigue produciendo hasta el día de hoy.

En resumen lo que Superstudio trataba de comunicar a

través de sus diseños era que en la forma en que el

diseño global se estaba construyendo, como la

planificación de esta y las construcciones se estaban

haciendo, lo mejor era crear un ambiente que pudiera

unificar a todas las culturas, era necesario generar

espacios para habitar que fuesen funcionales y libres de

colores y de expresión individual, como la grilla que cubre la ciudad del Monumento Continuo.

Una frase de Torelado dice "es el diseñador quien debe reevaluar su rol dentro de la

pesadilla que a ayudado a crear” esta frase expresa el impacto cultural que genera el diseño y

la responsabilidad del diseñador sobre lo que crea y como esto afecta la forma en que las

personas vivirán y los ambientes que se generan en consecuencia, esta responsabilidad que se

le atribuye al diseñador se debería tomar muy en cuenta ya que el cómo se diseñe y para qué

se diseño un objeto provocarán inevitablemente un impacto en sus usuarios y depende de

nosotros que ese impacto sea positivo, por lo que la frase de Torelaldo es un lema que no se

debería olvidar, no sólo como un pensamiento correctivo de lo que ya se ha diseñado sino que

también preventivo de lo que se va a diseñar .

Inspirados en el Art Nouveau, el Art Déco, el Pop Art

y el arte Kitsch, realizaron una serie de diseños de

tono irreverente que cuestionaban la funcionalidad y

buen gusto del diseño anterior. También concibieron

proyectos de ciudades utópicas del futuro, donde la

tecnología liberaría al ser humano del trabajo manual.

En 1972 Superstudio participa junto a otros grupos de

diseño italiano de la exhibición Italia: nuevo paisaje

domestico en el Museo de Arte Moderno en Nueva

York, donde se expusieron diseños de la época que

representaban en el diseño radical y el anti diseño, seis

años después de esta exhibición el grupo se disuelve

pero los fotomontajes y dibujos de Superstudio

actualmente forman parte de la colección permanente

en el Pompidou Center en París y en el MOMA de

Nueva York.


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3. Archizoom Associati

“Desde la ola pop a la superficie neutra” El grupo Archizoom, fundado en

Florencia en 1966 y disuelto en 1974, es

uno de los máximos exponentes de la

arquitectura radical en Italia. De hecho, el

nombre del grupo rinde homenaje al

grupo inglés Archigram, la única

influencia que reivindica junto con la de

los austriacos Walter Pichler y Hans

Hollein. La onomatopeya «zoom», con su

connotación de velocidad, remite al

universo ficcional y popular del cómic y el

arte pop inaugurado por los miembros de

Archigram..

Estaba compuesto por los arquitectos

Andrea Branzi, Gilberto Corretti, Paolo

Deganello y Massimo Morozzi, y los

diseñadores Dario Bartolini y Lucia

Bartolini.

Archizoom participa en exposiciones como Superarchitettura

[Superarquitectura] (1966), las ediciones XIV y XV de la Trienal de

Milán (1968 y 1973) y la

exposición Italy: The New

Domestic Landscape [Italia:

El nuevo paisaje

doméstico], organizada por

Emilio Ambasz en el MoMA

de Nueva York (1972). Por

último, los miembros de

Archizoom formaban

parte del grupo que

en 1973 fundó Global

Tools, una contra-

escuela de

arquitectura y diseño

que defendía el

desarrollo libre y la

creatividad individual

Archizoom (Andrea Branzi, Massimo Morozzi, Gilberto,

Corretti, Pablo Deganello, Morozzi Lucía, Dario Bartolini),

1970-72 ciudad NoStop

Archizoom Associati "No-stop City", internal

landscapes, 1970

Archizoom Associati "Presagio di

rose" dream bed, 1967


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ARCHIZOOM ASSOCIATI SAFARI SOFA, 1967

Archizoom Ciudad Associati_Future Archizoom Associati Ciudad _Future

Archizoom Associati_Ame silla

Associati_Andrea Archizoom Branzi

Archizoom Associati_Mies

chair_Poltronava


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4. Memphis

4.1 Contexto

A mediados de los años sesenta, se produce una crisis al diseño. La crítica por el funcionalismo

se agudiza principalmente en la arquitectura y el urbanismo, donde algunos de estos principios

fueron mal aplicados. En esta época, tanto en estudios como en artículos (Alexander

Mitscherlich, Theodor W. Adorno, Heide Berndt, Alfred Lorenzer, Klaus Horn y Gorsen), se critica

al funcionalismo por crear entornos construidos en serie, llegando a ser caracterizados de

opresores y violadores de la psique humana. Abraham Moles en su Carta Magna del

funcionalismo (1968) plantea que éste debía concebirse de forma aún más rígida, al ver estas

críticas como amenazas de una sociedad opulenta. De esta crisis surgiría el pluralismo en el uso

de teorías y metodologías para diseñar y, por ende la actual búsqueda de nuevas y variadas

orientaciones.

Las economías habían superado la devastación de la segunda guerra mundial. Surgen en esa

época nuevos consumidores orientados a la búsqueda de diversión. La estética del pop que

privilegiaba lo desechable y lo temporal conduce a un cambio en los diseñadores, muchos de los

cuales se rinden a modas pasajeras y al mercado.

A finales de los 70‟ y principios de los 80‟, el diseñador toma conciencia de su profesión.

Mientras los arquitectos discutían la validez de un estilo, los diseñadores pensaban en la crisis

del petróleo, el costo de los plásticos y el interés de la sociedad por el medioambiente. El diseño

se independiza de la arquitectura y retoma su función social y su relación con la industria. Este

hecho se verifica por primera vez en la exposición del grupo Memphis organizada en Milán en

1981. La primera muestra de diseño de muebles y accesorios que no contaba con el apoyo de la

arquitectura. El impacto que tuvo esta muestra a nivel internacional en los diseñadores dio

origen al Nuevo Diseño. Este movimiento no se orientó a las exigencias de la producción en

serie, ni a la satisfacción de las necesidades humanas sino, más bien, a la expresión del espíritu

de la época. Diseñaron muebles individuales y

creativos, piezas únicas que se fabrican en series

limitadas, casi artesanalmente, orientadas a un alto

sector adquisitivo. La línea de separación entre el

arte y el diseño desapareció, llegando a exponer

muchos de estos objetos en galerías como si

fuesen obras de arte. El lema “la forma sigue a la

función” fue reemplazado por “la forma sigue a la

diversión”, ahora todo era posible.


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Los miembros de la original de 1981

colectiva en el Tawaraya Memphis boxeo

pozo anillo-cum-conversación.

Diseñador: Masanori Umeda.

4.2 Descripción

El Grupo Memphis fue un

movimiento de arquitectura y diseño

industrial muy influenciador de los

años 1980s.

El grupo fue fundado por Ettore

Sottsass en diciembre de 1980, y se

resolvió que los integrantes se

reunirían otra vez con sus diseños

en febrero de 1981 El resultado fue

un debut altamente aclamado en el

"Salone del Mobile" (En español,

Salón del Mueble) de Milán, la feria

de mobiliario más prestigiosa del

mundo.

El grupo, que contó eventualmente

con Michele de Lucchi, Matteo Thun, Javier Mariscal, Marco Zanini, Aldo Cibic, Andrea Branzi,

Barbara Radice, Martine Bedin, George J. Sowden y Nathalie du Pasquier, se disolvió en 1988.

El movimiento era una reacción contra los diseños "caja negra" post-Bauhaus de los 1970s y

tenía un sentido del humor del que carecían los diseños negros, pulidos y aburridos de esa

época. Una época de minimalismo, en la que los productos tales como máquinas de escribir,

edificios, cámaras, vehículos lucían todos parecidos y carecían de personalidad e individualismo.

En cambio, Memphis ofreció piezas brillantes, coloridas e

impactantes. Los colores que usaban contrastaban con los

negros oscuros y marrones del mobiliario Europeo. La

palabra Buen Gusto no se asociaba normalmente con los

productos de Memphis. Esto hacía sugerir que el diseño de Memphis era muy.superficial, aunque el grupo intentó

desarrollar una nueva y creativa aproximación al diseño.


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Ettore Sottsass, estantería “Calton” (Memphis), 1981

El 11 de diciembre de 1980, Ettore Sottsass organizó una reunión con algunos diseñadores

famosos, para formar un grupo de diseño colaborativo. Se llamó Memphis después de que la

canción de Bob Dylan, "Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again" sonara

repetidamente durante esa tarde.

El grupo Memphis fue un movimiento de arquitectura

y diseño industrial que surgió en 1980; su creador fue

Ettore Sottsass y su debut se dio en el Salón del

mueble de Milán, la feria de mobiliario con más

prestigio a nivel mundial.

Es un movimiento que iba en contra de los diseños

post-Bauhaus de los años 70, y tenían un sentido del

humor implantado en sus objetos. Se crean muchas

piezas brillantes, coloridas e impactantes, pero no

siempre eran

consideradas

de buen gusto.

Su inspiración

viene

principalmente

del Art Decò y

el Pop Art y los conceptos planteados en este grupo iban

en total oposición con el "buen diseño" de Alemania. La

obra de Memphis recibía una serie de influencias muy

eclécticas, y con sus motivos atrevidos y formas

estrafalarias, se burlaba de la noción de "buen gusto".

El grupo Memphis, integrado por diseñadores italianos

militantes del diseño radical, la vanguardia y de otros equipos de diseño como Studio Alchimia,

produjeron monumentales y vistosos diseños "neopop" que causaron gran sensación a nivel

mundial desde 1981.

Memphis contribuyó durante los años ochenta a la comprensión del Posmodernismo como estilo

internacional, puesto que los diseños posmodernos abrazaban el pluralismo cultural de la

sociedad global contemporánea y utilizaban un lenguaje simbólico concebido para trascender

fronteras.


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Belvedere console table, 1982 Design: Aldo Cibic

Piccadilly table lamp, 1982 Design: Gerard Taylor


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Michael Jackson and Bubbles,1988

de Jeff Koons

Puppy, 1997 a las afueras del museo Guggenheim en Bilbao,

España.

De Jeff Koons

5. Estética Kitsh

La palabra kitsch se origina del término alemán yidis etwas verkitschen.

Define al arte que es considerado como una copia inferior de

un estilo existente. También se utiliza el término kitsch en un

sentido más libre para referirse a cualquier arte que es

pretencioso, pasado de moda o de muy mal gusto, cursi.

Aunque su etimología es incierta, está ampliamente difundido

que la palabra se originó en el arte de Múnich entre los años

1860 y 1870. El término era usado para describir los dibujos y

bocetos baratos o fácilmente comercializables.

Otra palabra alemana kitsch está asociada al verbo kitschen,

que significaba „barrer mugre de la calle‟. El kitsch apelaba a

un gusto vulgar de la nueva y adinerada burguesía de Múnich

que pensaba, como

muchos nuevos

ricos, que podían

alcanzar el status que envidiaban a la clase tradicional

de las élites culturales copiando las características

más evidentes de sus hábitos culturales.

Lo kitsch empezó a ser definido como un objeto

estético empobrecido con mala manufactura,

significando más la identificación del consumidor con

un nuevo status social y menos con una respuesta

estética genuina. Lo kitsch era considerado

estéticamente empobrecido y moralmente dudoso. El

sacrificio de una vida estética convertida en

pantomima, usualmente, aunque no siempre, con el

interés de señalar un status social.

Balloon Flower Magenta and Blue

De Jeff Koons


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Kitsch japonés: el gato Maneki - neko

Tal vez un ejemplo clásico de ello es la arquitectura y el arte decorativo desarrollado en el área

de Los Ángeles en California durante las décadas 10 al 30 del siglo XX, cuando la zona vivió un

gran desarrollo económico debido a la agricultura y el éxito de la industria cinematográfica de

Hollywood, lo que creó una generación de gente emigrada de Europa recién adinerada que

intentaron recrear el estilo de los nobles europeos. Esto dio pie a la creación de mansiones en

las que se mezclaban caóticamente estilos como el barroco, florentino, gótico y el rústico usado

en las misiones de la misma California. Este estilo fue llamado Californiano; en la decoración se

crearon piezas estrambóticas, como chimeneas de más de tres metros de altura, falsos escudos

nobiliarios, tapetes de oso, espejos gigantescos con marcos de falsa madera tallada estofada

realizados en plástico o cuadros idílicos de falsos antepasados que decoraban sus paredes. Se

llegó al exceso de comprar antiguos castillos europeos que eran trasladados piedra por piedra a

los Estados Unidos o bien comprar títulos nobiliarios en subasta.

Theodor Adorno percibía esto en términos de

lo que él llamaba la industria cultural, donde

el arte es controlado y planeado por las

necesidades del mercado y es dado a un

pueblo pasivo que lo acepta. Lo que es

comercializado es un arte que no cambia y

que es formalmente incoherente, pero que

sirve para dar a la audiencia ocio y algo que

mirar. El arte - para Adorno - debe ser

subjetivo, cambiante y orientado contra la

opresiva estructura del poder. Él clamaba que

el kitsch es parodia de la catarsis, y también

parodia de la conciencia estética.

Diseño de portada de disco. Inspirado en el "Kitsch"


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“Hecho en China” Bruna Truffa

Se denomina así a objetos caracterizados por

supuesta inautenticidad estética y su formalismo

efectista, que persigue una gran aceptación comercial.

El kitsch, como categoría artística, funciona dentro del

contexto aristocrático y enjuiciador que determina un

“buen” y un “mal” arte... cuanto más productos kitsch

hayan, más brillará la apreciación de la autenticidad del

arte, como sello de garantía del mismo.

De este modo, se establece que el kitsch no es algo

simplemente alejado del arte, sino su antítesis: este

estilo posee las características extrínsecas de aquél,

pero funciona como su negación.

La esencia del kitsch, para los moralistas del arte,

consiste en la sustitución de la categoría ética con la

categoría estética: el artista o realizador se impone

generar no “un buen trabajo”, sino un trabajo

“agradable”, dado que lo que más importa es el efecto.

El kitsch, según el concepto común que se tiene del

mismo, no pretende ni pide nada más a los

espectadores que su dinero, ni siquiera su tiempo (tiempo aplicado a la reflexión de la obra, por

ejemplo).

Aunque, aún hoy en día, todavía a la producción de kitsch se le mira en menos,

considerándosele una forma de mentira artística, cabe resaltar que los intelectuales se

encuentran en un proceso de re valoración de este estilo, preguntándose si existe efectivamente

una diferencia real entre arte y kitsch; esto a raíz de, por ejemplo, la constatación de paralelos

tales como que las vanguardias funcionan imitando los procesos del arte, y el kitsch imitando sus

efectos, y de que el kitsch sería la otra cara de la moneda artística: en una sociedad en la que el

único lenguaje estético que reciben las masas está modulado „en clave kitsch‟, se debe

reflexionar profundamente sobre su reivindicación. De este modo, el “arte” y el “kitsch”

comienzan a olvidarse como dos polos opuestos y antagónicos.

Antidiseño

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