EL POP ART EN ESTADOS UNIDOS

ANDY WARHOL

EVOLUCIÓN DEL ARTE CONTEMPORÁNEO DÉCADA DE LOS SESENTA

La década de los sesenta fue un periodo crucial en el desarrollo y evolución del arte

contemporáneo. Desaparece casi por completo el INFORMALISMO y se produce la

mayor mutación en la Historia del arte contemporáneo.

El Informalismo se había convertido prácticamente en un academicismo reiterativo, razón

que marcó su declive y con él el de las diferentes tendencias de vanguardia que habían

dominado el siglo XX.

Frente a esta situación surgen diversas tendencias como respuesta:

NUEVA FIGURACIÓN que se entendió como una crisis de lo abstracto.

ABSTRACCIÓN NEOCONSTRUCTIVISTA frente a la falta de expresión de la abstracción

POP ART: refleja la realidad de la nueva cultura de masas a través de sus objetos.

NUEVOS REALISMOS comprensibles y críticos frente a la falta de contenidos del

Informalismo.

Esta encrucijada de estilos, junto al definitivo traslado del foco artístico desde París a

Nueva York, hacen que la década de los sesenta sea un periodo crucial para el arte en el

que si aún se mantiene el mito de la vanguardia, comienza a despuntar la Posmodernidad

que aflorará ya en la década siguiente.

INFORMALISMO1950-1960

POP ART

ESTEBAN VICENTE: “nº 11”, 1960 LUCIO FONTANA, “Concepto espacial”, 1962

Segundas vanguardias: se va perdiendo la figuración, la referencia a lo real.

Avance hacia el arte más conceptual de la postmodernidad

NUEVA FIGURACIÓN

LUCIAN FREUD: “Interior en Paddington”,1951

ANDY WARHOL: “”Campbell Soup”, 1969

NUEVOS REALISMOS

YVES KLEIN: “Venus blue”, 1961

ABSTRACCIÓN NEOCONSTRUCTIVISTA

BRIDGET RILEY: “Fiesta”

EL POP ART Y LA CRISIS DEL INFORMALISMO

En 1962 RAUSCHENBERG gana el premio de la Bienal de Venecia con una obra Pop Art en la que eran evidentes su impulso renovador y la recuperación de elementos neodadaístas referidos al empleo de objetos. La obra de Rauschenberg ponía de relieve lo anodino, repetitivo y poco innovador y agresivo del Informalismo en vigor desde hacía dos décadas.

* EL INFORMALISMO

Bajo esto epígrafe se agrupan una serie de tendencias como el Expresionismo Abstracto, el Arte Informal, la Pintura Sígnica y el Arte Matérico, que tanto en Europa como en América, se desarrollan entre los años cuarenta y mediados de los sesenta. Por informal se entiende ausencia total de formas reconocibles, máxima indeterminación y dispersión. Es un arte libre de esquemas geométricos, de líneas regulares o de colores planos en la que cuenta la expresividad del artista dentro de la no figuración: se valora el proceso creativo tanto como el resultado, lo que lleva a la denominada Action Painting y a la creación artística casi como un espectáculo de la actividad febril y veloz del pintor. JACKSON POLLOCK, MARC ROTHKO

Asimismo la “Pincelada amarilla y verde” de 1964, de Liechtenstein ironizaba sobre la PINTURA INFORMALISTA* al representar un gesto con los procedimientos gráficos de un cómic, evidencia de la total falta de impulso natural de la legión de pintores informalistas.

La cultura pop es el producto de la revolución industrial y la serie de revoluciones tecnológicas que le sucedieron. Si se unen la moda, la democracia y la máquina una parte de lo que resulta es la cultura pop.

“De la artesanía, a la producción en serie. Con la democratización de las máquinas, llegó una nueva forma de consumir. Estanterías repletas de cajas, botes y bolsas que repiten el mismo patrón de colores y formas comienzan a poblar las tiendas. Ya no importa tanto que los productos sean únicos, sino asequibles y ampliamente disponibles. Con punto de partida las investigaciones de Duchamp sobre las cualidades estéticas de los objetos cotidianos (con aquel urinario que es a la vez Virgen y Buda como máxima enseña), las vanguardias de principios del siglo XX comenzaron a partir de ahí a atisbar lo que de sublime puede tener lo banal.” SILVIA HERNANDO, en Infolibre

LO BANAL, OBJETO DE LA ACTIVIDAD ARTÍSTICA

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…la incorporación de un mundo de objetos de consumo para transformarlos en imágenes con un sentido plástico sacudió al espectador de su rutina al colocar delante de él algo con un sentido y un significado diferente al que se le atribuía.

“La actividad principal del artista pop, su justificación, no es tanto para producir obras de arte, como para dar sentido al entorno, aceptar la lógica de lo que le rodea en todo lo que hace. El descubrimiento de esta lógica, su forma y su dirección se convierte en la principal tarea del artista.” NIKOS STANGOS: “Conceptos de arte moderno: Del fauvismo al posmodernismo.

LA VIDA COTIDIANA SE INTRODUCE EN EL ARTE

WARHOL: “Lata grande de sopa Campbell rasgada”, 1962

EL POP ART EN ESTADOS UNIDOS

Fue en los Estados Unidos donde el Pop Art arraigó de una manera especial, adquiriendo su pleno desarrollo a partir de los años sesenta.

El movimiento no fue bien acogido en un principio por parte de la crítica norteamericana, pues daba la sensación de que los artistas Pop echaban por tierra los logros alcanzados en la década anterior por los artistas del EXPRESIONISMO ABSTRACTO.

Pero al final acabó por implantarse y conseguir llegar al público entendido e interesar a los grandes coleccionistas y marchantes. Muy pronto el POP ART se convirtió en uno de los instrumentos imprescindibles para hacer frente al entorno urbano americano. Las grandes ciudades americanas, con su acumulación abigarrada de objetos, arquitectónicos o publicitarios, con la sociedad más capitalista y consumista del mundo, constituyeron, no sólo el telón de fondo natural de esta nueva tendencia, sino además su más importante fuente de inspiración.

EL POP ART EN ESTADOS UNIDOS

RAUSCHENBERG: “Kennedy”JASPER JOHNS: “Mapa” 1959

ANDY WARHOL: “5 botellas de Coca-Cola”, 1962

ROY LICHTENSTEIN: “Mujer en el baño”, 1963

GEORGE SEGAL: “Mujer peinándose en silla verde”, 1964

CLAES OLDENBURG: “Dropped Cone”, 2001

Tom Wesselmann: “Naturaleza muerta n º 24” 1962

JAMES ROSENQUIST: “Marilin Monroe I”, 1962

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LEO CASTELLI, CREADOR DE MITOS Coleccionista, galerista y marchante de arte italiano. Nació en Trieste en 1907 y murió en Manhattan en 1999. Hijo de un banquero húngaro, recibió una esmerada educación y, gracias a sus continuos viajes por toda Europa, llegó a convertirse en un joven cosmopolita, culto y políglota introducido en los ambientes más selectos. Su pasión por el arte le llevó a abrir su primera galería en 1936, en París. Viajó a Nueva York en el año 1941 y cursó estudios de postgrado en Historia Económica en la Universidad de Columbia. Adquirió el derecho a la nacionalidad americana al hacer el servicio militar en los Estados Unidos. En 1956, organizó, en Nueva York, la mítica "Exposición de la calle 9", en la que presentó a 61 artistas, aún desconocidos y que se apartaban de los movimientos establecidos.

Hombre capaz de crear mitos, con una gran intuición para descubrir nuevos valores y con un interés incansable por lo novedoso, se convirtió en uno de los más importantes promotores del arte de vanguardia. Fue uno de los impulsores del expresionismo abstracto, considerado como el primer movimiento pictórico netamente americano, pero sin duda su fama la adquirió como "descubridor" del pop art: en 1951 descubrió a Rauschenberg y Warhol, en el 1957 a Jasper Jons y Twonbly. Después promocionó a los minimalistas y los conceptuales. Su galería neoyorquina, abierta en el 57, fue uno de los centros neurálgicos del arte del momento, cuando las vanguardias artísticas se sucedían en esta ciudad que había heredado de París el protagonismo mundial de las corrientes artísticas en la segunda mitad de siglo XX.

Ivan Karp, quien ayudó a encontrar y comercializar el arte pop en el centro, flanqueado por el galerista Leo Castelli, y Andy Warhol, en 1966.

“El Pop-Art se opone a lo abstracto mediante el realismo, a lo emocional mediante el intelectualismo y a la espontaneidad mediante una estrategia compositiva.”

“El Pop es una manifestación cultural absolutamente occidental que ha ido creciendo bajo las condiciones capitalistas y tecnológicas de la sociedad industrial. América es el centro de este programa. Por tanto se produce la americanización de la cultura de todo el mundo occidental, en especial la de Europa. El Pop Art analiza artísticamente esta situación, visualiza un sismograma de nuestras modernas conquistas industriales y su absurdo, los límites de una sociedad de masas y medios de comunicación que estalla por los cuatro costados. El Pop Art vive de las grandes ciudades. En sus comienzos fueron Londres y Nueva York los nuevos centros artísticos del mundo occidental, en su desarrollo durante los años sesenta se incorporaron otros centros europeos secundarios.” TIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. TASCHEN

ANDY WARHOL

(Pittsburg, 1928-Nueva York 1987). Artista plástico estadounidense. Hijo de emigrantes eslovacos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante publicitario para diversas revistas como Vogue, Harper´s Bazaar, Seventeen y The New Yorker. Cultivó su propia imagen con la misma mercadotecnia publicitaria que su obra.

Reportero de la época, retratista de sociedad. Los valores, los sentimientos parecían no existir para Warhol. El medio era el papel de prensa o la fotografía, que para Warhol, que a veces se sentía como una cámara aunque no estuviera utilizando una, era tan importante como el cine.

Warhol se dedica al cine a partir de 1964. Es un "cinéma-verité" que describe el ambiente marginado de su existencia cotidiana, en un tiempo real, sin cortes ni montajes. Era la "star" del "pop art" y, como todas las "stars", cultivó y tuvo su leyenda. Era el mago del "underground", el papa de los "punks" después de haber sido el de los "hippies", el arquetipo de un erotismo ambiguo con resabios de droga, un fantasma decolorado para los snobs del aburrimiento. Se compró una cámara de 16 mm. y comenzó a filmar todo lo que estaba y se movía a su alrededor, con un absoluto desprecio por la técnica y el montaje.

WARHOL Y EL CINE

Colaboró con Lou Reed y su Velvet Underground Fue uno de los primeros creadores en explotar conscientemente su imagen con objetivos autopromocionales; de ese modo, y mediante un proceso de identificación, adquirió a los ojos del público significaciones propias de un producto publicitario más. En 1963, inició una carrera cinematográfica basada en los mismos principios que su obra plástica (como la reiteración visual), de fuerte contenido sexual y erótico: Empire, Kiss, Chelsea girls. En una última etapa retornó a un formato más tradicional y rodó The love y Women in revolt.

Warhol en el rodaje de 'My Hustler', de Paul Morrisey.

Elementos o imágenes del entorno cotidiano, en serie, que son un reflejo de la producción masiva capitalista. Publicidad o el cómic, imágenes de difusión masiva. El retrato de numerosos personajes famosos por los que se sentía

fascinado, fue objeto de una gran parte de su creación. La noticia catastrófica. Entre 1962 y 1964 se especializa en ella : suicidio,

bomba atómica, accidentes de automóvil, revueltas raciales, silla eléctrica. Todo ello era registrado con la misma y fría distancia con que registraba latas de sopa, revólveres, flores y cajas de brillo. Esta banalidad del horror consagra su éxito.

Reinterpretación de obras de arte Warhol se apoderaba de una simple imagen y la revolucionaba. La intensa expresividad y el apasionamiento que dominan el arte desde las pinturas negras de Goya a las vanguardias artísticas, es sustituida aquí por una neutralidad que la aproxima al de la pura mercancía. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación.

TEMAS

Utilización de colores planos e intensos. Fácil identificación del objeto. Juegos cromáticos de repetición (Aunque los colores puedan ser

complementarios y estridentes se reparten de forma armoniosa y equilibran la imagen, no hay tensión final, sino belleza y armonía).

La línea y los contornos remarcados como en el cómic. Dibujo claro y preciso.

Cuadros de enormes dimensiones que producen un efecto espectacular. Encaje correcto de la imagen, de modo que los elementos armonicen. Técnica de la serigrafía: proceso medio manual y medio mecánico, que se

había convertido en el favorito de los artistas comerciales después de la Segunda Guerra Mundial. Repetían los mismos motivos una y otra vez en una serie sin fin.

ESTILO

En cuanto a su lenguaje específico el pop art se caracteriza por la apropiación de las técnicas expresivas orientadas a la divulgación y el consumo, ya validadas por los medios de comunicación de masas. Ello tendrá consecuencias importantes en la construcción tanto de imágenes como de objetos.

"Con la serigrafía puedes coger una fotografía, ampliarla, trasladarla con la cola a la seda y después aplicar la tinta encima, de forma que la tinta atraviesa la seda pero no la cola. De esta forma obtienes la misma imagen, ligeramente diferente cada vez. Era tan sencillo, incierto y rápido. Yo estaba encantado con ello.” ANDY WARHOL

“Su intención era eliminar la manualidad en el proceso de creación de una obra de arte, encontrar un efecto de “cadena de montaje” que le ayudara a acortar la distancia existente entre sus imágenes, la producción de éstas y lo que imitaban. La serigrafía logró aunarlo todo y mucho más, ya que permitió a Warhol utilizar los colores chillones de los anuncios publicitarios. No lo hacía, como los fauvistas, para expresar sus sensaciones respecto a un objeto, sino para imitar la paleta de la cultura pop.” WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?

ANDY WARHOL. “Autorretrato”, 1967. Pintura acrílica y serigrafía sobre lienzo. 180 x 183 cm. 

Otra faceta destacada de su obra es su potentísima fuerza visual, que en buena parte procede de sus conocimientos sobre los mecanismos del medio publicitario. En 1963 creó la Factory, taller en el que se reunieron en torno a él numerosos personajes de la cultura underground neoyorquina. La frivolidad y la extravagancia que marcaron su modo de vida establecieron una línea coherente entre obra y trayectoria vital; su peculiar aspecto, andrógino y permanentemente tocado con un rubio flequillo característico, acabó por definir un nuevo icono: el artista mismo.

“La Factory fue un hervidero artístico y  también un negocio para un creador que nunca renegó de su amor por el dinero y la fama”.

ANDY WARHOL: “Marilyn Díptico”, 1962. Poca gente ha logrado combinar la ambivalente fascinación de la fama y lo morboso con tanta pasión. Warhol realizó esta obra en 1962, el año en que su carrera despegó y en el que la de la actriz se vio truncada por su muerte. Es uno de los primeros ejemplos de la técnica serigráfica de Warhol

Andy WarholMarilyn Monroe en blanco y negro(Veinticinco Marilyns), 1962

Introducción de procesos de repetición y producción propios del arte de masas, eliminación de la manualidad de la imagen a favor de la reproducción

tecnificada, uso de procesos de creación colectivos

“Andy Warhol miraba las obras de Rauschenberg y Johns y se desesperaba: ¿cómo podía él, un simple artista comercial que trabajaba en publicidad, lograr el impacto de estos dos valientes artistas? Él se había labrado una carrera como dibujante de zapatos y ganaba bastante dinero como diseñador de escaparates, pero no era lo que le satisfacía. (…) En 1960 continuó la senda abierta por Paolozzi, Hamilton y Rauschenberg, e hizo una obra de arte con una botella de Coca-Cola como tema central, aunque su enfoque fue distinto. Si los demás habían utilizado la botella como parte de su obra, Warhol la convirtió en el tema central de la suya, al igual que había hecho Jasper Johns”. WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?

ANDY WARHOL. “5 Coke Bottles”, 1962

El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por todo tipo de públicos, como las latas de sopa o los botellines de Coca-Cola, se convierte en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción.

ANDY WARHOL:“Botellas de Coca-Cola”, 1962. Óleo sobre lienzo

“Lo que es genial de este país es que América ha iniciado una tradición en la que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. Puedes estar viendo la tele y ver la Coca-Cola, y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola, Liz Taylor bebe Coca-Cola, y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola. Una cola es una cola, y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina. Todas las colas son la misma y todas las colas son buenas. Liz Taylor lo sabe, el Presidente lo sabe, el mendigo lo sabe, y tú lo sabes”. ANDY WARHOL

ANDY WARHOL: “Campbell Soup Cans”, 1962  ANDY WARHOL: “”Campbell Soup”, 1969

ANDY WARHOL: “Lata grande de sopa Campbell rasgada”, 19

“El gran mérito de Warhol no fue pintar cincuenta latas de sopa, sino la idea de pintar cincuenta latas de sopa” MARCEL DUCHAMP

ANDY WARHOL: “80 billetes de dos dólares”, 1962. Serigrafía sobre lienzo. 210 x 96 cm.

ANDY WARHOL: “Billete de un dólar con el retrato de Washington” 1962. Lápiz sobre papel. 45 x 60 cm.

“Me encanta América; para esto hay varias razones.Mis cuadros son mensajes simbólicos sobre los estridentes

productos impersonales y esos destellantes objetos materialessobre los que hoy en día se levanta Estados Unidos.Son la proyección de todo lo que puede comprarse yvenderse, símbolos prácticos, pero efímeros, que nos

mantienen en movimiento.”

ANDY WARHOL

ANDY WARHOL: “Símbolo del dólar americano” 1982. Serigrafía sobre lienzo. 229 x 178 cm.

“Antes de comenzar a hacer imágenes que se volvían omnipresentes a través de, y por medio de las técnicas que utilizaba, Warhol había experimentado pintando personajes de cómic. Obras como Superman (1961) eran copias en gran formato de escenas de tebeos que él pintaba imitando el estilo gráfico. Había pocas diferencias entre la forma en que realizó sus pinturas basadas en cómics y la que poco después le llevaría a la fama y el éxito.” WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?

ANDY WARHOL: “Superman”, 1961

Empezó a pintar dibujos de tiras cómicas de héroes como Popeye, Dick Tracey y Superman con el fin de hacer por si mismo su propio nombre como un artista.

ANDY WARHOL: “Mickey Mouse”, 1981

ANDY WARHOL: “Mickey Mouse”, 1981

Antes de comenzar a hacer imágenes que se volvían omnipresentes por medio de, las técnicas que utilizaba, Warhol había experimentado pintando personajes de cómic. Había pocas diferencias entre la forma en que realizó sus pinturas basadas en cómics y la que poco después le llevaría a la fama y el éxito.

ANDY WARHOL: “Zapatos“, 1980

“Cuando “tienes” Pop, nunca más podrás ver un signo de la misma manera. Y cuando has pensado Pop, nunca más podrás ver a los Estados Unidos de la misma manera.

ANDY WARHOL

ANDY WARHOL: “Cow”, 1966

ANDY WARHOL: “Cow”, 1966

“La idea Pop, después de todo, era que cualquiera podía hacer cualquier cosa; naturalmente, entonces, todos intentábamos hacerlo todo…”

ANDY WARHOL

ANDY WARHOL: “Flores”, 1970. Hoja del cartapacio con 10 serigrafías. 91.5 x 91.5 cm. Tirada de 250 ejemplares sellados, numerados y firmados a lápiz

ANDY WARHOL: “Flores”, 1964. Polímero sintético. Serigrafía sobre lienzo. 208 x 208 cm.

ANDY WARHOL: “Revolver“, 1981

Mediante la reproducción masiva consiguió despojar de sus referentes habituales a los fetiches mediáticos que empleaba, para convertirlos en iconos estereotipados con mero sentido decorativo. La manipulación de ciertas imágenes suscitó la polémica en su momento.

“La razón de que esté pintando de esta manera es que quiero ser una máquina. Todo lo que hago, y lo hago como una máquina, es porque eso es lo que quiero hacer. Pienso que sería terrible si todo el mundo fuera del mismo modo”. ANDY WARHOL

Alcanzó su cota máxima de despersonalización en 1962 al utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante el cual reproducía sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960. Representa la América marginal y la angustia existencial de los años sesenta.

ANDY WARHOL: “Audrey Hepburn”

RETRATOS

EL CINE LA MÚSICA EL DEPORTE LA POLÍTICA

LA CIENCIA

Desde pequeño, Warhol vivía fascinado con ser famoso como los políticos y estrellas de cine. Todas esas personalidades que él veía en revistas. Sus retratos tienen carácter de inventario desapasionado y desinteresado de nuestra época

WARHOL: Audrey Hepburn 1961

Desde pequeño vivía fascinado con ser famoso como los políticos y estrellas de cine. Todas esas personalidades que él veía en revistas.

EL CINE

“Warhol había convertido a Marilyn en un objeto comercial, que era precisamente lo que deseaba lograr. Aquello encajaba a la perfección con su intención de representar las maquinaciones del mercado hasta el último detalle. Había convertido a la actriz en un producto, pero también lo hacían los proveedores y los consumidores de la cultura pop.”

ANDY WARHOL: “Marylin Monroe”, 1964

ANDY WARHOL: “Marylin Monroe”1967

De los cuadros más conocidos de Warhol son estas reproducciones de múltiples imágenes de la fotografía de Marilyn Monroe -sex-symbol e inalcanzable diosa del cine-, coloreada sin atención al detalle y con tonos planos y extremados.

  ANDY WARHOL: “ Elizabeth Taylor”, 1964

La distanciación fría con que Warhol veía detrás de sus máscaras, especialmente en la serie de fotografías de la alta sociedad, proporciona a su obra el carácter de un inventario desapasionado y desinteresado de nuestra época. En su imaginería, los futuros arqueólogos que exploren el siglo XX encontrarán un rico filón.

ANDY WARHOL: “Ingrid Bergman” 1983

ANDY WARHOL: “Ingrid Bergman” 1983

ANDY WARHOL: “Jane Fonda” 1982

ANDY WARHOL: “Doble Elvis”, 1963

Desde pequeño vivía fascinado con ser famoso como los políticos y estrellas de cine. Todas esas personalidades que él veía en revistas.

LA MÚSICA

ANDY WARHOL: “Mick Jagger”, 1975 Caperta con 10 serigrafías. 111 x 73 cm.

ANDY WARHOL: “The Beatles”

ANDY WARHOL: “John Lennon”, 1985

ANDY WARHOL: “Beethoven” 1987

ANDY WARHOL: “Muhammad Al ”, 1973

EL DEPORTE

ANDY WARHOL: “Muhammad Alí”, 1973

ANDY WARHOL: “Jacquie III”, 1966. Serigrafía sobre papel. 101.6 x 76.2 cm.

LA POLÍTICA

ANDY WARHOL: “Che Guevara”, 1968

ANDY WARHOL: “Reina Isabel II”

Andy WarholMao, 1972

ANDY WARHOL: “Mao” 1973. Polímero sintético y silkscreen sobre tela. 448.3 x 346.7 cm.

ANDY WARHOL: “Sigmun Freud” 1980

LA CIENCIA

ANDY WARHOL: “Einstein” 1980

Entre 1962 y 1964 se especializa en la noticia catastrófica: suicidio, bomba atómica, accidentes de automóvil, revueltas raciales, silla eléctrica. Todo ello era registrado con la misma y fría distancia con que registraba latas de sopa, revólveres, flores y cajas de brillo. Esta banalidad del horror consagra su éxito.

LA NOTICIA CATASTRÓFICA

Andy Warhol -que como todo gran artista supo entender su tiempo y adelantarse a él- vio pronto este potencial. En su mítica serie Car Crash extrae de la prensa fotografías de accidentes de coches que luego traslada, repetidas múltiples veces, al óleo mediante un proceso de serigrafía. No esconde nada. Así un cuerpo yace moribundo y ensangrentado colgando en una puerta. Otro cae inerte al lado de una rueda tras atravesar la ventanilla. “Es como si el artista cogiera de la pechera al propio país y lo zarandeara. Veis, el coche no es ese mito creado por Henry Ford para la familia estándar americana. También produce dolor y violencia. ¡Despertad!”, dice el coleccionista Marcos Martín Blanco, quien atesora obras de este artista. Más tarde, el cineasta David Cronenberg explorará estas ideas en su película Crash (1996).En realidad, lo que hace Warhol es poner al sueño americano en observación.

EL COCHE, ICONO DEL SUEÑO AMERICANO

ANDY WARHOL: “Green Disaster” 1963. 106,5 x 230 cm.

ANDY WARHOL: “Silla eléctrica” 1967. Pintura acrílica y serigrafía sobre lienzo. 137 x 186 cm.

ANDY WARHOL: “Silla eléctrica”

ANDY WARHOL: “Bomba atómical" ANDY WARHOL: “Disturbios raciales rojos“, 1963. Pintura acrílica y serigrafía sobre lienzo

Tanto por el uso del color, unas veces monócromo y otras fuertemente contrastado, pero en todo caso vivo y brillante, como por la temática, su obra resulta siempre provocadora y, a menudo, angustiosa.

ANDY WARHOL: Detalles de pinturas renacentistas”, ( La Anunciación se Leonardo) 1984

ANDY WARHOLDetalles de pinturas renacentistas , 1984 (SandroBotticelli, Nacimiento de Venus, 1482),

ANDY WARHOL: “La Última cena”, 1984. Pintura acrílica y liquitex sobre lienzo. 101.5 x 101.5 cm.

La apropiación constante en los trabajos de los artistas del pop art, se extendió a obras de arte de carácter universal y de autores como Rafael, Botticelli, De Chirico, Munch o Leonardo.

ANDY WARHOL: “Última Cena”, 1986

Los últimos cuadros no sólo están pintados con una técnica de virtuoso, sino que revelan una concepción meditada que se adapta perfectamente al motivo.

Este evasivo excéntrico, que ocultaba su verdadero yo y sus auténticas intenciones bajo un silencio, por supuesto, calculado, y bajo una serie de máscaras, hasta la peluca blanca de sus años finales, nunca reveló su secreto. Su importancia como innovador proporcionó nuevos impulsos a prácticamente todos los campos de las artes visuales y, especialmente, su papel destacado como retratista de una sociedad capitalista tardía.

(…) "El artista -omnipresente y apasionado en cada una de sus obras informalistas- se oculta ahora y deja fríamente que sean ellas (los objetos) los protagonistas, de la misma manera que se oculta el diseñador industrial que hace un nuevo plato o una vitrina para exponer paquetes de arroz. Nada de emotividad, expresividad o manifestación del yo. El artista pop pretende que su obra parezca una obra producida por la industria, hecha en serie." JOAQUÍN YARZA LUACES

“La aparición del pop art a finales de los años cincuenta y comienzos de los sesenta fue uno de los momentos más liberadores de la historia del arte. Su adscripción decidida a la nueva cultura de la tecnología y el consumo echaba por tierra los anhelos heroicos y subjetivos de las vanguardias anteriores y reintegraba el arte al mundo real. Con el incesante intercambio entre el arte y todo tipo de objetos de la cultura visual y de la cultura popular, el pop acabó con la separación entre la "alta" y la "baja" cultura y abrió un nuevo debate sobre las relaciones entre lo estético y lo antiestético. Para elpop toda imagen era reciclable, todo objeto era susceptible de convertirse en arte y su verdadero propósito era ofrecer una nueva interpretación de la imagen en la cultura contemporánea.” MUSEO THYSSEN BORNEMISZA

FUENTES

KLAUS HONNEF: “Warhol”. TaschenTIRMAN OSTERWOLD: “POP ART”. Edit. Taschen NIKOS STANGOS: “Conceptos de arte moderno: Del Fauvismo al posmodernismo” JUAN F. RUIZ (revista MEMORIA) KLAUS HONNEF: “Pop Art”. TaschenJON THOMPSON: "Cómo leer la pintura moderna“ Edit. ElectaRUHRBERG, SCHNECKENBURGER, FRICKE, HONNEF: “Arte del siglo XX”. Edit. Taschen WILL GOMPERTZ: "Qué estás mirando?...Edit. Taurus FLAMINIO GALDONI: “ART. Todos los movimientos del siglo XX” Edit. SkiraSTEPHEN FARTHING: “ARTE. TODA LA HISTORIA”. Edit. Blum KARL RUHRBERG: “Arte del siglo XX”. Pintura. Taschen

BIBLIOGRAFÍA

http://www.wikiart.org/es/Artists-by-Art-Movement/pop-arthttp://www.artchive.com/artchive/pop_art.htmlhttp://web.archive.org/web/20081013145630/http://popartmachine.com/masters/http://cultura.elpais.com/cultura/2014/06/06/actualidad/1402077242_412634.html http://www.wikiart.org/es/Artists-by-Art-Movement/pop-art

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=6565http://cultura.elpais.com/cultura/2014/06/06/actualidad/1402076484_159992.htmlhttp://elpais.com/diario/2011/12/30/cultura/1325199601_850215.html