Universidad Nacional de LanúsCiclo de Lic. En Música

Capricho EspañolNikolái Rimski-Kórsakov

MATERIA: Repertorio y Apreciación de la Música Sinfónica II

PROFESOR: José Amato

ALUMNO: Alejandro Fritis

COHORTE: 2012

El Compositor

Nikolái Andréyevich Rimski-Kórsakov, 1844-1908 fue un compositor, director de orquesta y pedagogo ruso miembro del grupo de compositores conocido como Los Cinco. Considerado un maestro de la orquestación, sus obras orquestales más conocidas -el Capricho español, la Obertura de la gran Pascua rusa y la suite sinfónica Scheherezade- son valoradas entre las principales del repertorio de música clásica, así como las suites y fragmentos de alguna de sus quince óperas. Scheherezade es un ejemplo de su empleo frecuente de los cuentos de hadas y temas populares.

Rimski-Kórsakov, al igual que su colega compositor Mili Balákirev o el crítico Vladímir Stásov, creía firmemente en el desarrollo de un estilo nacionalista de música clásica. Este estilo consistía en el empleo de canciones populares tradicionales rusas, así como de elementos armónicos, melódicos y rítmicos exóticos -práctica conocida como orientalismo musical-, evitando los métodos compositivos tradicionales occidentales. Sin embargo, Rimski-Kórsakov llegaría a valorar también las técnicas occidentales al ocupar el puesto de profesor de composición, armonía e instrumentación musical en el Conservatorio de San Petersburgo a partir de 1871. Con objeto de perfeccionarse y de forma autodidacta estudió la armonía y el contrapunto occidentales, incorporando al mismo tiempo las influencias del resto de sus compañeros de Los Cinco.

Rimski-Kórsakov combinó la composición y la enseñanza con la carrera militar, primero como oficial de la Armada Imperial Rusa, luego como inspector civil de bandas de música navales. Escribió en sus memorias que la pasión por el océano comenzó en su niñez, al leer libros y escuchar las hazañas de su hermano mayor en la marina. Su labor como inspector de bandas navales le sirvió para ampliar su conocimiento técnico de los instrumentos de viento las maderas y los metales, perfeccionando sus habilidades en el campo de la orquestación. Además de transmitir estos conocimientos a sus estudiantes, los pudo transmitir póstumamente a través de un manual sobre orquestación que fue finalizado por su yerno Maksimilián Steinberg.

La Obra

Capricho español, Op. 34, es una obra orquestal compuesta en 1887 por Nikolái Rimski-Kórsakov, basada en melodías españolas. La inspiración de la obra residía en la música que descubrió, en parte, en sus viajes. Entre 1862 y 1865 el compositor había viajado mucho por el mundo debido a su cargo de oficial de la marina rusa.

La obra presenta una parte muy destacada a cargo de un violín solista que originalmente estaba concebida como una fantasía para violín y orquesta. Posteriormente, el compositor decidió incorporar otros instrumentos solistas. Aproximadamente, la ejecución de la obra dura 15 minutos.

durante los años 1864-65 Rimski-Kórsakov fue cadete de la Marina en donde hace un crucero en un buque-escuela por el Mediterráneo, fue entonces cuando al visitar España quedan grabados en sus recuerdos motivos, paisajes y temas musicales que más tarde utilizaría como inspiración orquestal. España es motivo de inspiración para Rimski-Kórsakov, como lo había sido para su compatriota Glinka, para los románticos Chobrier, para la ópera Carmen de Bizet, para Lalo, Debussy o Ravel más tarde. Un testimonio escrito por el propio Rimski-Kórsakov nos anticipa el carácter de la partitura : "Quise que brillara con deslumbrante color orquestal..." "Los temas españoles, en aire de danza, me proporcionaron un precioso material para la realización de multiformes efectos orquestales".

El Capricho Español fue compuesto durante el verano de 1887 y se estrenó meses más tarde en San Petersburgo, bajo la dirección del compositor. La música fue tan brillantemente efectiva que en el primer ensayo la orquesta prorrumpió en entusiastas aplausos al término de cada pasaje. Esta recepción halagó de tal modo al autor que dedicó la página a la orquesta ejecutante; la partitura impresa lleva los nombres de los músicos, como conmovedor homenaje del gran creador ruso. Esta obra, exige una labor ardua de parte de varios solistas, que deben necesariamente revistar en el rango de virtuosos.

EstructuraEl Capricho español Adopta una forma completamente libre en una especie de estructura de suite, y reúne 5 partes o movimientos.

1-Alborada

2-Variazioni

3-Alborada

4-Scena e canto gitano

5-Fandango asturiano

Instrumentación

Maderas Bronces Percusión Cuerdas

2 flautas

Piccolo

2 oboes (uno como corno inglés)

2 clarinetes

2 fagotes

4 cornos

2 trompetas

3 trombones

tuba

Timbales

Pandereta

triangulo

tambor

platillo de choque

platillo suspendido

castañuelas

Violines

Violas

Cello

Contrabajo

Arpa

1. Alborada: es un baile festivo que celebra la salida del sol. Una alborada es un poema o canción destinados a cantar la mañana; asimismo, se cataloga como alborada la composición lírica o musical que trata el tema de la separación de los amantes al amanecer.

Basándose en esto el compositor a través de dos motivos musicales genera una frase melódica armoniosa para poder retratar este momento utilizando la tonalidad de LA Mayor con negras, corcheas y semicorchea logra una simple pero sustancial melodía a modo de introducción por 13 compases hasta letra A donde el clarinete entra con un solo que se extiende por 12 compases para caer en un tutti el comienzo de la obra.

lo interesante es que las frases permutan de voces en el orgánico entre las dos partes de la idea general de esta Alborada, del compás 1 hasta el 13 hay una sección y del compás 13 o letra A propone la idea del solo y lo extiende por otros 13 compases hasta el tutti en el compás 26, en los primeros 13 compases lo que hacen los bronces en el principio en letra A, las cuerdas adoptarán esta idea (negra corchea corchea) y los vientos en este caso el clarinete tiene la línea melódica más virtuosa con corcheas y semicorcheas

2. Variazioni (Variaciones). La idea de este movimiento es que a través de una melodía de 19 compases hace cuatro variaciones solo que va desarrollando la idea a través de las familias de instrumentos, esto genera en el auditor la interiorización de la idea formal melódica para buscar una experiencias tímbricas y de texturas obtenidas por los instrumentos cuando se pasean en la obra, logrando momentos de gran emotividad y fuerza pero a la vez de mucha sensibilidad.

La frase melódica consta de 2 partes una antecedente; del compás 3 al 14 y una consecuente desde el compás 15 al 21, esta misma idea a partir del compás 22 o letra D la adoptan las cuerdas y el ostinato en Fa -tonalidad de la obra- que hacían cello, viola y contrabajo, las tocan ahora el clarinete y la flauta.

Antecedente

AntecedenteConsecuente

Ostinato

En la letra E o compas 41 comienza una secuencia de 6 solos donde intercala el corno inglés y el corno francés con el siguiente orden:

4 compases corno inglés

4 compases corno francés

4 compases corno inglés

4 compases corno francés

5 compases corno inglés

7 compases corno francés

ConsecuenteOstinato

que pasa a las maderas

Después de esta secuencia y con los motivos, frases y melodías comienza el desarrollo del movimiento en tutti de la obra o sea que podemos concluir que esta secuencia de 28 compases actúa de puente y reafirma la melodía principal para desarrollarlo hasta el final del movimiento.

3. Alborada: Presenta el mismo tema del primer movimiento de manera casi idéntica, a excepción de cambios en la instrumentación y en la tonalidad.

Este movimiento presenta una similitud casi total con la Alborada del comienzo, su gran diferencia es el cambio de tonalidad de un La Mayor a un SiB mayor o sea lo toca un semitono más arriba.

Este corto movimiento como oyente me genera dos sensaciones, la primera es re exponer la idea general de la obra principal y así no perder el rumbo de la música, y también preparar armónicamente la Scena e canto gitano que está en Fa (V grado de Sib).

Tema principal en Sib mayor

4. Scena e canto gitano (Escena y canto gitano): Comprende 5 partes cada una con un instrumento solista diferente: los cornos y trompetas, el violín, la flauta, el clarinete y el arpa, en este orden respectivamente, las cadenzas son todas iguales y nacen en la primera que es un unísono entre los cornos y las trompetas otra cosa que para la época era muy novedosa es que los instrumentos de percusión son los encargados de unir las cadenzas, al comienzo de este movimiento el tambor entra solo y en la segunda mitad del compás entra la melodía que tiene un aire a fanfarria, esto por un lado sirve como guía a los solistas, por otro lado es simplemente novedoso y además el sonido de las bordonas del tambor aporta otra textura al pasaje, este tiene escrito un redoble que en ocasiones sube o baja la dinámica pero toca hasta llegar a las cadenza 3.

La cadenza 2 se une con la primera después de 12 compases para que el violín en este caso repita la anterior cadenza pero un poco más larga -22 copases- en estos compases el timbal, el platillo y el tambor marca el pulso y la entrada para que la flauta anuncie la melodía y esta ejecute la cadenza 3, en esta la flauta es nuevamente acompañada por el timbal haciendo la misma figura que al principio hacia el tambor, esta cadenza termina luego de 5 compases y lo que une a la cadenza 3 con la cadenza 4 es un platillo suspendido que da la entrada al clarinete, esta cadenza dura nada más que tres compases y la idea es terminada por un solo de oboe.

En la última cadenza, la 5 es ejecutada por el arpa y esta cadenza es completamente distinta a las otras, recordemos que las otras eran todas similares, y la figura que tenía el tambor ahora lo hace el triángulo que adorna el sonido del arpa.

Platillo suspendido

Después de las cinco cadenzas entra la orquesta y el compositor juega hasta el final del movimiento con la misma frase de las cadenzas, un poco antes de terminarlo el cello hace un solo con un aire exótico y desprolijo quizás queriendo imitar los cantos gitanos para el final de este movimiento en los último tres compases, las maderas y los violines haces una escala ascendente donde comienzan a colocar sostenidos pertenecientes a las armadura de clave de la tonalidad La mayor, tonalidad en donde termina la scena e canto gitano y comienza el fandango asturiano.

Comienzo solo de cello

Quasi Quitar

Final del movimiento

5. Fandango asturiano: es un baile vivo de Asturias. La pieza finaliza con una reaparición, más enérgica del tema de la Alborada, el recurso que utiliza es evocar por momentos las distintas melodías que aparecieron en toda la obra, en este movimiento la percusión adquiere un rol protagónico marcando los saltos y los cortes en la melodía.

Dentro de la fila de percusión encontramos timbal, tambor, triangulo, castañuela, pandereta, bombo y platillos.

En casi todo el movimiento toca toda la orquesta, en selectos lugares quedan voces más solas cantando alguna melodía ya conocida, en la coda la música pasa de 3/4 a 2/4 y dobla su velocidad la coda como buen compositor ruso es tensa, rápida y muy adornada y el final es pomposo y explosivo, como si terminara con fuegos artificiales esta escena.

Final del movimiento

donde aparecen

sostenidos de la

tonalidad de La Mayor (fa#, do#,

sol#

Coda y final

En los primeros 10 compases podemos ver lo cargada que esta la coda y así se mantiene hasta el final el tempo pasa a 2/4 y aumenta su velocidad casi el doble

Conclusión

Esta obra es a menudo es muy alabada por su orquestación, que comprende una gran sección de percusión así como diversos técnicas especiales y articulaciones. Por ejemplo, en el cuarto movimiento, los violines, violas y violonchelos tienen que imitar guitarras (la partitura de los violines y violas lo detalla con la indicación quasi quitara) Estoy convencido de que en la base del nacionalismo musical no está el patriotismo sino la fascinación por la riqueza de las melodías, los ritmos, las armonías y los instrumentos de origen popular. Naturalmente esa admiración de un compositor hacia el folclore nace con el contacto con la música popular de su país, pero estoy convencido de que, en mayor o menor medida, todos los compositores nacionalistas sintieron una profunda admiración hacia la música de todos los pueblos, y muchos de ellos, los que pudieron porque viajaron más o simplemente tenían más facilidad para asimilar los rasgos característicos de la música exótica, lo demostraron, como es el caso de Antonin Dvorak, que utilizó el folclore del nuevo mundo, o de Nicolai Rimsky-Korsakov. Y creo que gracias a este tipo de recursos musicales la música es lo que es hoy en día, y va de lo universal a lo particular y viceversa y podemos decir que la música romántica nace desde la experiencia y desde lo que no conocemos.