14. La Escultura Barroca Bernini

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1 Historia del Arte. Tema 14: La escultura barroca. Bernini ©Juan Antonio García Rex Tema 14: La escultura Barroca: Bernini 1.- La escultura Barroca: características generales 2.- La escultura Barroca italiana: Bernini a) Aspectos biográficos b) Su obra escultórica 3.- La escultura Barroca en España a) Características generales b) La escuela castellana. c) Las escuelas andaluzas. d) El siglo XVIII: Francisco Salzillo. (1707-1783) (la escuela murciana)

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Historia del Arte. Tema 14: La escultura barroca. Bernini ©Juan Antonio García Rex

Tema 14: La escultura Barroca: Bernini

1.- La escultura Barroca: características generales

2.- La escultura Barroca italiana: Bernini

a) Aspectos biográficos

b) Su obra escultórica

3.- La escultura Barroca en España

a) Características generales

b) La escuela castellana.

c) Las escuelas andaluzas.

d) El siglo XVIII: Francisco Salzillo. (1707-1783) (la escuela murciana)

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1.- La escultura Barroca: características generales

1. En la escultura barroca, al igual que en la arquitectura, destaca el deseo de movimiento.

2. El movimiento se dispara hacia el exterior y los miembros de las figuras y los ropajes se

proyectan hacia fuera.

3. Los ropajes se hinchan, sus plegados se multiplican y se arremolinan y el escultor

atiende más al movimiento del paño que a subrayar con él las formas de la figura

humana.(no paños mojados)

4. A la concepción puramente escultórica del Renacimiento sucede otra de carácter más

pictórico que procura representar más la apariencia que la realidad misma y, en el deseo

de fingir calidades, contrapone superficies pulidas a otras apenas trabajadas.

5. Se busca la exaltación de los sentimientos y la teatralidad. El escultor barroco es muy

dado a representar los arrebatos místicos muy en consonancia con las directrices de la

Contrarreforma marcadas en el Concilio de Trento.

6. La escultura barroca es una escultura efectista y procura con frecuencia impresionar al

espectador, sobre todo en el género funerario.

2.- La escultura Barroca italiana: Bernini (Nápoles, 1598-Roma, 1680)

a) Aspectos biográficos

Escultor, arquitecto y pintor italiano. Bernini es el gran genio del Barroco italiano, el

heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y el principal ejemplo del Barroco

arquitectónico en Europa como hemos visto en el tema anterior. Aprendió los secretos de la

escultura en el taller de su padre Pietro un escultor de cierto relieve. Fue también su padre

quien lo puso en contacto con algunos de los mecenas más importantes de su tiempo, lo que

le permitió manifestar su talento de una forma bastante precoz. En sus obras más tempranas

(Eneas, Anquises y Ascanio, El rapto de Proserpina) resultan ya evidentes la ruptura con el

manierismo y una concepción radicalmente distinta de la escultura: el intenso dramatismo, la

grandiosidad y la búsqueda de efectos escenográficos están ya presentes en estas primeras

creaciones. En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa

Urbano VIII. Desde entonces hasta su muerte trabajó ininterrumpidamente para los sumos

pontífices, salvo un cierto paréntesis durante el pontificado de Inocencio X, quien prefirió a

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otros artistas y le encargó pocas obras. Aunque en menor medida, Bernini trabajó también

para mecenas privados, y fruto de esa colaboración es la obra quizá más representativa de su

estilo escultórico, el Éxtasis de Santa Teresa. Resulta difícil concebir una mayor intensidad

dramática y una mayor fuerza dinámica en una realización de pequeñas dimensiones ejecutada

mediante un tratamiento exquisito del mármol. Bernini contribuyó como nadie en la

renovación urbanística de Roma, a la cual aportó multitud de estatuas y algunas fuentes

monumentales que todavía contribuyen en la actualidad a la belleza de la urbe como la que le

encargó Inocencio X para decorar la Piazza Navona, llamada Fuente de los Cuatro ríos.

Bernini es sin duda el padre indiscutible de la escultura barroca. Sus principales obras

escultóricas son

c) Su obra escultórica

1.- El Rapto de Proserpina.

En esta obra, esculpida en 1621 para el cardenal Borghese, Bernini narra el rapto de

Proserpina, hija de Ceres, por el dios de los infiernos Plutón.

El autor rompió por primera vez en esta obra el equilibrio que se venía dando en las

composiciones escultóricas desde el Renacimiento, destacando el movimiento ascendente

de la composición así como la sensación de inestabilidad de la misma. Bernini sitúa en un

segundo plano al perro de tres cabezas Cancerbero, guardián de los infiernos en el que

reina Plutón. Sin embargo, no es éste más que el recurso del escultor para crear una base

que sustente el conjunto principal formado por las dos figuras.

Bernini busca la contraposición entre las formas blandas de la anatomía femenina y

las formas más rotundas y musculadas del hombre. Así mismo, el autor demuestra su gran

habilidad técnica y su dominio del trabajo del mármol en el tratamiento de las superficies,

logrando crear sobre la dura superficie marmórea la sensación de blanda carne que se

hunde bajo la presión de los dedos de Plutón.

Igualmente, Bernini abandona los relajados rostros renacentistas para expresar con

absoluta libertad los sentimientos de sus personajes. Así el rostro de brutalidad y lascivia

de Plutón contrasta con la angustia y el terror que siente Proserpina.

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Muestra, por tanto, Bernini una sensibilidad muy distinta a la de los escultores

renacentistas. Así, opta por representar las escenas no en el momento previo a que éstas se

desarrollaran, como habría hecho Miguel Ángel, sino en el momento de mayor tensión y

movimiento.

2.-David

Identificación

Título: David

Autor: Gian Lorenzo Bernini

Cronología: 1623

Estilo: Barroco

Técnica y materiales: mármol

Dimensiones: 170 cms

Localización: Galería Borghese

Tema: religioso

Análisis

Bernini recurre de nuevo a un tema que venía siendo muy frecuente desde el

Renacimiento (Donatello y Miguel Ángel).

Donatello había recurrido a representar al héroe bíblico justo en la actitud de triunfo tras

vencer al gigante y Miguel Ángel había preferido representarlo en el momento previo al

combate. Sin embargo, Bernini nos lo muestra en el acto mismo de arrojar la piedra. Es un

imagen de gran movimiento contenido, en la que hasta los labios apretados transmiten la

concentración y el esfuerzo. Frente a la idealización y la elegante figura juvenil de Donatello o

frente a la mirada agresiva y atenta del de Miguel Ángel, el David de Bernini muestra la

tensión hasta en los mínimos detalles, (como los pies contraídos sobre el borde del soporte

para conseguir un mayor agarre). Bernini elige un hombre vulgar, quizá un pastor, que

esgrime la honda arrebatado por la ira. Toda la fuerza está enfocada hacia fuera, hacia Goliat,

que actúa como el complemento necesario. Es como si la estatua crease un espacio cargado

de energía entre él, David y su enemigo invisible.

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3.-Apolo y Dafne.

Identificación

Título: Apolo y Dafne

Autor: Gian Lorenzo Bernini

Cronología: 1625

Estilo: Barroco

Técnica y materiales: mármol

Dimensiones: 243 cms

Localización: Galería Borghese

Tema: mitológico

Análisis

En este grupo escultórico Bernini plasma visualmente la fábula recogida en la

Metamorfosis de Ovidio, que narra el momento en el que los brazos de la ninfa Dafne se

transforman en hojas de laurel y su cuerpo en un árbol de corteza dura, al ser abrazada por

Apolo. En esta obra Bernini aporta una reflexión sobre las transformaciones de la materia con

un incomparable virtuosismo técnico, puliendo las superficies del mármol para que la luz se

deslice suavemente, concentrando toda la atención en la tensión del momento, en la que se

contrapone el estupor de Apolo al horror de Dafne. El movimiento es una característica

relevante del barroco; las figuras nunca se representan quietas, o en postura de reposo, sino

siempre en movimiento, en ese momento de inestable equilibrio. Representa un momento

fugaz. Es una obra encargada por el cardenal Borghese para los jardines de su villa. Las figuras

están llenas de sensualidad y movimiento, que el autor insinúa mediante las líneas curvas y el

pulimento. Define perfectamente la oposición entre la piel suave de Dafne y la textura áspera

del tronco en que se está transformando. La leyenda narra como Apolo se burló de Cupido,

quién se venga de Apolo disparándole una flecha que le hace enamorarse de Dafne, hija del

rey Peneo. También dispara una flecha a Dafne, que le hace odiar el amor y en particular a

Apolo. Apolo persigue a Dafne y al tocarla se convierte en laurel. En adelante, y para

consolarla, toma el laurel como su árbol .

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4.-Éxtasis de Santa Teresa.

Identificación

Título: Extasis de Santa Teresa

Autor: Gian Lorenzo Bernini

Cronología: 1656

Estilo: Barroco

Técnica y materiales: mármol y bronce (tallado y vaciado)

Dimensiones:

Localización: Capilla Cornaro (Iglesia de santa María de la Victoria)

Tema: religioso-literario

Análisis:

Este grupo le fue encargado en 1656 por un cardenal para presidir el altar de su capilla

funeraria (La Capilla Cornaro). Es una fiel transcripción del éxtasis sufrido y descrito por la

santa en el Libro de su vida. Según cuenta la santa un ángel la visitó armado con un dardo

rosado acabado en una punta de llama, que hundió varias veces en su corazón produciéndole

un dolor intenso, pero dejándola al mismo tiempo consumida por el amor de Dios. Bernini

ofrece una imagen momentánea buscando producir en el espectador la intensidad de la

emoción religiosa.

El conjunto es de una gran teatralidad. La santa, esculpida en mármol pulido blanco,

cae desvanecida sobre una nube de color más oscuro, mientras los rayos de la luz divina caen

desde arriba; en la bóveda superior, el cielo se abre. La fuerza de la escena queda reforzada

por el conjunto arquitectónico donde se encuentra, fundiéndose todo en un conjunto

dinámico. Los ropajes anchos, movidos, hinchados, se agitan por el movimiento del cuerpo,

produciendo violentos juegos de luces y sombras típicos del Barroco.

Las dos figuras están iluminadas desde un ventana superior oculta. La santa está representada

en dramática actitud: los ojos cerrados y los labios abiertos, como si hubiera perdido la

conciencia. Su rostro contrasta con el del ángel que rebosa vida y alegría. Bernini la consideró

su obra maestra.

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En los muros laterales posteriores a la capilla hay relieves de miembros de la familia

Cornaro que parecen ser testigos del acontecimiento (teatralidad)

5.-Otras obras de Bernini:

• Sepulcro del Papa Urbano VIII.

La ejecución de esta obra se prolongó desde 1628 hasta 1649. Esta ubicada en una

hornacina del ábside de San Pedro del Vaticano.

Aunque Bernini contaba con la consideración de los principales personajes de su generación,

su excepcional fortuna empezó en 1623 cuando su gran admirador Maffeo Barberini (presente

en la realización del David) ascendió al papado con el nombre de Urbano VIII.

El sepulcro es una composición piramidal. Arriba, la estatua del Papa sentado, en

actitud de bendecir; abajo la urna en forma de relicario que debía contener el cuerpo, y a cada

lado, de pie, las figuras de la Justicia y Caridad que hacen a alusión a las virtudes del difunto

La figura del Papa, de bronce, es majestuosa. El manto cae sobre su cuerpo formando ritmos

ondulantes. El sepulcro en mármol negro, y las Virtudes, en mármol blanco señalan las

características barrocas de combinación de materiales. Sin embargo la escena conserva todavía

cierta mesura, pues los rostros son tranquilos, como transmitiendo resignación y esperanza.

• Sepulcro de Alejandro VII.

Realizado en mármol, jaspe de Sicilia y bronce reforma y desarrolla el modelo

iconográfico de la tumba de Urbano VIII. El Papa no interrumpe su oración ante la llegada

de la Muerte, representada mediante un esqueleto con clepsidra (reloj de arena)que alza la

pesada mortaja de jaspe. Abajo se encuentran las personificaciones de las cuatro virtudes: la

Caridad y la Verdad en primer plano, la Prudencia y la Justicia en segundo plano.

• Fuente de los Cuatro Ríos.

Se sitúa en el centro de la Plaza Navona y sirve de base para un obelisco egipcio. Detrás

se encuentra la iglesia de Santa Inés .Es un encargo del Papa Inocencio X. Para destacar

ópticamente el obelisco tuvo que elevarlo por medio de un basamento.

Realizó un montículo, en forma de gruta, inspirado en los jardines de las villas lo que

dota a la fuente de gran originalidad y resulta novedoso. La idea del tema procede del

cristianismo antiguo que asocia el nacimiento de estos cuatro ríos en una única montaña.

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Es una muestra del interés urbanístico del Barroco. Bernini ordena la composición en

forma de alegoría sobre los beneficios del agua, que distribuyen los grandes ríos en las cuatro

partes del mundo, asegurando la vida vegetal y animal: Nilo, Danubio, Ganges y Río de la

Plata. De un simulacro de rocas brota el agua que beben un león, un cocodrilo y un caballo y

que baña el pie de una palmera. Las estatuas de los ríos están situadas en los cuatro puntos

cardinales (la del Nilo aparece con la cabeza velada, pues se desconocían sus fuentes).

3.- La escultura Barroca en España

a) Características generales.

Las especiales circunstancias de la realidad histórica española, determinan unas

características particulares en su desarrollo artístico:

• Mientras en Italia se desarrolló en el siglo XVII la gran escultura de Bernini en mármol

o bronce con un gran desarrollo junto a la temática religiosa de los temas alegóricos y

mitológicos, en España se desarrolla la escultura en madera policromada (material más

modesto) de carácter exclusivamente religioso y al servicio de la Contrarreforma que

intenta sensibilizar a los creyentes que son testigos de la pasión de Cristo (Pasos) o

sienten a los Santos como personas viva y reales. Esto explica el realismo, a veces

excesivo e incluso teatral de los imagineros españoles.

• El cliente principal es la Iglesia que demanda de los escultores retablos, imágenes de

culto y pasos procesionales encargados por las Cofradías (en primer lugar en

Valladolid).

• El ansia de realidad tiene varios efectos sobre las obras: la pintura de las imágenes

utilizando la policromía mediante la técnica del estofado, la utilización de “imágenes de

vestir” y la utilización de elementos naturales (cabellos, uñas)

• A comienzos del siglo XVII se pueden señalar dos focos escultóricos: Castilla (con

Valladolid como principal centro) y Andalucía (con Sevilla y Granada). En el siglo

XVIII se suman otras escuelas entre las que destaca la murciana (Salzillo).

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b) La escuela castellana.

El siglo XVII es el de los grandes imagineros vallisoletanos y andaluces. La escuela de

Valladolid, tras su declive a finales del siglo XVI, cobra nuevo vigor con Gregorio

Fernández (1576-1536). Su principal interés es la de representar la realidad de la manera más

directa posible. Impulsado por este afán naturalista, gusta de recrearse en el modelado de sus

desnudos. Sin embargo representa los ropajes con un convencionalismo similar a los de los

primitivos flamencos. Probablemente en un deseo de crear violentos contrastes de

claroscuros, quiebra los ropajes en grandes ángulos y contra ángulos como si fuesen de tela

almidonada. Es sin duda es más importante creador de imágenes piadosas de la mitad norte

de la Península y tuvo una gran cantidad de encargos desde Portugal al País Vasco y desde

Oviedo a Madrid. Influido por Pompeyo Leoni y por Juan de Juni, su estilo evolucionó hasta

el naturalismo extremo. Entre sus obras más importantes destacamos:

1. Cristo Yacente. (Madera policromada. Palacio de El Pardo. Madrid)

Título: Cristo Yacente

Autor: Gregorio Fernández

Cronología: siglo XVII

Estilo: Barroco

Técnica y materiales: madera policromada

Localización: Convento de los Padres Capuchinos del Pardo (Madrid)

Tema: religioso

Representa a Jesucristo sobre un sudario, en posición yacente, una vez crucificado y

trasladado al Santo Sepulcro. Se trata de un tema muy frecuente en la escultura española de

los siglos XVI y XVII, ensayado, con anterioridad a Gregorio Fernández, por Juan de Juni,

Gaspar Becerra y Francisco de la Maza, entre otros escultores del Renacimiento .La imagen

está concebida para ser contemplada lateralmente. La cabeza del Cristo se inclina hacia el lado

derecho, al tiempo que la pierna derecha aparece más levantada que la izquierda. La cabeza y

parte del tórax se apoyan sobre una almohada, mostrándose ligeramente inclinados, lo que

contribuye aún más a esa percepción de lateralidad. Los brazos se extienden sobre el lecho

separados del tronco, buscando una cierta sensación de simetría, que también se aprecia en la

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cabellera, al quedar desplegadas varias madejas de cabello a ambos lados de la almohada.

Fernández evitó cualquier signo que hiciera visible el rigor mortis, con la excepción de un leve

hinchamiento del cuerpo. La idea de muerte se transmite enfatizando las heridas y llagas

causadas por el vía crucis y la crucifixión, siguiendo las pautas estilísticas de la escultura

religiosa española del Barroco. Es un desnudo impasible y anatómicamente de gran

perfección..La gran fuerza expresiva de la imagen se consigue con una serie de rasgos que

acentúan el dramatismo de la reciente agonía: rasgos alargados, regueros de sangre, ojos

entreabiertos, boca sedienta, dientes asomándose entre labios morados y los mechones de

cabello cayendo sobre el rostro.

Otras obras de Gregorio Fernández son la Piedad del Museo de Valladolid o sus

numerosos retablos (Catedral de Plasencia, Iglesia de las Huelgas en Valladolid, Iglesia de San Miguel de

Vitoria).

c) Las escuelas andaluzas.

• La escuela sevillana.

En Andalucía, la escuela más floreciente durante la primera mitad del siglo XVII es la

sevillana. Su desarrollo está relacionado con el comercio americano controlado a través de la

Casa de la Contratación que convirtió al puerto de Sevilla en el más floreciente de Castilla. En

principal representante de la escuela sevillana es

Juan Martínez Montañés nacido en Alcalá la Real, formado en Granada y cuya obra

se caracteriza por un realismo mesurado frente a las estridencias expresivas de Gregorio

Fernández y por su equilibrada policromía distante del cromatismo desgarrador de la escultura

castellana. Entre sus obras más importantes cabe destacar:

1. Cristo de la Clemencia .(madera policromada. Catedral de Sevilla)

Es el prototipo andaluz de Cristo en la Cruz. Es de forma muy clásica. No hay en él

dramatismo de manera que no aparece apenas sangre ni señal de sufrimiento. Sus pies

aparecen cruzados. Está realizado para ser visto colocado en alto de manera que el Cristo

parece entablar conversación con el fiel que ora a sus pies.

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Otras obras de Martínez Montañés son La Inmaculada de la Catedral de Sevilla, El niño

Jesús bendiciendo en el Sagrario de Sevilla o El retablo de la Concepción de Lima.

El otro representante de esta escuela es el discípulo de Martínez Montañés, y natural de

Córdoba Juan de Mesa (1583-1627) que murió muy joven y cuya obra, aunque deriva de los

modelos de Montañés, se caracteriza por un dramatismo extremado y una violencia expresiva

inexistentes en su maestro. Entre sus obras vamos a destacar la más popular debido a su

protagonismo en la Semana Santa de Sevilla:

1.- Jesús del Gran Poder.

Solo aparecen talladas la cabeza, las manos y los pies, siendo una talla para vestir.

Destaca el dramatismo de la figura patente tanto en el cuerpo encorvado bajo el peso de la

cruz como en la gruesa corona de espinas que le atraviesa la cabeza.

• La escuela granadina

Los dos principales representantes de esta escuela son Alonso Cano y Pedro de Mena.

Alonso Cano (muerto en 1667)

Se formó con Martínez Montañés aunque desarrolló toda su obra en su ciudad natal

(sus obras principales se conservan en la catedral de Granada).Es una de las personalidades

más fuertes del arte español. Fue pintor, escultor y arquitecto, en la tradición de los grandes

artistas del Renacimiento. Entre sus obras más importantes podemos citar el Retablo de la

Iglesia de Lebrija y sobre todo su Inmaculada Concepción llamada del facistol en la que crea

un tipo distinto alejado del clasicismo: de pequeño tamaño, la Virgen mira hacia abajo de

forma meditativa y con las manos unidas en señal de oración. El manto se recoge bajo las

manos La Virgen aparece suspendida sobre una nube con angelotes.

El otro escultor de la escuela granadina es

Pedro de Mena (muerto en 1688) colaborador de Alonso Cano, más realista que él y

muy interesado por comunicar los estados de ánimo de modo directo. Entre sus principales

obras destacan el San Francisco de la Catedral de Toledo, caracterizado pos su ascetismo y su

Magdalena Penitente encargada por los jesuitas de la Casa Profesa de Madrid y hoy en el

Museo Nacional de Escultura, en Valladolid. María Magdalena está de pie, en la postura

habitual de los santos de Mena. Contempla un crucifijo con admirable ternura en un diálogo

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cordial con el mismo. Está vestida con traje tejido por ella misma, muy humilde y ofrece sus

brazos desnudos. Los cabellos se disponen como madejas mojadas. Los ojos de cristal,

semicerrados, acentúan su expresividad

d) El siglo XVIII: Francisco Salzillo. (1707-1783) (la escuela murciana)

Lo vemos con detenimiento en el tema 16

Imágenes de escultura barroca de selectividad (Bernini) Apolo y Dafne David Éxtasis de Santa Teresa