UNIVERSIDAD NACIONAL DEL ALTIPLANO

FACULTAD DE CIENCIAS SOCIALES

ESCUELA PROFESIONAL DE CIENCIAS DE LA COMUNICACIÓN SOCIAL

TRABAJO ENCARGADO

100 GENEROS MUSICALES

CURSO:

TECNICAS DE EXPRESIÓN ORAL

ALUMNO:

TICONA VILLALTA JHON ERICK

100 GENEROS MUSICALES

¿QUE ES UN GENERO MUSICAL?

GÉNEROS MUSICALES Un género musical es una categoría que reúne composiciones musicales que comparten distintos criterios de afinidad.1 Estos criterios pueden ser específicamente musicales, como el ritmo, la instrumentación, las características armónicas o melódicas o su estructura, y también basarse en características no musicales, como la región geográfica de origen, el período histórico, el contexto sociocultural u otros aspectos más amplios de una determinada cultura.  Actualmente existen multitud de géneros musicales en constante evolución. Desde géneros musicales demarcados conceptualmente que abarcan campo definido y específico, y que presentan una asentada concepción (tango, blues, salsa, hip hop...); hasta amplias y difusas categorías musicales que abarcan un marco absolutamente heterogéneo musicalmente, de nueva creación por parte de las discográficas para acercar la música al profano y facilitar su clarificación (música rock, música universal o world music, música electrónica...) Criterios de clasificaciónLa clasificación en géneros musicales suele realizarse según los siguientes criterios:• Características melódicas, armónicas y rítmicas.• Instrumentación típica.• Lugar geográfico donde se desarrolla principalmente.• Origen histórico y sociocultural.• Estructura de las obras (canciones, movimientos, etc.).• Normas y técnicas de composición e interpretación.• Medios y métodos de difusión. Géneros principales Música cultaLa música docta, académica, culta o selecta es uno de los tres grandes géneros en los que se puede dividir la música en general, junto con la música popular y la música tradicional ofolclórica,7 8 que veremos a continuación. Se trata de un término muchas veces impreciso pero profundamente arraigado e institucionalizado en la sociedad, además del modo habitual de referirse a otros vocablos similares,9 que aparece por primera vez en el Oxford English Dictionary de 1836.10 Implica todo tipo de consideraciones teóricas, estéticas y estructurales, y habitualmente conlleva una larga tradición escrita, por lo que sus intérpretes suelen tener años de formación en un conservatorio. En Europa, la música docta tiene un importante desarrollo entre los años 1450 y 1950aproximadamente. Tradicionalmente, y por razones pedagógicas y formales (ante el carácter extraordinariamente variable de la música clásica a lo largo de su historia), este período sea dividido en cuatro etapas principales que permiten conocer mejor el contexto donde está inmersa cada obra: el Renacimiento, el Barroco, el Clasicismo y el Romanticismo musical. A continuación, se presenta una pequeña selección de algunos de los compositores más importantes: No obstante, ha de notarse que la música clásica también existe en la segunda mitad del siglo XX (véase Música clásica del siglo XX), en nuestro tiempo (véase Música clásica contemporánea) y en muchas otras culturas (véase, a modo de ejemplo, Música clásica india).Música popular :La música popular se opone a la música académica y es un conjunto de estilos musicales que, a diferencia de la música tradicional o folclórica, no se identifican con naciones o etnias específicas. Por su sencillez y corta duración, no suelen requerir de conocimientos musicales elevados para ser interpretados y se comercializan y difunden gracias a los medios de comunicación de masas.11 12 Esta última afirmación es discutida desde muchos ámbitos de compositores e intérpretes y cada vez más tiende a pensarse a la música popular y la música culta como músicas de prácticas diferentes, si bien comparten muchas características de su lenguaje. Existen

músicas populares que requieren habilidades musicales elevadas y por otro lado músicas cultas extremadamente sencillas. En general puede decirse que la música culta viene de la música escrita en partituras y la popular de la tradición no escrita, sea ésta popular o profesional. En parte, el surgimiento de los medios masivos de difusión y el negocio de la música han contribuido a desdibujar los límites entre estas músicas.Dicho brevemente, puede afirmarse que la música popular surge en Europa con la llegada dela Revolución industrial en el siglo XVIII, cuando la mejora tecnológica hace posible que los fabricantes puedan comenzar a producir instrumentos musicales en serie y a venderlos a un precio razonable, llegando así a la clase media. Otro avance importante en el desarrollo de este tipo de música se produce en el siglo XIX gracias al fonógrafo de Edison y al gramófono de Berliner, que permiten al público en general grabar su propia música o escuchar la música compuesta por los demás sin necesidad desasistir a un concierto en directo. De hecho, a finales de los años veinte del siglo siguiente, muchos compositores prestigiosos e intérpretes populares ya habían efectuado múltiples grabaciones que pudieron difundir a través de otros inventos modernos de la época como la radio y, posteriormente, la televisión. Pero no será hasta la década de los cincuenta cuando la música popular alcance realiméntela divulgación que tiene hoy en día gracias al desarrollo del rock and roll y a la popularidad que alcanzaron las gramolas en los bares, pubs, cafeterías y restaurantes. Además, no tuvo que pasar mucho tiempo antes de que apareciesen en el sector nuevos géneros y subgéneros como la música pop, música electrónica, el heavy metal o el punk, hasta tal punto que actualmente los estilos musicales son tantos y tan variados, y las fronteras tan difusas, que es difícil saber cuándo se está hablando de uno y cuando de otro. Música tradicional:La música tradicional o música folklórica es el último de los tres grandes géneros musicales se opone tanto a la música docta como a la música popular. Tradicionalmente se transmite oralmente de generación en generación al margen de la enseñanza musical académica como una parte más de los valores y de la cultura de un pueblo. Así pues, tiene un marcado carácter étnico que normalmente la hace difícil de comprender a escala internacional. No obstante, existen excepciones notables como el flamenco, la jota, el tango, la samba y, en general, todos los ritmos latinos que hayan mantenido cierta entidad propia con el tiempo. En los últimos tiempos se han agrupado en el género musical artificial conocido como músicas del mundo (en inglés world music). 

Música instrumental :éste género pertenecen las obras interpretadas exclusivamente por instrumentos musicales. Si la obra musical es interpretada por un único interprete se habla de solista, si es un grupo reducido de interpretes se denomina conjunto, o agrupación instrumental, dentro de la música clásica, este tipo de agrupación reducida de instrumentos, se denomina música de cámara. Cuando la obra musical es interpretada por una orquesta sinfónica se habla de música sinfónica. instrumental, dentro de la música clásica, este tipo de agrupación reducida de instrumentos, se denomina música de cámara. Cuando la obra musical es interpretada por una orquesta sinfónica se habla de música sinfónica.Música vocal:Se entiende por música vocal toda música destinada exclusivamente o no a la voz. Es decir, una obra puede ser enteramente o parcialmente destinada a la voz. A la música vocal sin ningún tipo de acompañamiento se le denomina “a capella”.  Al igual que en la música instrumental, se habla de solista, cuando la obra es interpretada por una sola persona; coro, coral, agrupación vocal o de cámara cuando se trata de un número reducido de voces; coro sinfónico (el más habitual), de treinta sesenta integrantes; orfeón compuesto por más de cien integrantes; escolanía o coro de voces blancas cuando son niños sus componentes. También se distinguen coros femeninos, masculinos y mixtos.

1: ROCK N` ROLLEl rock es un género musical del siglo XX y de la época contemporánea del cual nacen cada uno de los diversos géneros Musicales derivados del rock and roll. Suele interpretarse, entre otros muchos instrumentos que ocasionalmente se adicionan, con guitarra, batería, bajo y ocasionalmente, instrumentos de teclado como el órgano, el piano, o los sintetizadores. El primitivo rock se deriva de gran cantidad de fuentes, principalmente blues y country, pero también del góspel, jazz y folk. Toda sestas influencias combinadas en una simple, estructura musical basada en blues que era rápida, bailable y pegadiza La música rock tiene sus raíces en la era del rock and roll y el rock a Billy de los años 1950. A mediados de los años 1960, la música rock se combinó con la música folk para crear el folk rock, con el blues para crear el blues rock y con el jazz, para crear el jazz-rock fusión, y sin una marca de tiempo para crear el rock psicodélico. En los años 1970, el rock incorporó influencias del soul, el funk, y la música latina. También en los años1970, el rock desarrolló varios subgéneros, como el soft rock, el hardrock, el rock progresivo, el heavy metal y el punk. Los subgéneros del rock de los años 1980 incluyen el new wave, el romántico, el glam rock,el synth-rock, el hard core punk, rock alternativo, rock cristiano, el metal cristiano, el thrash metal, y el speed metal. Los subgéneros del rock de los años 1990 incluyen el rock estilo grunge, el brit pop, el indie rock, el piano rock. A continuación se exponen algunos de los momentos de mayor relevancia en la evolución del género por orden cronológico. El rock del Años 1960Surge la música beat de la mano de los primeros discos de los Beatles. Otros grupos destacados fueron los sentauros del desierto, la Holléis, Herman's Hermits y la Dave Clark Five. Principios y mediados de los años 60 Surgen la Beach niños en Estados Unidos,

 Inicialmente como exponente del surf rock, representado también por grupos como la rivera o Jan y Deán, y ya a partir de 1966, con el lanzamiento de Pet Sounds, como grupo innovador y parte de la escena psicodélica estadounidense. Años 60 y años 70.La Invasion Britannica; Los Beatles, Rolling Stones, The Kinks, Small Faces, The Who, The Yard birds, The Animals. Nace el moldurado por varios de estos grupos. Principios y mediados de los años 60. Bob Dylan utiliza la guitarra eléctrica en canciones con base folk, creando el folk rock . Le seguirian The Birds, Simon and Garfunkel o Crosby, Stills and Nash. Mediados de los años 60. El rock psicodélico nace en California con Grateful Dead, Jefferson Arpillare, The Doors , Love y Iron Butterfly o el pop rock influenciado por el hipismo de las Mamas and las Papas y Asociación. En el Reino Unido es asimilado por los grupos de la Invasión Británica, encabezados por los Beatles y su Revolver, su Sgt. Pepper's Lonely-hearts Club Band y sun Magical Mystery Tour (entre otros). Asimismo surgen otras bandas muy innovadoras como Pink Floyd, Tráfico, Jotero o Soft Machine que más tarde darían lugar al rock sinfónico. Se populariza el uso del sintetizador Moog, el Mellotrón y el Sitas. Mediados y finales de los años60. En muchos de estos grupos se haría patente una fuerte tendencia blues rock, de la que serían grandes exponentes como Janes Joplin y su banda Big hermanos & la Holding Company, además de formaciones como Cannes Heat. Mediados y finalesde los años 60. Jimi Hendir y EricCriptón con Crean revolucionan la forma de tocar la guitarra eléctrica.

Mediados y finales de los años 60 Frank Zappa y sus Mothers Of Invention serían una temprana muestra del rock progresivo y sinfónico más inclasificable e iconoclasta, donde se encontraban Edgar Varese y Stravinsky,la comedia, el rock, y las referencias contraculturales. Mediados y finales de los años 60. La Creedence Clearwater Revival y Buffalo Springfield, grupo del que saldría Neil Young, se encargan de mantener el lado más clásico y purista del rock and roll en una década convulsa y experimental, facturando un Rock de impronta añeja y melodías trabajadas, no exento de mensajes reivindicativos. Mediados y finales de los años 60. En 1967 se publica el primer disco de Leonard Cohen, que consolida en una dilatada carrera la figura de cantautor y crooner del rock ,influyendo en muchos artistas que más tarde desarrollarían este concepto. Y en 1969 el primero en solitario de Neil Young, que aúna lirismo acústico con distorsión y crudeza, aderezada con espíritu psicodélico. Esta fórmula inspiraría a varias generaciones de músicos, y muy en concreto a la generación grunge. También en 1969 publica Led Zeppelin sus dos primeros álbumes. la Velvet Underground; el lado más oscuro, lírico, y artístico del rock; inspirados por la "Factoría" de Andy Warhol dejan una huella indeleble en el rock, influyendo en el punk, el rock gótico, y en toda laescena posterior alternativa. Su líder Lou Reed evolucionaría posteriormente en su carrera en solitario, a caballo entre la poesía y el rock, tocando glam rock en los 70 con discos como Transformar o Berlín. Años60 y años 70. King Crimnos en 1969lanza su primer disco titulado In the Court of the Crimson King, el cual sería considerado el primer álbum de rock progresivo.

James Marshall «Jimi» Hendrix (nacido Johnny Allen Hendrix; Seattle, Estados Unidos, 27 de noviembre de 1942-Londres, Reino Unido, 18 de septiembre de 1970) fue un músico y cantautor estadounidense. Hendrix es considerado el mejor guitarrista eléctrico de la historia de la música popular, y uno de los músicos más importantes del siglo XX.

Musicalmente influido por el rock and roll y blues eléctrico americanos, tras tener un éxito inicial en Europa con su banda The Jimi Hendrix Experience, logró fama en losEstados Unidos tras un concierto en 1967 en el Festival Pop de Monterey. Más tarde, encabezó el Woodstock Festival en 1969, y el Isle of Wight Festival de 1970, antes de fallecer a los 27 años.

2: ROCK LATINO

Rock de fusión latina o rock latino o latin rock1 es el término que se utiliza para referirse a un género musical que se distingue usualmente por la fusión de la música rockcon los ritmos latinoamericanos y Caribeños y por el uso de idiomas y dialectos correspondientes a esas regiones y comunidades.

Si bien sus antecedentes "nacionales" pueden encontrarse en muchos países desde fines de la década del 50, como movimiento internacional popular y relativamente compacto, recién comenzó a existir desde la segunda mitad de la década del 80, para estallar en la década del 90. De este modo, los principales exponentes del rock latinose encuentran en Chile, Argentina y México.

El rock latino se ha desarrollado como movimiento autónomo internacional en gran medida vinculado también al éxito internacional delpop latino y al desarrollo de un amplio mercado cultural latino en Estados Unidos, de la mano de lo que ha se llamado lalatinoamericanización de Estados Unidos, en la segunda mitad del siglo XX.

Los términos «rock en español» y «rock iberoamericano», así como «rock nacional», «rock en tu idioma» y «alterlatino» se encuentran estrechamente ligados con este concepto.

3: ROCK ALTERNATIVO

El rock alternativo es un etiqueta musical que engloba varios estilos de rock que nació en los años 80 a partir del post-punk, el new wave, el hard rock y también con influencias del punk rock/hardcore punk que muchas veces utiliza música compuesta por sonidos y elementos musicales no tradicionales, con menos melodía, armonía o ritmo, apegándose a la llamada cultura underground (es decir, un género anti-popular, anti-comercial y contrario a los estilos comunes y populares). Alcanzó sus mayores cuotas de madurez y popularidad en los años 90, así como a todos los subgéneros que han surgido a partir de él desde entonces.

El término "alternativo" se acuñó para describir una nueva y distinta forma de hacer "rock", estilo que comúnmente está asociado a ser muy masivo y de alta popularidad al igual que el pop; mientras que este nuevo género no ponía el énfasis en el éxito o las ventas, sino que casi al contrario, con un sonido menos melódico que se movía entre pequeños bares, pubs o clubes del circuito underground (es decir, que no se ajustaban a la música mainstream de la época.1 ); también, no se valían de la radio para popularizarse, sino que más bien del "boca a boca"; otra característica común de estos artistas o grupos era que grababan sus álbumes en discográficas independientes. Entre los diversos géneros que han surgido en la escena independiente, cabe destacar elshoegazing, el noise rock, el grunge, el britpop o el indie rock, entre muchos otros. Estos estilos tienen en común la herencia del espíritu del punk y de los géneros que surgieron a partir de él.2

Aunque la denominación hace referencia al rock, algunos de los subgéneros que engloba también reciben la influencia de otros estilos como el folk, o el jazz entre otros. En ocasiones el término se ha empleado equivocadamente a partir de los 90 como una expresión comodín para denominar, paradójicamente, al rock en general.3 4

Durante los 80, el éxito comercial de algunos grupos de rock alternativo que no abandonaron sus planteamientos originales como Radiohead, The Smashing Pumpkins,Sonic Youth, R.E.M. o The Cure, supuso que no se diera tanta importancia a grabar para una discográfica independiente o tener éxito únicamente en circuitos underground, como a ser una alternativa a la música comercial.

En los 90, además de la maduración y la profundización del género, algunos subgéneros alcanzaron el esquivo éxito popular, de la mano de sonidos más comerciales, como el grunge en Estados Unidos y el britpop en el Reino Unido.

Entre los álbumes de rock alternativo más alabados por la crítica se encuentran OK Computer (que también es considerado uno de los mejores álbumes de la historia de la música) y The Bends de Radiohead, Grace de Jeff Buckley, Daydream Nation de Sonic Youth,Loveless de My Bloody Valentine y Siamese Dream de The Smashing Pumpkins

4: ÓPERA ROCK

Una ópera rock es un género de música nacido en el siglo XX el cual combina las voces que habitualmente se utilizan en la ópera, pero con un ritmo diferente a ésta, en su lugar, se le agrega el ritmo de la música rock, o el del heavy metal. Muchas veces este tipo de composiciones difieren de los álbumes de rock convencionales ya que mantienen una temática determinada en la letra de las canciones o recurren a canciones cíclicas.

Este tipo de composiciones fueron ideadas por la banda británica The Who quienes pensaron que en un disco, cada canción no tenía que contar una historia, por lo que idearon una ópera rock, donde todo el disco en completo contaba una historia. Esto dio lugar a Tommy, la primera ópera rock en popularizarse. Pese a esto la primera ópera rock de la historia fue SF Sorrow de los Pretty Things, quienes se adelantaron a los Who al publicar este tipo de discos. Debido a la gran fama de The Who aún muchos siguen creyendo que fue Tommy la primera ópera rock, aunque Pete Townshend reconoce que utilizó algunas ideas de SF Sorrow el proyecto Tommy había nacido mucho antes.

5: ROCK LATINO

Un aspecto importante para precisar el contenido del rock latino es su internacionalización sostenida a partir de la década del 80, de manera de constituir un movimiento relativamente compacto de artistas y canciones, que encuentran un público masivo común, asentado en una variedad de países, lo que a su vez ha llevado a constituir un mercado musical diferenciado, el mercado latino.

Otro elemento importante de la constitución del rock latino como movimiento cultural autónomo, ha sido el reconocimiento del fenómeno en Estados Unidos, a partir del crecimiento de la comunidad latina («hispanic» en el dialecto estadounidense) en ese país, y la organización de instancias comunes de carácter internacional (como los Premios MTV), en puntos de alta presencia latina como Los Ángeles y Miami.

6: GRUNGE

El grunge, en ocasiones conocido como sonido de Seattle [ ]es un subgénero del rock derivado del hard rock y el rock alternativo influido por el noise rock, tomando sonidos cercanos al hard rock, el heavy metal, el punk y el hardcore punk y con estructuras cercanas al rock clásico.[1] [2] [3] Surgió a finales de la década de los ochenta, con grupos provenientes principalmente del estado norteamericano de Washington, en particular, del área de Seattle. La primera compañía que impulsó y dio a conocer el género fue la discográfica Sub Pop, apoyando a bandas que serían fundamentales en el desarrollo del naciente género, como Green River, Soundgarden o Nirvana. Las características distintivas del sonido grunge eran sus guitarras fuertemente distorsionadas y enérgicas, melodías vocales guturales, muchas veces pegadizas y repetitivas, así como baterías predominantes; mientras sus letras se caracterizaban por reflejar apatía y desencanto, las canciones primerizas y más agresivas del género estuvieron influenciadas por el Sludge metal. El grunge es un género familiar a varios derivados del hardcore punk tales como el post hardcore o el metalcore aunque se diferencien ya que cada género tiene sus aspectos propios.

Kurt Donald Cobain (Aberdeen, Estado de Washington, 20 de febrero de 1967 -Seattle, Aberdeen, Estado de Washington, 5 de abril de 1994) fue un músico, compositor e

instrumentista estadounidense, más conocido por haber sido el vocalista,guitarrista y compositor de la banda grunge Nirvana. Originalmente Kurt formó la banda en Aberdeen Washington en 1987. Editó su álbum debut, Bleach, con el sello independiente de Seattle Sub Pop en 1989.

Nirvana ayudo a transformar la música popular en los años 90. En 1991, la llegada de su canción más conocida, «Smells Like Teen Spirit», marcó el comienzo de un cambio en la escena musical, alejándola de los géneros dominantes de los años ochenta, el glam metal y el pop del tipo «radio friendly».

Para enero de 1992, Nevermind, el disco que contiene Smells Like Teen Spirit, había desplazado al disco Dangerous de Michael Jackson del primer puesto del Billboard, marcando así un momento de gran importancia dentro de la historia de la música contemporánea con el triunfo del rock sobre el pop. Los medios musicales concedieron finalmente a Smells Like Teen Spirit el estado de himno generacional, y con este reconocimiento Cobain se convirtió en el portavoz de la Generación X.

El 8 de abril de 1994 fue encontrado su cuerpo sin vida en su casa en Seattle.

Kurt Cobain fue posicionado en el puesto número 73 de «Los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos», según una encuesta realizada por la revista Rolling Stone y votada por reconocidos guitarristas en 20111 , y en el puesto 45 de «Los 100 cantantes más grandes de todos los tiempos» en 2008, también por la revista Rolling Stone.

7: GARAGE ROCK

El garage rock (o Rock de Garaje en castellano) es una forma sencilla y cruda de rock and roll creada por varias bandas de Estados Unidos y Canadá a mediados de los años sesenta.

El término "rock de garaje" viene del hecho de que la mayor parte de sus intérpretes eran jóvenes e inexpertos, poseían escasa preparación como músicos y, sobre todo, solían ensayar en el garaje de su casa. La música de estas bandas era, por lo general, mucho menos elaborada que el original que los inspiraba (dado que sus intérpretes poseían escasa pericia instrumental. Jóvenes de entre quince y veinte años, apenas sabían tocar unos pocos acordes); pero, a cambio, estaba repleta de pasión y energía juvenil, lo que algunos consideran el verdadero espíritu del Rock'n'Roll. La mayor parte de las bandas utilizaban sencillas secuencias de notas octavas y quintas debido, además de a lo anteriormente explicado, a que los amplificadores de la época poseían mucha distorsión a un volumen alto y se sobresaturaban. Con el uso de esas notas (a lo que se añadía una batería agresiva y unas letras pegadizas) se disimulaba este problema y se conseguían sorprendentes resultados.

En la época (1964-67) llegó a usarse la palabra "punk" para definir este tipo de música y a los grupos que la tocaban. De ahí que Garage Rock y Garage Punk sean términos prácticamente intercambiables. Y de ahí también que, cuando en 1976-77 surgió el movimiento punk propiamente dicho, muchos de sus miembros se autorreivindicasen ideológica, musical y estéticamente declarándose herederos directos de las bandas de garaje de mediados de los años sesenta.

Miles de combos de garaje aparecieron en los Estados Unidos entre 1963 y 1968, pero sólo unos pocos — Shadows of Knight, The Count Five, The Seeds, The Leaves o The Standells — tuvieron algo de éxito (y éste muy relativo, porque la mayor parte de las veces sólo alcanzaron las listas estatales, no las nacionales), mientras la inmensa mayoría se limitaron a grabar singles aislados, con tiradas muy escasas y una distribución prácticamente inexistente más allá de su

condado natal. En realidad, las canciones relacionadas con el Garage Rock que más alto llegaron en listas fueron Louie Louie de The Kingsmen y Surfin' Bird de The Trashmen, las dos en el año1963. A pesar de que ninguno de estos dos grupos puede ser considerado una "banda de garaje" en sentido estricto (los primeros eran semi-profesionales, y estaban relacionados con el frat-rock, mientras que los segundos eran un grupo de música surf), ambos temas forman parte de la historia del género (y de la música en general) e influyeron tremendamente en el sonido de las bandas surgidas posteriormente. De hecho, Louie Louie ha sido descrita, alguna vez, como el prototipo perfecto del "sonido garaje" y la primera canción punk propiamente dicha.

Si bien es cierto que no tuvieron éxito a nivel nacional, hay que aclarar que las garage-bands sí solían tener su "minuto de gloria" en el reducido ámbito de sus ciudades y comarcas. La extensa red de radios locales estadounidenses posibilitaba que las pequeñas emisoras tocaran con frecuencia los singles de las bandas de su localidad. Así, hoy todavía resulta curioso leer las listas de éxitos de minúsculas estaciones radiofónicas (con un área de escucha de apenas unos pocos kilómetros a la redonda) en las que, junto a grandes clásicos como The Rolling Stones, The Beatles, The Byrds, Tom Jones, Aretha Franklin o The Beach Boys, aparecen temas de garage-bands semi-ignotas como The Outscats, The Others, The Esquires o The Third Bardo. Casi en igualdad de condiciones.

Por otra parte, la existencia de eventos conocidos con el nombre de Battle Of The Bands y que se celebraban con frecuencia tanto en grandes ciudades como en pequeños pueblos de todo el país y en los que varias docenas de bandas competían entre sí para conseguir un premio (la grabación de un single de 45rpm, la mayor parte de las veces) suponía la posibilidad de darse a conocer siquiera fuese en los condados o pueblos vecinos.

8: HARDCORE PUNK

El hardcore punk (traducible en español aproximadamente como punk duro, extremistao radical), a menudo llamado sencillamente hardcore, es un subgénero musical derivado del punk, que se originó en Norteamérica y el Reino Unido a finales de los años 1970.

Se caracteriza por suponer la evolución de los aspectos más enérgicos del punk, lostempos y compases son rápidos, a ritmos de baterías veloces y agresivos, las líneas deguitarras ejecutadas velozmente y con pocos arreglos, amplificadas con un sonido de distorsión, el bajo por lo general hace la misma nota del acorde de la guitarra (sin escalas, ocasionalmente con octavas), la voz es casi gritada, rápida y las canciones suelen ser cortas.

Del hardcore han surgido varios géneros, a veces fusionándose con el metal (el cual influyó en la creación del género), derivándose subgéneros como el hardcore melódico, elpost-hardcore,el metalcore, el deathcore, el grunge y muchos otros más.

Origen del hardcore

Los primeros intérpretes de este género musical fueron bandas como Bad Brains (formados en 1978), Teen Idles (formados en 1979), Middle Class (que publicaron su primer single, considerado fundacional del género, en 1978),4 The Untouchables (1979) y Black Flag (formados en 1976 con el nombre Panic), que tocaban un punk acelerado y más pesado que otros grupos punk más tradicionales, como Sex Pistols o The Ramones. Este estilo musical más

fuerte, al difundirse, pasó a convertirse en un género musical denominado hardcore punk, término que se generalizó sobre todo después de la aparición del LP de DOA Hardcore '81 (marzo de 1981), que describía perfectamente a la nueva generación de punks.

Este subgénero, al igual que el género punk, se debe en parte a The Ramones, The New York Dolls, The Damned o The Sex Pistols, quienes sentaron las bases para el punk, que más tarde sería influencia para el hardcore y sus subgéneros. Una de las bandas de punk rock de lo 70's que más influenciaron en el Hardcore punk serían los ingleses The Damned; que destacaron por su velocidad, pequeños riffs y suciedad musical. Además, diversas bandas dehard rock y heavy metal, como Black Sabbath o Motorhead, eran comúnmente citadas como influencia entre los primeros grupos del estilo. Black Flag introdujo los cambios de notas más rápidos y Bad Brains la velocidad en batería, usando además cambios de notas aún más rápidos que los de Black Flag. Esto ocurría entre 1978 y 1979.

Generalmente se nombra a Bad Brains como el primer grupo en tocar hardcore desde 1978. La época en que más bandas habrían comenzado a tocar este género sería en el '79-80, pero en 1978 una banda punk alternativa o "experimental" de Orange County,California, llamada Middle Class, grabó un EP llamado Out of Vogue que contenía 4 piezas idénticas a lo que más tarde sería llamado hardcore punk. Sin embargo, en 1979 Middle Class comenzó a influenciarse por bandas como Joy Division y cambiaron radicalmente su estilo, tocando lento, algo totalmente distinto a lo que hacían en sus inicios. Indudablemente Out of Vogue es el primer EP hardcore que se grabó, porque el single de 7" de Bad Brains que contenía "Pay to Cum" y "Stay Close to Me" salió en 1979 y su disco Black Dotsgrabado en 1978 no vio la luz hasta 1996. El grupo The Misfits, que inicialmente practicaba un estilo de punk enérgico y melódico similar al de los Ramones, hizo su incursión en el hardcore con el tema "Mommy can I go out and kill tonight?", incluida en su debut de 1982Walk Among Us, y se metía de lleno en el estilo con el disco Earth A.D./Wolfsblood, en 1983.

Inglaterra contribuiría al estilo con el "d-beat", nacido en el año 1980 aproximadamente, creado por Discharge.

La velocidad y las "canciones cortas"

La característica técnica y expresiva fundamental del hardcore es la velocidad de los ritmos, aplicando compases de batería parecidos a los que utilizaban otros géneros musicales como elfolk, el country o el rockabilly en sus canciones rápidas de baile. A partir de ello, se han compuesto muchas canciones que no llegan a los habituales tres minutos de mínimo del formato de canción popular. Esto crea un ambiente musical frenético, que en los conciertos se expresa a través de los bailes pogo, stage diving y slam o mosh, fomentando un ambiente cargado de energía. El género expresivo del hardcore además ha inspirado una temática motivacionsita en las letras del punk.

Como detalle peculiar, cabe destacar que el hardcore es quizá una de las pocas fuentes del rock en que, inspiradas por la velocidad, aparecen discos de canciones de duración cercana al minuto e incluso muchas canciones de duración inferior a un minuto. Tanto los grupos pioneros como de los diversos géneros en que el derivó el hardcore han practicado y practican este formato especial.

Muchas composiciones condensan en ese intervalo una estructura completa de canción de rock, con varias estrofas y estribillos. Incluso hay canciones de tres estribillos que no alcanzan el minuto de duración, como en el disco Dirty Rotten EP de los clásicos D.R.I., lo cual hoy en día,

se clasifica en el subgénero llamado thrashcore, generalmente confundido con el crossover thrash.

Algunos discos clásicos de hardcore cuentan hasta con 30 de estas rápidas y enérgicas canciones, e incluso más, en un LP corto. Es bastante común encontrarse con discos de entre 10 y 20 temas que no llegan a los 20 minutos de duración total, como el larga duración de la banda barcelonesa Rouse, o algunas ediciones de los suecos Misconduct.

En otros casos, no llega a ser apenas una canción, quedando más bien en una intervención sonora con banda de rock, incluso de apenas unos segundos, como puede ser el tema "Caos" de los brasileños Ratos de Porão, e incluso de grandes porciones de discos degrindcore. La banda estadounidense de grindcore Anal Cunt, grabó un disco de llamado 5643 Song EP ("El EP de 5643 Canciones") que, increíblemente, tiene 5643 canciones en menos de 15 minutos.

Puede considerarse un formato propio característico dentro del subgénero, hasta el punto de que la discográfica Fat Wreck Chords editó a finales de los 90 el disco Short Music for Short People, disco compacto que recopila 101 canciones clásicas y de nuevo cuño, de otros tantos grupos, ninguna de ellas sobrepasando una ejecución de 30 segundos...

9: CELTIC PUNK

El punk celta, también conocido como celtic punk, (y con menos notoriedad también se refiere a este tipo de música como paddybeat, celtcore, jig punk o rock and reel) es una música generalmente asociada a punks irlandeses y de los diversos países denominados celtas, como escoceses, galeses o bretones.

Durante los años 60 y 70 en Gran Bretaña e Irlanda, surgieron dos bandas de folk rockmuy importantes como The Dubliners y The Clancy Brothers. También merece especial mención la banda escocesa The Skids, que fueron la primera banda británica de punk en introducir un instrumento musical de origen celta en su música.

Es entonces cuando en 1982 Shane MacGowan funda la banda The Pogues, la primera en mezclar música celta con punk rock. The Pogues son la primera banda denominada punk celta y la más importante. Tras su éxito salieron a la escena musical otras agrupaciones como los británicos The Men They Couldn't Hang y Nyah Fearties y los australianos Roaring Jack.

Hoy en día

La escena punk celta en la actualidad está copada de varios grupos. Destacan, principalmente dos bandas, los estadounidenses Flogging Molly  y los irlandeses Dropkick Murphys. También merecen citarse los canadienses Real McKenzies y los suecos Sir Reg.

Los comienzos-mediados de la década de los 90 fueron muy productivos, produciéndose una segunda oleada (más que en número, en calidad) de grupos que fusionan punk con música celta, al igual que ocurrió a comienzos de los 80. Esta vez la escena fue en Estados Unidos y Canadá, con grupos de antepasados irlandeses como los anteriormente citados. Los tres están bajo el sello de lasdiscográficas más importantes del punk como Fat Wreck Chords, Hellcat Records (filial de la gigantesca Epitaph) o SideOneDummy Records.

10: HORROR PUNK

Horror punk es un estilo musical que fue definido por la banda The Misfits, combinando letras e imágenes del cine de horror, ciencia ficción, y Serie B, junto a influencias musicales del punk

rock, del rock gótico, y del hard rock (especialmente el de bandas como Black Sabbath) y en una menor parte, del rockabilly. 45 Grave sería junto a The Misfits, una de las primeras bandas de Horror punk con singles como "Black cross", entre otros.

Las bandas de horror punk, normalmente, escriben letras relacionadas con películas, historias y libros de terror, a menudo también cargadas de humor negro. El horror punkha usado tradicionalmente, entre otras influencias del horror, la estética y temas de los filmes de zombies. El género cuenta con una próspera base de fans (llamados Fiends), con websites y festivales de conciertos, como el Fiend Fest, organizado por la actual encarnación de los Misfits. La base de fans del horror punk han sido encontradas responsables del resurgimiento de subgéneros cercanos a este como son el Deathrock y el Psychobilly.

Algunas bandas muestran claras influencias del heavy metal prefiriendo la denominación de horror rock que es más conocida como una derivación del shock rock. Otras bandas influenciadas por el hardcore son descritas como horror hardcore.

El término "Horror hardcore" fue inventado por Dwid Hellion en el cual se refiere a un híbrido entre el horror punk y el hardcore punk. El último disco de los Misfits, Earth A.D., en su era con Glenn Danzig, inauguraron el estilo. Otras bandas en practicar este subgénero son The Banner, Septic Death, e Integrity. Hay quienes confunden el término horror hardcore con el de horrorcore, sin darse cuenta de que el horrorcore es un sub-género musical existente de rap/hip-hop.

En algunos casos, bandas de este estilo basan todo su género en la temática de los zombies incorporándolos completamente a su imagen y líricas; estas bandas han sido agrupadas en el subgénero conocido como Zombiecore. Algunos ejemplos son "Send More Paramedics" (Inglaterra) y "Zombie Apocalypse" (Estados Unidos).

El Horror punk es un sub género que sale del punk rock inventado casi sin querer por The Misfits, en un principio estaba compuesto por bases precarias de guittarras combinando letras e imágenes del cine de horror, ciencia ficción y Serie B . el horror punk está relacionado a filmes de horror, humor negro, historias y libros de horror. la estética y temas del los filmes de zombies.Se caracteriza por un sonido más oscuro que puede lidiar con lo gótico, aunque la textura de su poesía bien podría acercarse al sarcasmo o a lo bizarro .Aparte de su imagen y sonido otra gran característica del género es la de mantener desde sus inicios hasta el día de hoy una estética claramente D.I.Y (siglas para Do It Yourself, Hazlo Tu Mismo) en la que las bandas se encargan ellas mismas de hacerse publicidad, producir y vender sus discos y diseñar su ropa entre otras cosas, todo sin la ayuda de pertenecer a un sello discográfico mayoritario. El género ha permanecido por mucho tiempo en un estado underground desde su nacimiento a finales de los 70, pero a principios del nuevo milenio ha comenzado a ingresar al mainstream, con bandas como Murderdolls y Wednesday 13, cuyas apariciones en el medio se han hecho notar de manera mucho más evidente que sus antecesores.

El mejor ejemplo de la apariencia horror punk puede ser encontrado en los Misfits. Aunque viéndose de alguna manera similares a las otras bandas punk rock y rock gótico, la banda tomo un acercamiento más oscuro a su estilo. Ellos usaron ropa predominantemente negra, trajes de esqueletos, maquillaje similar al visto a principios de los años 20 en los filmes de horror. Dentro de sus seguidores también se ve el uso de corsets y maquillaje elaborado (tanto en el hombre como en la mujer). El uso de imágenes de horror y ocultismo prevalen en franelas, pins, parches y joyería que contienen imágenes de films relacionados a la escena. El cabello se suele llevar en forma de un mohawk (en su variante deathawk) o el más famoso y común en la escena, el Devilock (y su variante deathlock), inventado por la banda Misfits. Los seguidores del horror

hardcore tienen un estilo más sencillo y menos llamativo, usando solo una franela, jeans y un suéter con capucha, la franela y el suéter suelen ser de color negro.

11: PUNK ROCK

En el año de 1976, cuatro jovenes londinenses fueron reclutados por un oscuro personaje llamado Malcolm McLaren. McLaren era dueño de una "Sex Shop" en el centro de la capital britanica. Su relacion con la musica databa de 1974 cuando fungio, por algunos meses, de manager de la epica banda Underground neoyorquina "The New York Dolls" quien junto a "The Velvet Underground", "MC5" y "The Stooges" fue influencia fundamental de lo que luego seria el Punk (la cosa data de comienzos de los 60's con "The Fugs" y las "Surf Bands"). Justamente recogiendo elementos de esta banda fue que ideo lo que seria el grupo que cambiaria el rock para siempre: "Sex Pistols". Con McLaren de manager, los Pistols salieron a la conquista del mundo. Sus armas; el Rock n Roll mas simple y sucio jamas escuchado, la imagen arapienta que caracterizaria a sus seguidores, y la actitud visceralmente radical del mas puro nihilismo adolescente. Todo esto enmarcado en una palabra: Anarquia. "Anarchy in the U.K." ("Anarquia en el Reino Unido") fue precisamente su primer sencillo. Con esto revento la bomba (en 1977) que ya se venia preparando desde unos años antes.

Paralelamente a los Pistols, otras bandas dieron vuelo al Punk Rock en el mundo (como los "Ramones" en E.E.U.U. o "The Saints" en Australia) originandose asi el movimiento musical que dividiria al rock en dos, el comercial y el marginal. Para muchos, los Sex Pistols fueron un "invento"; el punk rock ya existia a mediados de los 73 en los Estados Unidos. La banda que marco el puntapié inicialen Inglaterra fue The Ramones.

Los primeros punks introdujeron la metodologia del "hazlo tu mismo" a los grupos de rock, generaron la aparicion de disqueras independientes en respuesta a las ambiciosas y manipuladoras multinacionales que gobernaban el mundo del disco, y devolvieron el rock a las calles tal como lo habian prometido (hasta la aparicion del Punk, el rock se habia vuelto una complicada maquinaria capaz de ser manejada solo por egresados de los conservatorios ("Pink Floyd", "Emerson, Lake & Palmer", "Yes",etc.), siendo inalcanzable para un chico adolescente de clase obrera sin formacion musical alguna). Sin embargo, la actitud de los primeros punks (de fines de los 70s) lindaba mas con el nihilismo que con el anarquismo. Si bien es cierto que proclamaban la anarquia, su actitud "anti-todo" no reflejaba los postulados basicos del anarquismo. Ellos proyectaban una imagen negativa de la anarquia empatandola con el caos y el desorden. "Disparaban" a todos lados sin analizar el fondo del asunto.

12:FOLK ROCK

El Folk rock, en un sentido amplio, es un género musical que combina elementos de lamúsica folk y del rock. Sin embargo el término se suele usar preferentemente, aunque no exclusivamente, en referencia a la música de fusión surgida en los Estados Unidos yGran Bretaña, a mediados de la década de 1960, resultado de la incorporación de elementos del  rock, sobre todo del rock de la Costa Oeste, y especialmente en el terrenoinstrumental y rítmico, a la

música de tradición folclórica local. Algunos autores denominaron este género Folk pop.1 En muchos aspectos, el Folk-rock se solapa con otras denominaciones aplicadas a fusiones de música tradicional norteamericana y rock, como es el caso del Country rock o del llamado Rock sureño.

Los ejemplos de fusión de rock o pop y música folclórica de otros lugares del mundo u otras culturas, suelen recibir denominaciones más específicas (zydeco, celtic fusion,world music, etc.), aunque la etiqueta "folk rock" se aplicó también, de forma usual, a la música de los grupos británicos de esa misma época.

La iconografía tradicional del folk rock sitúa el nacimiento del género en el giro dado por  Bob Dylan a su música en el Festival de Newport de 1965, en coincidencia con el triunfo de las propuestas discográficas de The Byrds, pero esto no deja de ser un convencionalismo.2 En realidad, el proceso se había iniciado a finales de la década de 1950, con la fuerte evolución sufrida por elBluegrass, las innovaciones que fueron consolidándose a través del Grand Ole Opry y la aparición de grupos de gran proyección popular entre los jóvenes. En cualquier caso, para el último tercio de la década de 1960, el Folk rock aparece ya como un estilo consolidado, tanto en Estados Unidos como en las islas británicas.

13: ROCK GOTICO

e denomina rock gótico', gothic rock o goth rock al conjunto de ritmos musicales que tienen en común el gusto por lo siniestro. En ese aspecto podemos afirmar que hay una concepción amplia y concreta del término. En un sentido amplio, el rock gótico abarca una corriente musical que evoluciono del post punk y el glam rock de finales de la década de los 70 pasando por el posteriormente la música deathrock y dark wave. En un sentido estricto, rock gótico se refiere sólo a los sonidos más cercanos al rock, quedando fuera de la definición la música electrónica e industrial.

El rock gótico nació como una rama del post punk británico de finales de los 70 y la mayoría de los primeros grupos góticos como Bauhaus, Siouxsie & the Banshees y The Cure fueron etiquetados dentro de estas dos corrientes. El rock gótico se desarrolló como tal a principios de los 80 con la apertura del club Batcave y el comienzo de lasubcultura gótica. A mediados de esta década, grupos góticos como Sisters of Mercy,The Mission o Fields of the Nephilim y Red Lorry Yellow Lorry fueron alcanzando las listas de éxitos del Reino Unido, mientras grupos pioneros como Siouxsie & the Banshees y The Cure renovaron y ampliaron su sonido, logrando el éxito internacional a finales de los 80.

14: INDIE ROCK

Indie rock es un género musical que se originó en el Reino Unido y Estados Unidos en la década de 1980. De gran diversidad, presenta variados sub-géneros que incluyen al lo-fi, post-rock, math rock, indie pop, dream pop, noise rock, space rock, sadcore, riot grrrl, entre otros.

El término fue originalmente utilizado para describir sellos discográficos, sin embargo, con el tiempo se comenzó a asociar con la música que ellas producían. Luego, como las bandas de grunge y punk revival estadounidenses, y luego las bandas de Britpop británicas , irrumpieron en el mercado musical de la década de 1990, pasó a ser utilizado como identificador de dichos grupos que, aunque también pertenecen de forma general al rock alternativo, no tomaron la ruta ni las estéticas impuestas por estos movimientos y que hicieron a estos populares. En la década de 2000 en tanto, como resultado de los cambios en la industria de la música y la creciente

importancia de Internet, una serie de grupos de rock indie comenzaron a disfrutar de éxito comercial, dando lugar a preguntas acerca de su significado como término, pasando a ser referido como un género propiamente tal (según estadísticas).

Indie rock, o sus derivados de "independiente", describe las etiquetas de pequeño presupuesto y relativamente bajo en el que se libera el hágalo usted mismo, la actitud de las bandas y los artistas que participan. A pesar de acuerdos de distribución a menudo nos sorprendemos con las grandes empresas corporativas y estas etiquetas, ya que las bandas que albergan han tratado de mantener su autonomía, dejándolos libres para explorar los sonidos, las emociones y los temas de interés, limitando así parte del público general, la corriente principal. Las influencias y estilos de los artistas han sido muy diversos, entre ellos punk, el rock psicodélico, y el rock. Los términos rock alternativo y el indie rock se utilizan indistintamente en la década de 1980, pero después de muchas bandas de música alternativa desde Nirvana en la corriente principal en la década de 1990 comenzó a utilizarse para distinguir esas bandas, que trabajan en una variedad de estilos, que no persiguen o alcanzan el éxito comercial.

15: EL ROCK PSICODÉLICO 

es un estilo de rock que intenta evocar sonoramente y/o líricamente la experiencia psicodélica usualmente asociada con el uso de sustancias psicoactivas como la marihuana, la mescalina o el LSD.

Fue introducido por músicos como The Beatles, The Byrds, y The Yardbirds, emergiendo como un genero a mediados de los 60 entre bandas de folk rock y blues rock en el Reino Unido y Estados Unidos, tales como Grateful Dead, Jefferson Airplane, The Jimi Hendrix Experience, Cream, The Doors y Pink Floyd. Llego a su punto maximo con el Verano del Amor y el Festival de Woodstock, convirtiéndose en un movimiento musical internacional y se asoció a un extendida contracultura.

El rock psicodélico nace en la ciudad de San Francisco a mediados de la década de los 60, difundiéndose lentamente como otra forma de expresión artística de la contraculturaglobal, influenciada por drogas alucinógenas, como el LSD, la mescalina, psilocibina ycannabis, entre otras.

Los primeros ejemplos musicales influenciados por la psicodelia del siglo XX no se pueden saber con exactitud, pero entre lo más influyente de la época se suele citar a The Beatles y a Pink Floyd (específicamente con el The Piper at the Gates of Dawn) como un pilar fundamental en el desarrollo no sólo del rock psicodélico, sino también de la música en general.

The Beatles aportaron un legado musical psicodélico muy significativo desde el álbumRevolver hasta The Beatles, con canciones como "Tomorrow Never Knows", "Yellow Submarine", "Lucy in the Sky with Diamonds", "A Day in the Life". También publicaron el álbum temático más emblemático de la era, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, disco que revolucionaría la forma de hacer música.

The Rolling Stones contribuyeron con álbumes como Aftermath, Between the Buttons, y mayormente notable con Their Satanic Majesties Request y con canciones como "Paint It, Black", "Lady Jane", "Something Happened to me Yesterday". A finales de los 60 otras bandas alcanzaron elevados niveles de composición psicodélica, como lo hizo Pink Floyd conUmmagumma, Meddle y The Doors creadores de temas psicodelicos como "The End" o "Riders On The Storm". Donovan, Jimi Hendrix, Cream, Love, Jefferson Airplane, Janis

Joplin,The Beach Boys, y Grateful Dead entre otros, son los músicos que han podido traducir las experiencias alucinógenas y además difundirlo por todo el planeta como melodías del universo.

Si bien los primeros músicos influenciados por las drogas psicodélicas pertenecían a corrientes jazzísticas (John Coltrane, muy admirado por los beatniks que después serían loshippies) y folk, el primer uso del término "psicodélico" en la música popular fue realizado por la banda "folk" The Holy Modal Rounders en 1964, dentro de su tema "Hesitation Blues". El primer uso de la palabra "psicodélico" en el contexto de la música rock habitualmente se atribuye a la banda de Austin, Texas, 13th Floor Elevators (una de las primeras en desarrollar este sonido). Un prototipo del sonido psicodélico en sí ya existía desde al menos un año antes en los directos de bandas como Grateful Dead, y los singles "Shapes Of Things" de The Yardbirds y "Sunshine Superman" de Donovan, estos dos últimos británicos.

El género alcanzó su máxima popularidad entre 1967 y 1969. Desde 1972 se comenzaron a masificar otras corrientes musicales que adquirieron influencia en los años 70 como el rock progresivo, el rock sinfónico, el hard rock y el glam rock con lo cual el Rock Psicodélico empezó de disminuir su popularidad. Sin embargo, un importante número de bandas siguieron trabajando en la corriente y se produjo un nuevo auge en los años 80, y el rock psicodélico de los años 60 ha sido muy influyente en géneros como el rock progresivo y en la escenakrautrock alemana, entre otros.

En latinoamérica serian Argentina y Perú los países que tendrían a sus mejores exponentes en esta parte del continente a fines de los 60s e inicios de los 70s.

16: BACHATA

La bachata es un ritmo bailable originario de República Dominicana, dentro de lo que se denomina folclore urbano. Se considera un híbrido del bolero rítmico con otros estilos como el Son cubano, bolero son y el merengue.[cita  requerida]

En la ejecución de la bachata tradicional, las maracas del bolero fueron sustituidas por lagüira, se asumió ejecución virtuosa y libre del bongó propia del son cubano y se incorporaron guitarras al estilo de los tríos latinoamericanos tan populares en México, Cuba y Puerto Rico.  En un primer momento a la bachata se le denominó como "bolerito de guitarra"

Durante los años 60 y principios de los 70, desdeñada como música de las clases pobres, era conocida como "música de amargue", haciendo alusión al estado de melancolía provocado por el desamor y que solía reflejarse en la temática de las composiciones. Su difusión por esos años, estuvo limitada a algunas escasas emisoras ya que era considerada como una música poco menos de vulgar.

El interés masivo por el ritmo surgió a partir de los años 80, con la gran presencia que alcanzó el ritmo en los medios de comunicación.

El bolero latinoamericano como expresión musical de los años 30, 40 y 50, penetró el gusto de los dominicanos. Estos boleros convivieron con otras expresiones de la música latinoamericana que fueron también muy populares por esa época en República Dominicana como el corrido mexicano, el huapango o el pasillo, entre otros.

Grupos como el Trío Matamoros, Trío Servando Díaz, Trío la Rosa, estos tres de Cuba, el cuarteto de Pedro Flores y cantantes comoJulio Jaramillo y Olimpo Cárdenas de Ecuador; Paquitín Soto, Odilio González (El Jibarito de Lares), el Gallito de

Manatí, José Antonio Salamán, Felipe Rodríguez y Daniel Santos de Puerto Rico; Rolando Laserie, Bienvenido Granda, Orlando Contreras, Celio González, Orlando Vallejo y Antonio Machín de (Cuba); Guty Cárdenas, Luis y Tony Aguilar, y Cuco Sánchez y tríos como Los Panchos deMexico, inspiraron a músicos populares como José Manuel Calderón, Inocencio Cruz, Rafael Encarnación y Tommy Figueroa, este último nativo de Puerto Rico. Esto permitió articular una expresión musical propia de la República Dominicana a partir los años 1960.

17: R&B

El R&B contemporáneo (también conocido simplemente como R&B) es un género musical que combina elementos de hip hop, soul, R&B, pop y funk.

Aunque la abreviatura "R&B" se originó a partir de la música rhythm and blues tradicional, en la actualidad el término R&B suele utilizarse para describir un estilo de música afroamericana que se originó a partir del declive de la música disco en los años 1980. Algunas fuentes se refieren a este estilo como urban contemporary (el nombre de laradiofórmula que pone hip hop y R&B contemporáneo). R&B también ha sido utilizado para referirse a rhythm & bass aunque la exactitud de esta abreviatura está abierta a debate ya que el bajo forma parte del ritmo junto a la batería.

El R&B tiene un estilo de producción discográfica muy cuidada y limpia, ritmos basados en la utilización de caja de ritmos, ocasinales notas de saxo que le dotan de una sonoridad jazz (normalmente en los temas de R&B contemporáneo anteriores a 1993) y un estilo suave y aterciopelado de arreglos vocales. Las influencias electrónicas son cada vez más patentes, si bien la dureza y aspereza del dance o hip hop son atemperados. Los vocalistas de R&B contemporáneo suelen hacer uso de melisma, popularizado por vocalistas como Michael Jackson, Stevie Wonder,1 Whitney Houston y Mariah Carey

Con la transición del soul al R&B de principios a mediados de los 1980, el solista Luther Vandross y nuevas estrellas como Prince (Purple Rain) y Michael Jackson (Off the Wall,Thriller) dominaron durante toda la década. El álbum Thriller de Michael Jackson popularizó la música negra R&B (soul y funk), además del hard rock ("Beat it") y se convirtió en el disco más vendido de todos los tiempos en el mundo entero.

Cantantes femeninas de R&B como Whitney Houston y Janet Jackson adquirieron mucha popularidad durante la última mitad de la década; y Tina Turner, por entonces rondando los 50 años, regresó a la escena musical con una serie de éxitos. También fue popularNew Edition, un grupo de adolescentes que sirvieron de prototipo para posteriores boy bands como New Kids on the Block, Backstreet Boys y 'N Sync.

En 1986, Teddy Riley comenzó a producir grabaciones de R&B que incluían influencias del cada vez más popular género hip hop. Esta combinación del género R&B y los ritmos del hip hop fue conocido como new jack swing, con artistas como Keith Sweat, Guy, Jodeci yBellBivDeVoe. Otro popular pero efímero grupo con raíces de R&B más pronunciadas fue LeVert, liderado por Gerald Levert, hijo de Eddie Levert, líder vocalista de O'Jays.

18: BLUESEl blues (cuyo significado es melancolía o tristeza) es un género musical vocal einstrumental, basado en la utilización de notas de blues y de un patrón repetitivo, que suele seguir una estructura de doce compases. Originario de las comunidades afroamericanas de Estados Unidos, se desarrolló a través de los espirituales, canciones de oración, canciones de trabajo, rimas inglesas, baladas escocesas e irlandesas narradas y gritos de campo. La utilización

de las notas del blues y la importancia de los patrones de llamada y respuesta, tanto en la música como en las letras, son indicativos de la herencia africana-occidental de este género. Un rasgo característico del blues es el uso extensivo de las técnicas "expresivas" de la guitarra (bend, vibrato, slide) y de la armónica (cross harp), que posteriormente influirían en solos de estilos como el rock. El blues influyó en la música popular estadounidense y occidental en general, llegando a formar parte de géneros musicales como el ragtime, jazz, blue grass, rhythm and blues, rock and roll, funk, heavy metal, hip-hop, música country y canciones pop.

a frase the blues hace referencia a los blue devils (diablos azules o espíritus caídos), la depresión y la tristeza. Una de las primeras referencias a the blues puede encontrarse en la farsa Blue Devils, a farce in one act (1798)1 de George Colman.

A pesar de que la frase, en la música afroamericana, pueda tener un significado más antiguo se atestiguó que en 1912, en Memphis(Tennessee) el músico W. C. Handy ya utilizaba (en su tema Memphis Blues2 3 ) el término the blues para referirse a un estado de ánimo depresivo.

Los géneros asociados al blues comparten un pequeño número de características similares, debido a que este género musical adopta su forma de las características personales de cada artista que lo interpreta.5 Sin embargo, existen una serie de características que estaban presentes mucho antes de la creación del blues moderno.

Una de las primeras formas de música conocida que guarda similitud con el blues, se corresponde con los gritos de llamada y respuesta (música), los cuales se definieron como «expresiones funcionales de un estilo con acompañamiento o armonía y alejados de la formalidad de cualquier estructura musical».6 Una forma de este estilo pre-blues se pudo escuchar en los lamentos, o gritos de campo de esclavos, los cuales tomaron la forma de «canciones de un sólo intérprete con contenido emocional».7 El blues, hoy en día, se puede definir como un género musical basado tanto en una estructura armónica europea como en la tradición de llamada y respuesta del África occidental y transformado en una interacción entre voz y guitarra.

Muchos de los elementos del blues, como el patrón de llamada y respuesta y la utilización de las notas de blues, pueden encontrarse en las raíces de la música africana; Sylviane Diouf señala algunas características determinantes del blues, como son el uso demelismas y una entonación nasal, que pueden sugerir la conexión entre la música del África Occidental y el blues El etnomusicólogoGerhard Kubik puede que haya sido el primero en afirmar que ciertos elementos del blues tienen sus raíces en la música islámica de la parte central y occidental de África.

Los instrumentos de cuerda (los preferidos por los esclavos procedentes de las regiones musulmanas de África), estaban generalmente permitidos ya que los dueños de los esclavos consideraban que dichos instrumentos se asemejaban a otros instrumentos europeos, como el violín. Debido a ello, aquellos esclavos que eran capaces de tocar un banjo, u otro instrumento de cuerda, podían hacerlo con mayor libertad. Este tipo de música solitaria de esclavo muestra elementos de un estilo árabe-islámico basado en la huella que el  Islam ha impreso durante siglos en África Occidental

Kubik también apuntó que la técnica Misisipi de tocar la guitarra, mediante una cuchilla afilada (utilizada por W. C. Handy), corresponde a un tipo de técnica musical similar usada en ciertas culturas del África central y occidental. El diddley bow —el cual se piensa que fue muy común en todo el sur del continente americano durante los primeros años del siglo XX—, es una derivación de un instrumento africano, el cual es muy probable que ayudara en la transferencia de técnicas en los primeros comienzos del blues.

La música blues adoptó más adelante elementos del ethiopian airs, minstrel shows y espirituales negros, incluyendo instrumentación y acompañamiento armónico.11 El género también está relacionado con el ragtime, el cual se desarrolló por la misma época, aunque el blues «preservó mejor los patrones melódicos de la música africana».12

Canciones blues de este período, como las de Leadbelly o las de Henry Thomas muestran una amplia variedad de estructuras, convirtiéndose en las más habituales las formas musicales de doce, ocho o dieciséis compases, basadas en los acordes tónicos, subdominantes y dominantes Las raíces de la que hoy en día se conoce como la estructura blues de doce compases, están documentadas en la historia oral y en las partituras de las comunidades afroamericanas que habitaban las regiones del bajo Misisipi, en la calle Beale de Memphis y en las bandas blancas de Nueva Orleans.

19: JAZZ

El jazz es un género musical nacido a finales del siglo XIX en Estados Unidos, que se expandió de forma global a lo largo de todo el siglo XX.

Entre los muchos intentos de delimitar y describir el complejo fenómeno del  jazz, el crítico y estudioso alemán Joachim-Ernst Berendt, en su obra clásica El Jazz: De Nueva Orleans al Jazz Rock, nos dice:

El jazz es una forma de arte musical que se originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con la música europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan principalmente de la tradición musical de Occidente. El ritmo, el fraseo y la producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se derivan de la música africana y del concepto musical de los afroamericanos.

El mismo autor continúa describiendo tres elementos básicos que distinguen el jazz de la música clásica europea:

Una cualidad rítmica especial conocida como swing;

El papel de la improvisación;

Un sonido y un fraseo que reflejan la personalidad de los músicos ejecutantes.2

A lo largo de su historia, el jazz ha pasado de ser una simple música de baile popular a una compleja forma de arte reconocida y celebrada en todo el mundo. Paralelamente a dicho progreso, han cambiado también las actitudes hacia esta música: en 1924 un periodista del New York Times se refería a ella como «el retorno de la música de los salvajes», mientras que en 1987 el Congreso de los Estados Unidos de Américadeclaraba al jazz como un «destacado modelo de expresión individual» y como un "excepcional tesoro nacional". Se ha señalado que el motor de dicho progreso ha sido la innovación, una particularidad que siempre ha estado presente en la historia de esta música, dirigiendo su evolución y caracterizando la obra de sus artistas más destacados al lado de una rama más tradicionalista. Paralelamente a esta dicotomía entre la innovación y la tradición, el jazz siempre se ha movido entre la obra de unos artistas que solo han buscado el reconocimiento de una pequeña pero selecta audiencia y otros que ha dirigido sus esfuerzos a una audiencia más amplia.3

La identidad musical del jazz es compleja y no puede ser aislada ni delimitada con facilidad. En primer lugar, aunque a menudo el término se use para hacer referencia a un idioma musical (tal como se hace, por ejemplo, cuando se habla de música clásica), el jazz es en realidad una familia de géneros musicales cuyos miembros comparten características comunes, pero no representan individualmente la complejidad de género como un todo; en segundo lugar, sus

diversas "funciones sociales" (el jazz puede servir como música de fondo para reuniones o como música de baile, pero ciertos tipos de jazz exigen una escucha atenta y una concentración profunda) requieren un ángulo de estudio diferente; y en tercer lugar, el tema racial siempre ha generado un profundo debate sobre el jazz, moldeando su recepción por parte del público. Si bien es cierto que el jazz es un producto de la cultura afroamericana, siempre ha estado abierto a influencias de otras tradiciones musicales, y ya desde la década de 1920 ha sido ejecutado por músicos de diversas partes del mundo con un trasfondo muy diferente. En ocasiones se ha mostrado como paradigma del jazz la obra de músicos comerciales, que los aficionados y la crítica han considerado subproductos alejados de la tradición, entendiendo por el contrario, que el jazz es una forma de música negra, en la que los afroamericanos han sido sus mayores innovadores y sus más notables representantes.

20: SOUL

El soul es un género musical originario de Estados Unidos que combina elementos delgospel y del rhythm and blues. De acuerdo con el Rock and Roll Hall of Fame, el soul es un tipo de "música que surgió en la comunidad afroamericana a través de la transmutación del gospel y del rhythm & blues en una forma de declaración funky ysecular."2 Los ritmos pegadizos, acentuados por palmas y movimientos corporales extemporáneos, son un importante elemento del soul. Otras características son lallamada y respuesta entre el solista y el estribillo, y especialmente el tenso y trabajado sonido vocal. El género utiliza también, ocasionalmente, añadidos improvisado, giros y sonidos auxiliares.

Tras la II Guerra Mundial, llegó un periodo de postguerra lleno de pobreza, y en especial para las capas más bajas de la sociedad, al final de donde estaba la población negra. Aparece el fenómeno de las migraciones de la población hacia el norte y el oeste por la inmensa presión que aguantaban de la población blanca. El R&B comienza a ser aceptado por parte de la población blanca. Actores negros como Sidney Poitier y Harry Belafonte se convierten en estrellas, y Dorothy Dandridge es nominada al oscar. Con la aparición del disco la música obtiene un mayor desarrollo y expansión. Desaparece la etiqueta de "Race Music" (música racial).

Sam Cooke, Ray Charles y James Brown son considerados comúnmente y a grandes rasgos los pioneros del género. Algunas de las grabaciones de Solomon Burke a finales de los años 1950 y principios de los60 en Atlantic como "Cry to Me", "Just Out of Reach" y "Down in the Valley", codificaron el estilo y le dieron algunas de sus bases. Es muy frecuente encontrar citas que proclaman el gospel secularizado de "I Got A Woman"(1954, Atlantic Records) de Ray Charles como el primer tema soul de la historia.

Amy Jade Winehouse (Londres, 14 de septiembre de 1983 – Ibídem, 23 de julio de2011), conocida como Amy Winehouse, fue una cantante y compositora británica de familia judía, conocida por sus mezclas de diversos géneros musicales, incluidos entre ellos el jazz, R&B, soul y ska. Fue conocida por su contralto, registro vocal que fue descrito como «acústicamente poderoso» y capaz de expresar «profundamente sus emociones».7

En 2003 Winehouse lanzó su álbum debut, Frank, que obtuvo críticas positivas y fue comercialmente exitoso en su país natal, el Reino Unido, y fue nominado por los premiosMercury Prize. Su segundo álbum de estudio, Back to black, fue publicado en 2006. Por este disco la cantante consiguió seis nominaciones a los Premios Grammy, de las cuales ganó cinco, entre ellas, Canción del año, Grabación del año y Mejor artista nuevo.

Este hecho condujo a Winehouse a obtener el récord de la primera mujer en ganar la mayor cantidad de reconocimientos en una sola noche y ser la primera artista británica ganadora de cinco Grammys. A su vez esto provocó que Winehouse estuviera en la mira de los medios, involucrándose con su agitada vida personal.8 9 10

En febrero de 2007, ganó el BRIT Award a Mejor Artista Británica. También ganó unWorld Music Award y tres Premios Ivor Novello, entre otros prestigiosos reconocimientos. Winehouse fue acreditada como una influencia detonadora en el ascenso de la popularidad de mujeres dedicadas a la música, de la música soul y por fortalecer a la música británica siendo una de las pocas cantantes de soul actuales que han influenciado fuertemente en la industria musical.

Winehouse recibió atención de los medios por causas ajenas a su voz. Su estilo distintivo, sus tatuajes y su peinado beehive, la convirtieron en motivo de inspiración para algunos diseñadores de modas como Karl Lagerfeld. Sus constantes problemas legales, su adicción a las drogas y al alcohol y sus complicaciones médicas derivadas de su comportamiento autodestructivo fueron fuente de titulares desde el año 2007. Fue encontrada muerta en su apartamento el  23 de julio de 2011 a los 27 años de edad, tras sufrir un colapso ante el síndrome de abstinencia. Esto se reveló meses después de su muerte, que en un principio fue asociada a sus múltiples adicciones. Su álbum Back to Black posteriormente se convirtió en el álbum más vendido del siglo XXI del Reino Unido.11 En 2012, Winehouse fue incluida en el número 26 en el listado de las «100 mejores mujeres en la música» de la cadena VH1

21: REGGAE

El reggae es un género musical que se desarrolló por primera vez en Jamaica hacia mediados de los años 1960. Aunque en ocasiones el término se utiliza de modo amplio para referirse a diferentes estilos de música jamaicana, por reggae se entiende en sentido estricto un género musical específico que se originó como desarrollo de otros anteriores como el ska y el rocksteady,'el reggae es un estilo de vida donde el que lo escucha se siente en una vibra relajante. El reggae se caracteriza rítmicamente por un tipo de acentuación del off-beat, conocida como skank. Normalmente, el tiempo del reggae es más lento que el del ska y el rocksteady.1 El reggae suele acentuar el segundo y cuarto pulso de cada compás, sirviendo la guitarra para poner o bien énfasis en el tercer pulso o para mantener el acorde desde el segundo hasta el cuarto. Es generalmente este "tercer beat", tanto por la velocidad como por la utilización de complejas líneas de bajo, lo que diferencia al reggae del rocksteady.

La edición de 1977 del Diccionario de inglés jamaiquino incluía "reggae" como "una expresión recientemente establecida para rege", equivalente a rege-rege, una palabra que podía significar

tanto "trapos, ropa andrajosa" como "una pelea o riña".2 El término reggae con un sentido musical apareció tanto en Desmond Dekker (famoso artista jamaicano anterior a Bob Marley) como en el hit rocksteady de 1968 "Do the Reggay" de The Maytals, pero ya se utilizaba en Kingston, Jamaica, para denominar una forma más lenta de bailar y tocar rocksteady. 3 El artista reggae Derrick Morgan expresa en este sentido:

No nos gustaba el nombre rock steady, así que probé diferentes versiones de "Fat Man". Cambió el ritmo, el órgano se utilizó para sorprender. A Byron lee, el productor, le gustaba. Él creó el sonido con el órgano y la guitarra rítmica. Sonaba como 'reggae, reggae' y ese nombre simplemente despegó. Byron Lee comenzó a utilizar la palabra (sic) y pronto todos los músicos estaban diciendo 'reggae, reggae, reggae'.4

El historiador del reggae Steve Barrow atribuye a Clancy Eccles la alteración del término patois streggae (mujer fácil), convirtiéndolo enreggae.5 Sin embargo, según Toots Hibbert:

Hay una palabra que solíamos utilizar en Jamaica llamada 'streggae'. Si una chica pasa y los chicos la miran y dicen 'tío, ella es "streggae"', eso significa que no viste bien, que se ve reggay (andrajosa). Las chicas dirían lo mismo de un hombre también. Esta mañana yo y unos amigos estábamos jugando y yo dije, 'vale tío, hagamos el reggay'. Fue solo algo que me vino a la cabeza. Así que empezamos a cantar 'do the reggay, do the reggay' (haz el reggay, haz el reggay) y creamos un beat. La gente me dijo después que le habíamos dado al sonido ese nombre. Antes de eso la gente lo llamaba blue-beat y todo tipo de nombres. Ahora está en el Libro Guiness de los Records.6

Se dice que Bob Marley atribuía como origen de la palabra reggae un término de castellano para referirse a la "música del rey"

Aunque poderosamente influenciada por la música africana tradicional, el jazz estadounidense y el primer rhythm and blues, el reggae es deudor directo en su origen de los diferentes desarrollos que tuvieron lugar en el ska y el rocksteady durante los años 1960 en Jamaica. Uno de los individuos que más contribuyeron a este desarrollo fue Count Ossie.8 9

El ska surgió en los estudios de Jamaica alrededor de 1959. Se desarrolló a partir del mento.10 El ska se carateriza por un tipo de línea de bajo llamado "walking bass" o "bajo galopante", ritmos de guitarra o piano acentuados en el offbeat, y en ocasiones riffs de viento similares a los del jazz. Además de ser muy popular dentro de la subcultura jamaiquina de los rude boys, hacia 1964 también había ganado una larga audiencia en la cultura mod inglesa.

Los rude boys comenzaron a poner deliberadamente los discos de ska a la mitad de velocidad, ya que preferían bailar más despacio como parte de su imagen de tipos duros.11 Hacia mediados de los años 1960, muchos músicos habían comenzado a tocar ska con ese tempo lento, al tiempo que ponían énfasis en el walking bass y los offbeats. El sonido más lento fue denominado rocksteady como consecuencia de un single de Alton Ellis. Esta fase de la música jamaiquina duró solo hasta 1968, cuando los músicos comenzaron a aumentar la velocidad de la música de nuevo, añadiendo también otros efectos.12 Ello condujo a la creación del reggae.

El reggae se desarrolló a partir del rocksteady en los años 1960. El cambio del rocksteady al reggae es ilustrada por el empleo delshuffle en el órgano, cuyo pionero fue Byron Lee. Este rasgo ya aparecía en algunos singles de transición como "Say What You're Saying" (1967) de Clancy Eccles o "People Funny Boy" (1968) de Lee "Scratch" Perry. El tema "Long Shot Bus' Me Bet" publicado por el grupo The Pioneers en 1967 es considerado como el ejemplo grabado más temprano del nuevo sonido que pronto sería conocido como reggae.13

Es hacia comienzos de 1968 cuando los primeros discos de reggae genuino fueron publicados: "Nanny Goat" de Larry Marshall y "No More Heartaches" de The Beltones. El hit "Hold Me Tight" del artista estadounidense Johnny Nash de 1968 ha sido reconocido como el primero en poner el reggae en las listas de éxitos de Estados Unidos.

The Wailers, una banda formada por Bob Marley, Peter Tosh y Bunny Wailer en 1963, son quizá el grupo más conocido que hizo la transición a través de las tres etapas la primera música popular jamaiquina: ska, rocksteady y reggae. Otros pioneros reggae incluyen aPrince Buster, Desmond Dekker y Jackie Mittoo.

En el desarrollo que llevó el ska hacia el rocksteady y posteriormente al reggae, fue fundamental la contribución de varios productores jamaiquinos. Entre los más importantes están Coxsone Dodd, Lee "Scratch" Perry, Leslie Kong, Duke Reid, Joe Gibbs y King Tubby.Chris Blackwell, que fundó el sello Island Records en Jamaica en 1960, se mudó a Inglaterra en 1962, donde continuó promocionando la música jamaiquina. Se alió a Trojan Records, fundado por Lee Gopthal en 1968. Trojan publicó discos de artistas reggae en UK hasta 1974, cuando Saga compró el sello.

En 1972, la película The Harder They Come, en la que actuaba Jimmy Cliff, generó un considerable interés y popularidad para el reggae en Estados Unidos, y la versión de Eric Clapton en 1974 del tema de Bob Marley "I Shot the Sheriff" ayudó a llevar el reggae al mainstream. Hacia mediados de los años 1970, el reggae recibía un considerable espacio en la radio inglesa, especialmente gracias al programa de John Peel. Lo que se conoció después como la "edad dorada del reggae" corresponde aproximadamente al apogeo del roots reggae.

En la segunda mitad de los años 1970, la escena de punk rock de Gran Bretaña comenzaba a formarse, y el reggae fue una importante influencia para ello. Algunos DJs de punk ponían canciones de reggae durante sus sesiones y numerosas bandas de punk incorporaron estas influencias reggae en su música. En Inglaterra el Reggae se expandió gracias a la nueva inclusión del género en la música de The Rolling Stones con mayor influencia desde 1974. Al mismo tiempo, el reggae comenzó una cierta recuperación en Inglaterra en los años 1980abanderada por grupos como Steel Pulse, Aswad, UB40 y Musical Youth. Otros grupos que recibieron interés internacional a comienzos de los 1980 fueron Third World, Black Uhuru ySugar Minott.

Robert Nesta Marley Booker (6 de febrero de 1945 – 11 de mayo de 1981), más conocido como Bob Marley, fue un músico, guitarrista y compositor jamaiquino. Durante su carrera musical fue el líder, compositor y guitarrista de las bandas de ska, rocksteady y reggae The Wailers (1964–1974) y Bob Marley & The Wailers (1974–1981). Marley sigue siendo el más conocido y respetado intérprete de la música reggae y es acreditado por ayudar a difundir tanto la música de Jamaica como el movimiento rastafari (del que era un miembro comprometido) a una audiencia mundial.2 Entre sus mayores éxitos se encuentran los sencillos "I Shot the Sheriff", "No Woman, No Cry", "Jamming", "Redemption Song" y, junto a The Wailers, "Three Little Birds", así como el lanzamiento póstumo "Buffalo Soldier". El álbum recopilatorio Legend, lanzado en 1984, tres años después de su muerte, es el álbum de reggae más vendido de la historia con 10 discos de platino en los Estados Unidos3 y 20 millones de copias en todo el mundo.

22: REGGAETON

El reggaeton (o reguetón) es un género musical procedente del reggae jamaicano con

influencias del hip hop, que se desarrolló por primera vez en Latinoamérica en los años 1970 y mediados de los años 1980, nace y surge a raíz de la comunidad jamaicana cuyos ancestros llegaron a Panamá, junto a inmigrantes de ascendencia afro-antillana durante el siglo XX.

El reggaeton se originó a partir de su predecesor el reggae en español. Después de este acontecimiento el reggaeton se siguió manteniendo tal y como el reggae originario deJamaica con los mismos instrumentos y las mismas melodías de voz pero con diferentes letras. Mientras que en Puerto Rico se usaban beats de reggae sobre bases de rap pero con letras y composiciones diferentes.

El término reggaeton es utilizado para englobar un amplio abanico de estilos que forman la música jamaicana que van desde el reggae eldancehall y el raggamuffin de origen latino.El témino fue acuñado por el productor panameño Michael Ellis a finales de los años 1980.La mayoría de los exponentes del reggaeton, eran de origen africano. Según la investigadora estadounidense Larnies Bowen: «No se puede tener reggaeton sin reggae en español. Primero fue el reggae de Jamaica, luego el reggae en español de Panamá, y de ahí llegó el reggaeton»

Realmente es una música que viene de Jamaica. Cuando en Panamá se construyó el Canal de Panamá vino mucha gente de Jamaica y trajeron su cultura con ellos. Yo vivía escuchando esa música junto a mis amigos, también cantándola, pero en español. Después comenzamos a grabarla en casete y los tocábamos en los autobuses públicos, así logramos hacer que esta música se pusiera de moda en Panamá. Formamos un grupo que se llamaba Renato y las cuatro estrellas; yo era una de esas estrellas. El requisito para estar en él era ser muy bueno improvisando, y como yo me hice experto en hacerlo, me pusieron «El General».

Los primeros artistas que comenzaron a tener repercusión en el reggae en español, como Nando Boom, Pocho Pan o El General, escribían letras pero mantenían los ritmos y melodías del reggae jamaicano, como muchos de los inmigrantes afro antillanos que llegaron al país para construir el tren y luego el canal interoceánico y atender el mercado bananero. Las raíces del reggaeton se remontan a la aparición del reggae en español en los guetos pobres de Panamá en los años 1970,4 3 luego fue introducido en Puerto Rico a finales de los años 1980 donde evolucionó y recibió su nombre actual. El reggaeton empieza como una adaptación del reggae jamaicano (y del posterior dancehall jamaicano) a la cultura hispana en Panamá.7

Los orígenes del reggaeton empezaron con las primeras grabaciones de reggae latinoamericanas hechas en Panamá durante los años 80. La influencia del reggae jamaicano en la música panameña ha sido muy fuerte desde principios del siglo XX, cuando importaron trabajadores de Jamaica para construir el Canal de Panamá. Artistas como El General, Chicho Man, Calito Soul, Nando Boom, Renato yApache Ness empezaron a cantar reggae en idioma español por primera vez. Era una práctica común traducir las letras del reggae de Jamaica al español y cantarlas en sus melodías originales, esta forma fue denominada reggae en español. Mientras tanto, durante la década del 90 el rapero de Puerto Rico, Vico C, lanzó discos de hip hop en español en su isla nativa. Su producción ayudó a extender el sonido del reggaeton, por lo cual se le da tanto crédito a este rapero. La extensión del movimiento del reggae en español en las comunidades latinoamericanas y en los centros urbanos de Estados Unidos ayudó a incrementar su popularidad.

Antes de que el estilo musical fuera llamado «reggaeton», era conocido como «reggae en español». Viajando a lo largo de los circuitos de los medios de comunicación, así como las redes de la diáspora. En los años 60 y 70 la música popular jamaicana, se había extendido en las comunidades de inmigrantes africanos en el Caribe, Estados Unidos y Gran Bretaña, el reggae llegó a lugares comoPanamá y Puerto Rico en su versión más tradicional, conocida como roots

reggae, de la cual el intérprete más destacado es el legendario Bob Marley. Afro-caribeños, muchos de ellos descendientes de inmigrantes provenientes de la isla de Jamaica habían estado tocando y grabando reggae en español desde al menos la década de 1970. Decenas de miles de jamaicanos se trasladaron a Centroamérica en busca de trabajo a finales del siglo XIX y principios del XX. Habiendo contribuido a la construcción del Canal, muchos se establecieron en la costa caribeña de Panamá, mantenimiento las conexiones culturales con Jamaica ya que algunos incluso adoptaron el español como su lengua nativa.

Vico C, uno de los pioneros del hip hop y el reggae puertoriqueño.

Los pioneros del género son varios, algunos antes fueron DJs y cantantes a la vez mientras que otros se fueron interesando con los cada vez más comunes concursos de talentos. La primera competencia de reggae, se realizó en el «Teatro Río», de Río Abajo, Ciudad de Panamá, en el mismo se presentaron los grupos Bachuto, Original C, Renato y las 4 estrellas, de las cuales una brillo con luz propia, este era Edgardo Franco, conocido hoy como El General, todos los participantes tocaban con el instrumental que cedía el profesor Edgardo Maloney. En esta competencia de reggae ganó el grupo Original C y segundo quedó el grupo de Renato y las 4 estrellas.

En 1984, Super Nandi, hermano de Rasta Nini con el grupo The Cheb, todos pertenecientes a la cultura rastafari, realizan la primera producción de roots reggae en español. Este álbum titulado Treatmen abarcó canciones como «Radio bemba» y «Crítica», temas que no llegaron al éxito luego de una censura debido a que algunas canciones tenían un contenido de críticas hacia la sociedad política del país. Y en esos tiempos, la libertad de expresión en Panamá era un poco agredida ya que las presiones del gobierno se debían a la dictadura que se avecinaba.

Luego en el año 1985, Leonardo Aulder conocido artísticamente como Renato, siendo cantante y DJ introduce el primer tema de reggaedancehall en español, «El Deni», inspirado en un tema de reggae jamaicano llamado «Police can do», pero al estilo panameño. Es a partir de este año que se revoluciona el reggae en español en todo Panamá. Esto inspira a nuevos intérpretes quienes han dejado cada uno un legado de temas del reggae dancehall que se plasmaron en la historia de la dictadura. A fines de la década de los 80, relucen Reggae Sam, Chicho Man, Pepito Casanova y la primera voz femenina del género, Carmelita Anderson. Durante este hecho, Nando Boom uno de los exponentes de la vieja escuela que habiendo comenzado su carrera musical en 1986, se da a conocer internacionalmente junto a El General, Gringo el Original y El Profeta en 1990, desde Brooklyn, Nueva York, llevando el género al mundo.

Durante los años 1990 cantantes y DJs de las Islas Virgenes se trasladan a Puerto Rico y comienzan a ejecutar su música por todo Puerto Rico. Jomo Pemberton, The Jah Seeds Band y The Zioniers Band fueron algunos de los más notables. Randy Freeman crea la primera banda de roots reggae en la isla borincana. Fue durante esa época que la escena de reggae boricua se establece para quedarse. Algunas agrupaciones logran gozar de buena aceptación en Puerto Rico, Islas Virgenes, Latinoamérica y en Estados Unidos, estas fueron: Cultura Profetica, Vico C, Millo Torres & El Tercer Planeta, Filosofía y Gomba Jahbari. Este éxito se debe a que hubieron producciones discograficas importantes que se lanzaron tales como: «Ideas nuevas» de Cultura Profetica, «Sonando realidad» de Millo Torres, «El ciego de los goyos» y «Naturalistico» de Filosofía, «Sentemonos» de Gomba Jahbari y «Explosión» de Vico C. La infuencia del reggae panameño y de las Islas Virgenes se nota de inmediato en el reggae boricua, pero hay características que los distinguen como arreglos de vientos y progresiones de acordes más complejas.

El reggaeton se basa en un estilo rítmico caracterizado por cortes regulares sobre una música de fondo tocada por la batería conocida como «beat», la guitarra, que se toca en el tercer tiempo de cada compás y una constante línea de bajo, tocado por el bajo eléctrico, acompañado por diversos riddim, que sirven de apoyo en diferentes estilos como el roots reggae o el dancehall, estos riddim tienen una sincronización característica por la cual se guían la mayoría de las canciones. El reggaeton, como su antecesor, el reggae en español, tiene ciertas características influido por otros estilos que se escuchan en Jamaica, basándose en sonidos afro-caribeños como el calipsoy otros ritmos antillanos.

23: POP

La expresión música pop (del inglés pop music, contracción de popular music) hace referencia a una combinación de distintos géneros musicales1 2 altamente populares dentro de una sociedad. Este tipo de música es hecha básicamente para ser comercializada. Comenzó durante los años 50.

El Diccionario de la lengua española define «pop» como «un cierto tipo de música ligera y popular derivado de estilos musicales negros y de la música folclórica británica», siendo el término procedente del inglés pop, un acortamiento de popular (popular).

Los autores y estudiosos de música David Hatch y Stephen Millward definieron la música pop como: «un cuerpo de la música, el cual es distinguible de lo popular, jazz y músicafolk».

Mientras que la música pop, como género, suele ser vista como un estilo existente y en desarrollo por separado.

El término canción pop se registró por primera vez en 1926, usado en el sentido de una pieza musical «que tenga atractivo popular».

A partir de la década de 1950, el término «música pop» se ha utilizado para describir un género distinto, destinado a un mercado joven, a menudo caracterizado como una alternativa suave al rock and roll.

A raíz del auge de los artistas británicos de la conocida como invasión británica, alrededor de 1967, el término fue utilizado cada vez más en oposición al concepto de música rock, para describir una forma musical más comercial, efímera y accesible.

Aunque la música pop a menudo vista como orientada a las listas de ventas de sencillos, como género no consiste simplemente en la suma de todos los éxitos musicales, que ha contenido siempre canciones procedentes de una variedad de fuentes, entre ellas la música clásica, el jazz o el rock, mientras que la música pop como género es generalmente contemplado con una existencia y desarrollo separado. Los musicólogos suelen identificar una serie de características como típicas del género de música pop: un enfoque en canciones individuales o sencillos (singles), en lugar de en obras extensas o álbumes; el objetivo de atraer a un público general, en lugar de dirigirse a una sub-cultura o ideología; una preferencia por la artesanía por encima de cualidades formales artísticas; cierto énfasis en la grabación, producción y tecnología, antes que la actuación en vivo; y una tendencia a reflejar las tendencias existentes en lugar de a los desarrollos progresivos.

El principal elemento de la música pop es la canción, a menudo entre dos y medio o tres minutos y medio de duración, en general, marcada por un elemento rítmico constante y notable, un estilo culturalmente establecido y una estructura tradicional y simple. Las variantes más comunes son el verso-coro y la forma de treinta y dos compases, con una especial atención a las

melodías pegadizas y un coro que contrasta melódica, rítmica y armónicamente con el verso.1 El ritmo y las melodías tienden a ser sencillos, con un acompañamiento armónico limitado.  Las letras de las canciones pop modernas se centran típicamente en temas simples, a menudo el amor y las relaciones románticas, aunque hay también notables excepciones

Según la opinión del crítico de rock y sociólogo británico Simon Frith, la música pop se produce «como una cuestión de empresa, no de arte… está diseñado para atraer a todo el mundo» y «no proviene de ningún lugar en particular o marca ningún gusto particular». No está «conducida por ninguna ambición significativa, excepto el lucro y la recompensa comercial… y, en términos musicales, es esencialmente conservadora». Es «provista siempre desde lo alto (por las compañías discográficas, programadores de radio y promotores de conciertos) en lugar de estar hecha desde abajo... El pop no es una música “hecha por uno mismo”, sino que es profesionalmente producida y envasada.

24: POP LATINO

El pop latino es la denominación que recibe la música latina del género de música pop. Esto incluye fundamentalmente a aquellos artistas originarios de Latinoamérica, España,Italia y Portugal.

Muchas veces se asocia el concepto Pop latino como Pop hispanoamericano, lo que puede generar confusión.

La principal corriente es la música pop en español, la cual es una línea seguida desde elbolero y la balada —género por excelencia de los latinoamericanos—, caracterizada por sus letras de amor y suave compás. Algunos de los cantantes de pop latino más importantes en la actualidad son Shakira, Thalía, Juanes, Paulina Rubio, Ricky Martin,Alejandro Sanz, Belinda, Gloria Trevi, Enrique Iglesias, Miguel Bosé, Julieta Venegas,Laura Pausini y Chayanne. También se encuentran artistas como Luis Miguel, Rocío Dúrcal, Camilo Sesto, Selena, Cristian Castro,y Yuri. Cabe señalar, que este género ha tomado sus prestaciones de las variables anglosajonas de la época como el soft rock. La cantante estadounidense Christina Aguilera ha tenido muy buena aceptación en el pop latino con su único álbum en español Mi Reflejo a pesar de ser lanzado en el 2000, álbum que todavía sigue teniendo popularidad.

También se habla de pop latino en relación a los ritmos latinoamericanos o ibéricos adaptados con el fin de convertirse en un producto que pueda ser oído más allá de su público tradicional. Desde los años 1950, ya se hacía esta práctica con el fin de penetrar en el mercado norteamericano. Uno de los ejemplos más notables es el éxito de Dámaso Pérez Prado en los Estados Unidos. En los años 1990 se intensificó dando privilegios a los sonidos más atractivos para el público panamericano, pero no hay un estilo que se quede detrás: banda, cumbia, flamenco,merengue, norteña, salsa, samba, vallenato, tango, tex-mex, etcétera. Un caso notables es Carlos Vives quien hizo de la música tradicional colombiana un producto pop, así como el grupo Bacilos, ya separado.

25: RAP

El rap es un tipo de sprechgesang o recitación rítmica de rimas y juegos de palabrassurgido a mediados del siglo XX entre la comunidad afroamericana de los Estados Unidos. Es uno de los

cuatro pilares fundamentales de la cultura hip hop, de ahí que a menudo también se lo llame metonímicamente (y de forma imprecisa) hip hop. Aunque puede interpretarse a capella, el rap va normalmente acompañado por un fondo musical rítmico conocido con la voz inglesa beat. Los intérpretes de rap son los MC, "Maestro de Ceremonias". En el año 2010 en la Republica Bolivariana de Venezuela, nacio una cultura de juventudes llamada EPATU (Escuela Popular de las Artes y Tradiciones Urbanas) en pro de la cultura urbana enfocada con un mensaje social que lastimosamente en estos ultimos años ha perdido su esencia y se ha proliferado de los llamados "sifrinos" o "tukys" y toda clase de autodenominados Raperos que han puesto por el suelo esta cultura de las Calles, siendo esto para muchos cultores y conocedores del genero como una verdadera verguenza nacional, ya que el contenido de la mayoría de sus letras están cargadas de mensajes sexuales, políticos y degradantes que dejan entedicho su "seriedad" en la sociedad, asi como también sus vestimentas, dialecto y comportamiento estan creando ant valores muy negativos a la juventud, salvo los casos de verdaderos MC como Cancerbero, La Zaga, MCklopedia, Lil Supa, Niga Sibilino, Rekeson entre otros, que han sacado la cara por el Pais Caribeño.

La palabra inglesa flow (“flujo”), se utiliza para referirse a los ritmos (cadencia) creados por palabras y sílabas por encima del beat, o sea, es la forma que tiene cada Mc para adaptarse al beat, o instrumental, así como la interacción del esquema o patrón de rimas con el ritmo de fondo. A veces se consideran parte del flow matices tales como la altura, el timbre y el volumen. Hay muchos tipos de flow, que son diferentes por cada persona, acento o lugar de residencia. Muchas veces, el flow determina la soltura o nerviosismo que puede tener el Mc (Sobre todo en las "batallas de Gallos") durante el rapeo. Si a una persona se le nota y escucha con mucha soltura, entonces no está nervioso y se dice que “está flotando la base”. Eso es tener buen flow. En cambio si se escucha que el flow está muy “acartonado” y no es tan dinámico, puede que esté nervioso y se le denomina “flow cuadrado”. A veces el “flow cuadrado” es el flow del Mc, y, por lo tanto, no tiene nada que ver con los nervios.

26: HEAVY METAL

El origen del heavy metal se remonta a finales de los años 60 y principios de los años 70, impulsado por varios grupos de la época que fueron incorporando mayor potencia y densidad a su música, gracias a los avances técnicos en la amplificación. Entre aquellos pioneros figuran nombres como Blue Cheer, Cream, The Jimi Hendrix Experience, Iron Butterfly, Steppenwolf, Vanilla Fudge, Deep Purple, Budgie,Rush, Uriah Heep, Buffalo, Lucifer's Friend, Mountain, Sir Lord Baltimore, Thin Lizzy, Pentagram, Judas Priest, Scorpions, Led Zeppelin,UFO, Blue Öyster Cult, Alice Cooper, MC5, The Stooges, The Amboy Dukes, Bedemon y, principalmente, Black Sabbath. Éstos comprenden la primera generación de grupos que formaron un sonido propio a partir del rock progresivo, el blues rock y, sobre todo, elrock psicodélico dominante de la década.

Antecedentes (mediados de los años 60)

La música blues estadounidense tuvo una gran influencia en los primeros grupos de rock and roll británicos, como The Rolling Stones y The Yardbirds, que grabaron versiones de los clásicos del blues con guitarras eléctricas, en lugar de guitarras acústicas como en las versiones originales. Además, estos grupos en ocasiones subían el tempo. Todo esto, junto a las adaptaciones similares de otros géneros afroamericanos de música, formaron la base del primer rock and roll, como el de Elvis Presley o el de Chuck Berry.d

Como consecuencia de este experimento musical, estas bandas británicas basadas en elblues desarrollaron un género de guitarras distorsionadas y sonidos altos, construidos alrededor de poderosos acordes.7 The Kinks jugaron un importante papel en popularizar este nuevo sonido con su éxito «You Really Got Me» de 1964.8 El emergente sonido distorsionado de guitarras fue facilitado por la nueva generación de amplificadores y pedales de efectos como el Fuzz' Tone, con el que experimentaron guitarristas como Dave Davies(The Kinks), Pete Townshend (The Who) y Jeff Beck.9 Influencias anteriores incluyen a Vanilla Fudge, que hacían cancionespop "psicodelizadas" y más lentas, al igual que los primeros hard rockers británicos como The Who y Fleetwood Mac, quienes prepararon el camino para el heavy introduciendo estilos de percusión más agresivos en el rock and roll.

Los estilos de batería del blues rock, basados en baterías pequeñas y simples, fueron sustituidos por una técnica más compleja y sonora para poder equipararse con el volumen de las guitarras amplificadas.10 De manera similar, los vocalistas modificaron su técnica e incrementaron su dependencia con la amplificación, a menudo consiguiendo voces más estilizadas y dramáticas. Un claro precedente de esta estilización vocal fueron los modos operáticos del shock rocker inglés Arthur Brown con su grupo The Crazy World of Arthur Brown, en temas como «Nigthmare» y «Fire», de 1968. Simultáneamente, los avances en la tecnología de amplificación y de grabación permitieron capturar la dureza de este sonido en una grabación.

La combinación del blues rock con el rock psicodélico de Mountain, Steppenwolf, Iron Butterfly y Blue Cheer formó gran parte de la base original del heavy metal. Blue Cheer se consagró como la primera banda de heavy metal gracias a la publicación de sus dos más importantes trabajos en 1968: el álbum Vincebus Eruptum, publicado en enero y cuyas críticas favorables le valieron el puesto #11 en elBillboard 200; y el álbum Outsideinside, publicado en agosto del mismo año. Una de las bandas más importantes en fusionar estos géneros fueron los británicos Cream, quienes ejemplifican el concepto de power trio (bajo, guitarra y batería), que se posteriormente convertiría en habitual dentro del heavy metal.11 Sus dos primeros LP, Fresh Cream (1966) y Disraeli Gears (1967), son vistos como prototipos esenciales del futuro género.

El disco debut de The Jimi Hendrix Experience, Are You Experienced (1967), también tuvo gran influencia. La técnica de Hendrix, con su guitarra de blues rock amplificada, ha sido emulada por muchos guitarristas. La canción más exitosa del álbum, «Purple Haze», es identificada por algunos como el primer hit del heavy metal.7 En 1968, The Beatles lanzaron su disco homónimo, que incluye la canción «Helter Skelter», que es considerada también como una de las primeras canciones de heavy metal. En 1968, las canciones «Summertime blues» (Blue Cheer), «In-A-Gadda-Da-Vida» (Iron Butterfly) y «Born to Be Wild» (Steppenwolf) sirvieron como puente entre la metamorfosis del rock psicodélico y el heavy metal.

27: GLAM METAL

Inspirados por el éxito de Van Halen, una escena glam empieza a crecer en el sur de California, especialmente en Los Ángeles, durante finales de los 70. Basada alrededor de los clubes de Sunset Strip, grupos como Mötley Crüe, Ratty W.A.S.P. fueron influidos por el glam rock, hard rock y el heavy metaltradicional de principios y mediados de los 70 e incorporaron coros,la puesta en escena (y a veces el maquillaje) del shock rock de grupos comoAlice Cooper y Kiss.26 Estos grupos de glam metal se abrieron hueco en la escena heavy en particular y en la música rock and roll en general. En España destacaron grupos glam metal como Niágara, Sangre Azul o Bella Bestia.

Los artistas de glam metal no se vestían con la indumentaria clásica del artista de heavy metal impulsada por Judas Priest, sino que poseían un estilo más glamouroso: pantalones y

chaqueta de cuero frecuentemente coloridos, botas tejanas, pañuelos en la cabeza, pelo largo y rizado hasta la extravagancia, y uso frecuente de maquillaje.27

A mediados de los 80, el glam metal dominaba las lista de ventas de EE.UU. La música en televisión y el circuito de concierto. Nuevos grupos como Bon Jovi o Poison atraían cada vez a más gente, mientras que las agrupaciones Mötley Crüe y Ratt mantenían sus éxitos. Otros grupos exitosos fueron Cinderella, White Lion, Skid Row, Tesla, Stryper, Warrant.

En 1987, la MTV presenta el programa Headbanger's Ball, dedicado exclusivamente a vídeos de grupos glam metal. Sin embargo, entre el público de música heavy comienzan a surgir facciones, con seguidores de un heavy metal más underground y sonido más extremo que despreciaban el heavy más popular calificándolo despectivamente como light metal o hair metal.28 Para estos seguidores, el glam metal no podía considerarse heavy metal debido a que su estructura musical no está basada en el género, ya que estaban arraigados por igual a lo que fue el glam rock de los 70s.

En 1985, el comité Parents Music Resource Center (PMRC) intentó censurar a la música heavy metal y glam metal y a muchas otras corrientes musicales (como el Rap), ya que la denominaba obscena, muy ruda y no digna de ser escuchada por menores de edad. La PMRC se enfrentó a tres músicos de la época: Dee Snider de Twisted Sister, Frank Zappa y John Denver. En esta confrontación, Dee Snider dijo que en sus discos se podían poner etiquetas advirtiendo del tipo de letras que en la música había. Finalmente, 19 discográficas acordaron añadir la etiqueta Parental Guidance: Éxplicit Lyrics (que significa ‘aviso a los padres: letras explícitas’) en los discos que se encontrasen letras con contenido explícito.29

Metal underground (años 80 hasta principios de los 2000)

.De los años 80 hasta principios de 2000 la evolución musical del heavy metal provocó la creación de numerosos subgéneros que se popularizaron30 tomando entidad propia, lo que provocó que se desarrollara un término contemporáneo31 para englobarlos con la misma función que venía cumpliendo el término heavy metal, y fue la contracción derivada de éste (metal); por lo que hoy en día el términoheavy metal se conoce como el subgénero desarrollado por las bandas de los 70.32 De esta forma, el metal engloba hoy a distintosgéneros musicales que presentan características comunes, incluyendo al propio heavy metal.

28: DOOM METAL

El doom metal se caracteriza por la incorporación de riffs graves cargados de fuertes distorsiones, en comparación con otros géneros del heavy metal, el Doom enfatiza la melodía, los tempos oscuros y el ambiente pesado, a diferencia de la creencia popular, el estilo del doom metal no consiste en tocar lento sino en crear melodías muy densas y pesadas que pueden llegar a ser incluso intensas y dinámicas como el estilo musical de bandas de talla comoPentagram.

El sonido doom metal, así como sus letras, tiene sus raíces en los primeros álbumes de Black Sabbath y de otros contemporáneos como Blue Cheer, Bang,Black Widow, Pentagram, Bedemon, Witchfinder General, Death Row y The Obsessed, entre otros en lo que se denomina proto doom. The Melvins también tienen una influencia significativa en el doom metal y sus sub-géneros, de hecho todos los demás sub-géneros del metal parten del doom gracias a la influencia directa que ha tenido Black Sabbath en la música, gracias al estilo musical deTony Iommi y las líricas de Geezer Butler.34

El movimiento doom metal surge como tal a mediados de los 80 con grupos como Saint Vitus, Trouble y Candlemass. Este género acaba dando lugar a derivaciones, como el traditional doom, epic doom y el sludge doom.

En 1991, el grupo británico Cathedral publica Forest of Equilibrium, creando lo que sería una nueva ola de doom metal. Durante ese mismo periodo, la fusión del death/doom de fines de los 80 de grupos como Dream Death, diSEMBOWELMENT y Winter influyó el estilo de grupos como Paradise Lost, Katatonia (en sus principios), My Dying Bride y Anathema quienes hacen surgir el metal gótico en Europa. Mientras tanto, grupos como Theatre of Tragedy y Tristania ejemplifican a las bandas con dos voces, masculina y femenina yType O Negative introduce este género en EE. UU.

En la actualidad, el doom metal es un subgénero vivo que explora fusiones con diversos géneros musicales como el jazz (The 3rd and the Mortal), el noise (Boris) y que ha creado nuevas variantes como el funeral doom, el black/doom o el drone doom. De la misma manera, hay grupos, como Reverend Bizarre, que se mantienen en sus raíces más puras.

En EE. UU., el sludge metal nace a finales de los 80 como mezcla del proto doom y el hardcore punk. Eyehategod, Down y Crowbar (la llamada generación NOLA) lideran la escena sludge de Luisiana. A principios de los 90, los californianos Kyuss y Sleep, inspirados por los primeros grupos de doom metal, encabezan el movimiento stoner metal,35 mientras que en Seattle, grupos como Earth desarrollan el subgénero drone metal.36

A finales de los 90 aparecen grupos como Goatsnake y Sunn O))) que mezclan doom, drone y dark ambient. El New York Timescompara su sonido con «una raga india en medio de un terremoto».37 En 2006, Mastodon, con un estilo difícil de clasificar que mezclaprogresivo y sludge, entra en top 40 de la lista Billboard con el álbum Blood Mountain.

En la misma época de finales de los 90 la banda finlandesa Reverend Bizarre (inspirados por los Cuatro Grandes del doom Pentagram,Trouble, Saint Vitus y Witchfinder General) deciden crear en agosto de 1999 el Circle Of True Doom o C.O.T.D. junto a The Gates of Slumber, While Heaven Wept y Solstice con la intención de mantener viva la tradición del doom metal más purista o doom tradicional.

29: SPEED METAL

El speed metal nació entre finales de los 70 y a principios de los 80, y se caracterizó por bandas de heavy metal que aceleraban su sonido usando tiempos más rápidos que en el heavy metal tradicional, logrando un sonido limpio y preciso, a la vez que más pesado. Este sonido fue explícitamente impulsado por la NWOBHM y el sonido de diferentes bandas de finales de los 70s, como lo fueMotorhead.

Aunque no existen bandas exclusivamente de speed metal en el mundo (debido a que el género no tuvo una escena musical propia), hay bandas que pueden ser clasificadas dentro del género en cuanto a su sonido, como Anvil, Judas Priest, Motörhead, Accept, Slayer,Exciter, Running Wild, Venom, V8, los primeros Helloween o X Japan.

Entre algunos de los más destacables álbumes que se pueden catalogar como speed metal se podría citar a Restless and Wild deAccept, Painkiller de Judas Priest (considerado la quintaesencia del género), Walls of Jericho de Helloween o el Rust in Peace deMegadeth, entre tantos otros.

El speed metal, si bien no es considerado como un género en sí por algunos críticos, es considerado por muchos como una pieza fundamental en la evolución del heavy metal tanto en los años 80 como en los 90, dando origen al thrash metal y al power metalposteriormente desarrollados.

30: THRASH METAL

El thrash metal surgió a principios de los 80 a raíz del speed metal y bajo la influencia de la nueva ola del heavy metal británico, con gran influencia de la agresión y energía de lo que se conocía como hardcore punk en la escenaestadounidense.38 El movimiento empezó en Estados unidos, especialmente en el área de la Bahía de San Francisco, en lo que se conoció como la Bay Area thrash metal. El sonido que desarrollaron los grupos thrash era más rápido y agresivo, incrementando la distorsión de las guitarras eléctrica y utilizado la técnica de scratching (‘raspado’, con la púa).

Este subgénero fue popularizado en los 80 por los llamados Big Four of Thrash Metal (‘Cuatro grandes del thrash metal’): Metallica, Anthrax, Megadeth, ySlayer.39 Cuatro grupos alemanes, Kreator, Sodom, Destruction y Tankardjugaron un papel central al llevar este género a Europa, dando inicio al thrash metal alemán, los cuales también serían una gran influencia para el metal extremo. Bandas como Pantera, Exhorder y otras bandas dieron gran ayuda en que el subgénero se mantuviera vigente en los años 90, llevando a este a otro nivel de agresión.

Los grupos líderes del movimiento empezaron a tener cada vez mayor audiencia. Metallica metió el thrash en el top 40 de la lista Billboard en 1986 con Master of Puppets, dos años después, el disco ...And Justice for Allalcanza el número seis, mientras que Megadeth y Anthrax entran también en la lista.40

Aunque con menos éxito que el resto de los Big Four, Slayer publicó uno de los discos definitivos del género: Reign in Blood (1986), descrito por Kerrang! como «el álbum más heavy de todos los tiempos» y, por lo tanto, el mejor álbum deSlayer y que queda inmortalizado porque genera una pauta o estándar para elthrash.41 Dos décadas más tarde, la revista Metal Hammer lo nombra el mejor álbum de los últimos veinte años.42 Grupos como Nuclear Assault, Testament,Exodus u Overkill también tuvieron influencia en el género.

A principios de los 90, el thrash alcanzó el éxito comercial.43 El llamado álbum negro (The Black Album, 1991) de Metallica es número uno de lista Billboard, Countdown to Extinction (1992) de Megadeth alcanza el número dos y Anthrax y Slayer llegan al top 10. Otras bandas del género también alcanzan grandes éxitos, como Pantera con Cowboys From Hell (1990), Vulgar Display of Power (1992) y demás álbumes; En 1994 lanzan Far Beyond Driven que alcanza el primer puesto. También Testament y la banda brasileña Sepulturaque se sitúan entre los 100 más vendidos.

A partir de los años 2000 el thrash metal vuelve a cobrar cierta fuerza gracias a bandas como Violator, Evile, Avenger of Blood,Warbringer, Municipal Waste, Toxic Holocaust, Fueled By Fire, Suicidal Angels, Omission y demás bandas del nuevo movimiento estadounidense, y además gracias al retorno de muchas bandas clásicas.

31: DEATH METAL

El movimiento death metal surgió a mediados de los años 80s, encarnado por grupos tales como Possessed, Death, Obituary o Morbid Angel. Éste subgénero adoptó posiciones más extremas y agresivas en cuanto a la potencia a la hora de ejecutar su música. El death emplea la

velocidad y la agresividad del thrash metal fusionados con letras acerca de violencia, muerte, enfermedades y la destrucción.44 Los vocalistas de death metal típicos utilizan vocalizaciones tenebrosas, incluso guturales (llamadas death metal growls) combinadas con voces graves y otras técnicas poco comunes como el death metal grunt y el pig squeel.45 Las guitarras poseen más distorsión en tonos graves y oscuros44 y la percusión es extremadamente más rápida y agresiva. Los cambios frecuentes de tempo también son comunes en éste subgénero.

Una hipótesis dice que el nombre del género proviene del título de la canción «death metal» del disco Seven Churches, de Possessed.[cita requerida] Otros consideran que el nombre del género se debe al título de lademo de los pioneros Death «Death by Metal».

Deicide y Morbid Angel, junto con Death, y Obituary, fueron los líderes de la escena death metal nacida en Florida a fines de los 80. En el Reino Unido surgieron grupos estrechamente relacionados con el grindcore, liderados por Napalm Death, Extreme Noise Terror yCarcass.44 En Escandinavia se desarrolla una importante escena death con grupos como Entombed y Dismember.

En la última década ha sufrido innovaciones que han creado a su vez nuevos subgéneros. Así, podemos mencionar el death metal tradicional, el death metal melódico con exponentes como In Flames, At the Gates, Amon Amarth, Arch Enemy, Children of Bodom oDark Tranquillity, el death metal técnico con exponentes como Atheist, Decapitated, Fleshgod Apocalypse, Necrophagist o Cryptopsy, eldeath metal progresivo con grupos como Opeth o Septic Flesh y el brutal death metal, en el que destacan Aborted, Devourment,Suffocation, Cannibal Corpse y Disgorge.

El death metal más puro también ha influido de manera importante en la aparición del grindcore, por ejemplo con grupos como Napalm Death, Carcass (en sus comienzos) o Terrorizer.

32: WHITE METAL O METAL CRISTIANO

El metal cristiano, también conocido como white metal, comprende todas las bandas de metal cuyos integrantes llevan una relación activista con el cristianismo. No es un estilo musical ni un movimiento en sí mismo, aunque si existan movimientos relativos a él.

El término nació a principios de la década de los 80, y es un género que no se diferencia musical o sonoramente de los demás géneros del metal; la diferencia está en las letras, que son de carácter cristiano, ya sea bíblico, evangélico, escatológico, etc. El metal cristiano nace en los 70 con bandas de hard rock como Resurrection Band, de Estados Unidos, y Jerusalem, de Suecia, pero la primera banda de heavy metal cristiano propiamente dicho fue Stryper, en 1984, quienes fusionaban hard rock, heavy metal y glam metal. A partir de esto se dio una gran explosión de bandas de heavy metal, como Bride, Barren Cross y Bloodgood, llegando al thrash metal conTourniquet, Believer y Mortification en los 90, el metalcore en los 2000 con Underoath y el metal industrial también en los 2000 conSkillet.

33: BLACK METAL

El black metal es un género que nace a partir del thrash metal (al igual que eldeath metal), combinando su agresividad y potencia con un toque más oscuro y sombrío en su sonido. Dentro de este género varía considerablemente en estilo y calidad de producción, aunque la mayoría de

grupos enfatizan las voces muy agudas (llamados shriek) en contraste con voces muy graves (casi guturales), las guitarras altamente distorsionadas y una atmósfera oscura.45 Fenriz, batería de Darkthrone, explica «hay que hacer algo con la producción, las letras, la manera en que se visten y un compromiso para hacer un material desagradable, crudo y sombrío. No hay un sonido genérico».46 La temática satánica es común en el black metal, aunque muchos grupos toman inspiración del antiguopaganismo, promoviendo un retorno a los valores precristianos.

El origen del término «black metal» proviene del título del álbum Black Metal del grupo Venom.[cita requerida]

La primera ola de black metal nace en Europa a principios y mediados de los años 80, bajo la influencia del sonido de bandas de heavy metal lideradas por los británicos Venom, los suizos Hellhammer(posteriormente Celtic Frost) y los suecos Bathory. A finales de los 80, grupos noruegos como Mayhem, Burzum, Darkthrone y Emperorencabezaban una segunda oleada de black metal, la cual pronto fue conocida como el movimiento del black metal noruego.48 En 1992, la escena black emerge en áreas fuera de Escandinavia, en países como Alemania, Francia y Polonia

A principios de los 90 algunos grupos de la escena black metal, en especial los del área escandinava, son asociados con la violencia.50Varios miembros de Mayhem, Burzum, Gorgoroth, Darkthrone y Emperor son acusados de quemar iglesias y de satanismo, en lo que la prensa llamó el Inner circle. En 1993, el asesinato de Euronymous, guitarrista de Mayhem, por Varg Vikernes, miembro del grupo Burzum, tiene una amplia cobertura por parte de los medios informativos

En 1996, cuando muchos piensan que el género se está estancando, muchos grupos clave, incluidos Burzum y Beherit, evolucionan hacia un sonido más ambiental, el llamado dark ambient, mientras que el black metal sinfónico es explorado por la banda sueca Tiamat y la banda suiza Samael.

A finales de los 90 e inicio de los 2000, Cradle of Filth y los noruegos Dimmu Borgir consiguen acercar el black metal al circuito comercial.

De la fusión del black metal con música tradicional se derivan subgéneros como el viking metal. El viking metal es una fusión de black metal con música escandinava o celta, como gaitas, whistles, flautas, violines o acordeones.

34: POWER METAL

A mediados de los 80, la escena power metal nace a partir del speed metaly como reacción a los sonidos death y black metal.56 Aunque en EE. UU. permanece como sonido relativamente underground, el power metal alcanza una gran popularidad en Europa y Japon.

Se centra en una música más rápida con melodías épicas y temas que «apelan al sentido del valor y la belleza del oyente», toman temas de fantasia, guerras e historias medievales. Fue influenciado igualmente por la banda de heavy metal Dio.57 El prototipo de este sonido, establecido a mediados y finales de los 80, lo marcan los alemanes Helloween con su álbum Walls of Jericho, en el cual muestran un nuevo tipo de speed metal más melódico de lo normal que se consideraría como el primer álbum del género, pero no fue hasta su siguiente álbum Keeper Of The Seven Keys Part 1 el que se muestra un power metal más puro y perfeccionado en el que combinan poderosos riffs, un enfoque melódico y un estilo de agudos «limpios» de grupos como Iron Maiden58 y Judas Priest59 junto a la velocidad y la energía del speed, «cristalizando los ingredientes sónicos en lo que ahora es conocido como power

metal».60 Los neoyorquinos Manowar y Virgin Steele fueron grupos pioneros en este género en los EE.UU[cita requerida]. El disco Rising Force (1984), de Yngwie J. Malmsteen, fue crucial en la popularización del género de guitarra eléctrica ultrarrápido conocido como shred, así como para fusionar el heavy con elementos de la música clásica, hecho que influyó considerablemente en el desarrollo del power metal.

Muchos grupos de power metal como Angra, Dragonland, Rhapsody of Fire, Fairyland o Stratovarius utilizan una base de teclados, usando algunas veces orquestas y cantantes de ópera, creando un subgénero propio que se denomina power metal sinfónico.

En los 90 el power metal alcanzó una gran popularidad, especialmente en Europa, con bandas como Gamma Ray, Blind Guardian,Sonata Arctica, Stratovarius, Hammerfall, Edguy, Helloween y Dream Evil. Este género también tiene muchos seguidores en Japón ySudamérica, donde nacen grupos como Galneryus, los brasileños Angra o los argentinos Rata Blanca, respectivamente.En España se unieron al género nombres como Avalanch,Ankhara y posteriormente Warcry, Red Wine y Adgar.

35: METAL PROGRESIVO

Muy relacionado con el power metal está el metal progresivo, que mezcla el heavy metal, hard rock y bandas de rock progresivo, en una mixtura de tendencias e influencias que abarcan por ejemplo a agrupaciones tan diversas como Rainbow,Rush, King Crimson, Iron Maiden, Pink Floyd, Genesis, Yes, etc. Se caracteriza por la capacidad técnica de los músicos y por las melodías que le imprimen a las canciones. También es usual que, tal como fue costumbre con los discos de rockprogresivo (gentle giant)años 70', los discos de este género sean conceptuales y de canciones de larga duración divididas en capítulos o partes y además por sus variaciones en la métrica o agógica de tiempo.

Este género se crea en Estados Unidos a mediados y finales de los años 80, de manos de grupos como Queensrÿche, Fates Warning y Dream Theater.61 En 1990, Queensrÿche obtiene un triple disco de platino gracias a su álbum Empire. La mezcla entre metal progresivo y power metal está representada por la banda de Nueva Jersey Symphony X.

36: FOLK METAL

El folk metal es un subgénero del metal, relativamente pequeño y no muy fácil de diferenciar. Su peculiaridad es la influencia de elementos folk sobre una base normalmente metálica, que puede dar paso a la de black metal clásico (aunque a veces esta base es deblack metal sinfónico) y en ocasiones a la de death metal. La temática varía dependiendo la vertiente, ya sea de la tradición tanto vikinga, eslava, prehispánica como celta, pero lo usual es que hablen del orgullo de la región de la que proviene la banda, siempre exaltando las tradiciones y sonidos del país en cuestión. Los instrumentos más comunes suelen ser gaitas, silbatos, flautas, acordeones, violines o arpas de boca que acompañan a instrumentos básicos del metal, como la guitarra, la batería, el bajo o el teclado.

Un posible origen de la temática del folk metal, está en la incorporación de melodías indígenas-americanas en temas de grupos de rockácido o rock psicodélico, como The Doors. Las bandas más reseñables de este género parten de Escandinavia, donde este género goza de gran popularidad con bandas como Finntroll, Korpiklaani, Moonsorrow o Kivimëtsan Druidi, Eluveitie

37: METAL SINFÓNICO

El metal sinfónico como género, toma la mayor parte de su base musical del metal gótico temprano, del power metal (gran parte de sus grupos exponentes), del doom metal y de la música clásica.

Los teclados en el metal sinfónico juegan el papel más importante y son el foco del género alrededor del cual el resto de la música se centra. Mientras la mayor parte de los instrumentos interpretan partes de apoyo, los teclados tienden a tener las partes más complejas y técnicamente difíciles. Los teclados solamente son usados para hacer las partes "clásicas" y "orquestales" de la música por la cual el género es nombrado, y cubre todas las formas de música clásica. Las bandas a veces usan orquestas en vivo para hacer las partes que el teclista haría, y de vez en cuando haría verdaderos instrumentos en la grabación en vez de usar muestras digitales con un teclado.

La lírica de metal sinfónico es sumamente expansiva y cubre una amplia gama de asuntos. La lírica a menudo toma prestado del power metal, abarcando varias formas de temas de ficción, o usa temas típicos de ópera. Las líricas en el metal sinfónico, como las del metal gótico, a menudo se arreglan en álbumes de concepto, al estilo de epopeyas.

Las bandas son principalmente con vocalistas femeninas y tienden a cantar melodías de soprano en el estilo del canto lírico (normalmente conocido como ópera). A veces usan a un cantante masculino con voz gutural (principalmente encontrado en el black metal y el death metal) para apoyar la voz de la vocal femenina, similar a los cantantes duales del metal gótico (estilo conocido como el canto de la bella y la bestia). Otras formas de voz también a veces son encontradas en canciones, pero normalmente sólo son usadas como un efecto dentro de las mismas.

Algunos ejemplos son: Haggard, Nightwish, Tarja Turunen, Within Temptation, Leave's Eyes, Visions Of Atlantis, Therion, Epica,Angeldark, Enchained Souls, Apocalyptica.

38: GOTHIC METAL

El metal gótico mezcla la música clásica, los teclados y violines, con las voces femeninas, especialmente de sopranos, presentando efectos ambientales y sinfónicos. Surge a finales de los 80 en Inglaterra con la ayuda de Bauhaus, quienes tenían raíces punk, y sin intención dieron vida al género gótico publicando su primer álbum, In the Flat Field[cita requerida], y Umbra et imago, quienes experimentan con sonidos basados en la oscuridad, así como efectos ambientales. A partir de estos grupos aparece Lacrimosa con unademo llamada «Clamor» (1989), que mezcla elementos de la música clásica con géneros de música gótica, y Paradise Lost, que introduce voces femeninas a su doom metal. Grupos como The Sins Of Thy Beloved o Trail of Tears juegan con voces limpias (voz femenina) y guturales (voz masculina). Luego aparecerían The Gathering, Theatre of Tragedy y Tristania, que poseían un estilo más denso.

Bandas como The Gathering, Tiamat y Anathema, entre otras, pronto dejaron de lado el sonido del metal inclinándose hacia la música electrónica o el rock en general, perdiendo así su inclusión dentro del género metal, pero no su temática oscura y depresiva. A finales de los 90 e inicios del 2000 algunas agrupaciones combinan los elementos del doom metal con atmósferas cada vez más sobrecargadas de teclados, cuerdas, sopranos y coros (Therion, Haggard...), así como otras que aplican indistintamente voces guturales y sopranos comoTrail of Tears, Penumbra, The Sins Of Thy Beloved, Épica (mezzosoprano en este caso), After

Forever, Forever Slave, Sirenia, Theatres des Vampires... o puramente femeninas como es el caso de Elis, Within Temptation (a excepción de sus dos primeros álbumes) yEdenbridge).

Cabe mencionar que hay bandas que si bien no son de este género propiamente dicho, tienen ciertas influencias, como es el caso de Nightwish.

39: GROOVE METAL

El groove metal es una mezcla de varios géneros en los que se cuentan el heavy metalclásico y el thrash metal, llevando a este último a otro nivel. Álbumes como Slaughter in the Vatican de Exhorder, Chaos A.D de Sepultura y We are the Dead de Artilleryincorporaron melodías groovies al thrash metal, pero no fue hasta discos como The Lawde Exhorder, Vulgar Display of Power de Pantera, La Sexorcisto: Devil Music, Vol. 1 deWhite Zombie y Burn My Eyes de Machine Head que el groove metal tomó su verdadera estructura musical.

A diferencia de las bandas de thrash metal y muchos de los subgéneros del heavy metal, el groove metal no está tan orientado hacia los riffs de guitarra. Artistas del género tienden a tener un estilo fuertemente influenciado por riffs thrasherosposicionados en el medio, acentuados con acordes poderosos de guitarra afinadas en tonos bajos (Drop D o afinación estándar D), acordes de patrones desincopateados,solos de guitarra posicionados en la mitad y puentes disonantes o cortes abruptos, usualmente mid-tempo. A menudo se menciona al groove metal como un puente entre elthrash metal y el nu metal.[cita requerida]

Años '90

.Si bien los 80 fueron la época dorada del heavy metal, el cambio de década significó el comienzo de una época difícil, marcada por la decadencia y el debilitamiento musical, el cual solo volvería a fortalecerse con la llegada del nuevo milenio. La era del dominio comercial del metal en EEUU toca a su fin a principios de los 90 con la aparición deNirvana, Alice In Chains, Pearl Jam y otros grupos del nuevo movimiento llamado grunge.62Los grupos grunge estaban influenciados por el sonido heavy metal, pero rechazaban los excesos de muchos de los grupos populares de metal. El glam metal no cae sólo por el éxito del grunge sino también por la popularidad del sonido más agresivo de Metallica y del post-thrash, denominado groove metal, de Pantera.64

40: METAL ALTERNATIVO

Frente a la popularidad del grunge, unos pocos grupos de heavy metal tienen éxito comercial durante la primera mitad de los años 90 (Far Beyond Driven de Pantera alcanza el número uno de la lista Billboard en 1994, y grupos como Aerosmith y Guns N' Roses consiguen mantenerse viables comercialmente), pero a ojos del público general, «el metal está muerto» (lo cual nunca fue cierto)

Algunos grupos intentan adaptarse a la nueva situación musical. Metallica renueva su imagen y en 1996 encabezan el festival de música alternativa Lollapalooza, fundado porPerry Farrell, cantante de Jane's Addiction. Aunque este cambio disgustó a muchos de sus aficionados y seguidores de toda la vida,66 Metallica permaneció como uno de los grupos con más ventas del nuevo siglo.

Como Jane's Addiction, muchos de los grupos más populares de principios de los 90 que tenían sus raíces en el heavy metal caen bajo la sombra del término «metal alternativo».68 Esta etiqueta se aplica a un amplio conjunto de grupos que fusionan el metal con diferentes géneros, no todos asociados con el rock alternativo. Son calificados como metal alternativo, aunque algunos no lo

piensan así[¿quién?],Alice in Chains (proveniente de la escena grunge de Seattle), [[White Zombie (banda)|White Zombie], Disturbed, Three Days Grace,System of a Down, Fear Factory (quienes comenzaron su carrera tocando death metal con toques industriales, y después pasaron a ser una especie de groove metal), Faith No More y Rage Against the Machine (que combinan el sonido rock alternativo con el punk, funk, metal y hip hop), Primus (que junta elementos funk, punk, thrash metal y música experimental) y Tool (que mezcla metal y rock progresivo). A la vez, hay fusiones de éste que en las que en vez de con heavy metal, lo hacen incluso con  metal extremo como es el caso de Slipknot.

41: RAP METAL

El rap metal es una fusión entre el rap y metal, o varios de sus derivados. Nace en1984, con las canciones «Rock Box» de Run-D.M.C. y «Rock Hard» de los Beastie Boys.70 Inspirados en esta creación, muchos artistas a mediados y finales de los 80, comenzaron a mezclar metal y rap, aumentando considerablemente su fama. En el año 1987 se publica el sencillo de Anthrax I'm the Man, en el que se incorpora por primera vez rap en el thrash metal.71 En la década de los 90, se encuentra su mayor punto de éxito y popularidad, siendo sus impulsores bandas como Rage Against the Machine con precursoras letras y fuerte contenido contestatario y político. A principios de los 2000, se sufre una pérdida de éxito, contrastada con un punto de saturación, aglomerado con artistas como P.O.D,Limp Bizkit y Linkin Park, con su exitoso Hybrid Theory. Finalmente y a partir del 2004, se sufre un ocaso, causado por la separación de algunas bandas, y notables cambios de estilo de otras, orientándose mayoritariamente en el metal y rock alternativo.

En general, no se centra en la «complejidad» rítmica y lingüística del rap, pero el rapeo permite lograr una catarsis que se puede lograr en vez de cantar las canciones. 71 Gran parte del sonido del género se basa en bandas de metal alternativo, como Helmet, White Zombieo Tool, con texturas sonoras pesadas más que componer riffs pegadizos o memorables.71 Las temáticas van desde el humor, pasando por letras cargadas de terror y angustia hasta, en algunos casos, la política.71 Las bandas más representativas del género son, entre otras muchas, Rage Against the Machine, Incubus y Limp Bizkit.

42: FUNK METAL

El funk metal es un género musical que surgió en EE. UU. Durante la mitad de los años 80 con la fusión de la música de la década de los 80 incorporando los elementos de funk y heavy metal, este último normalmente alternativo, sobre todo en sus inicios. La canción pionera de este género es «Dragon Attack», de Queen.72 Este género destaca en riffs de guitarra complejos, así como una mayor estructura rítmica en las técnicas de bajo y a veces se realizan rimas de estilo rap, acercándose así más bien al rock alternativo/metalalternativo. Entre los artistas más representativos del género se encuentran Extreme, Primus, Red Hot Chili Peppers, Mr. Bungle y Rage Against the Machine, que terminó siendo catalogado como metal de fusión.

43: METAL INDUSTRIAL

Las raíces del metal industrial se encuentran en Alemania, donde músicos inquietos y cansados de las mismas estructuras musicales exploran con sonidos literalmente metálicos grabados en industrias, producidos por máquinas o por golpes de martillos sobre diferentes superficies,

sonidos que al ser procesados en sintetizadores dan origen a los samplers. Einstürzende Neubauten son pioneros en la creación de música industrial, caracterizada por el minimalismo y la repetición de figuras sonoras no musicales.

El metal industrial surge a principios de los años 90. Las canciones utilizadas con esta fórmula se caracterizan por los sonidos electrónicos que se complementan acompañando a los instrumentos principales (batería, bajo, guitarra y voz). A menudo la voz del cantante suele estar modificada incluso con efectos sonoros de fondo. Asimismo, se puede encontrar un teclista para acompañar a la canción, pero también suele estar reformado el piano. Este género del  metal no utiliza normalmente los ritmos demasiado complicados de batería y guitarra y acostumbra a utilizar ritmos más lentos, acercándose a un hard rock bastante denso. Entre los grupos fundamentales de este género se encuentran Ministry, White Zombie, Marilyn Manson, Nine Inch Nails, Fear Factory,Static-X los canadienses Skinny Puppy y los alemanes Rammstein, Oomph!, Megaherz y KMFDM.

Los grupos de metal alternativo no representan una escena cohesionada, pero están unidos por su deseo de experimientar con el metaly por su rechazo a la estética del glam metal.68 La mezcla de géneros y sonidos del metal alternativo «representa el colorido resultado del metal abriéndose para ver el mundo exterior».

44: NÜ METAL

A principios de los años 90 cobra notoriedad en la escena norteamericana una banda de Brooklyn llamada Biohazard, que unía en su estilo melodía shardcore punk con voces cantadas al estilo de la escena rap del momento. A este nuevo estilo se le denominó rap core y supone, junto con el rap metal, el origen del posterior nü metal. A mediados-finales de los 90 aparece un conjunto de grupos estadounidenses inspirados por el metal alternativo y su mezcla de géneros, eso se da gracias a la conjunción entre Anthrax y otra banda de hip hop denominada Public Enemy.75 Bajo la etiqueta de nu metal, grupos como Limp Bizkit, Slipknot, Deftones, Papa Roach, Linkin Park, KoRn, y otras bandas menos populares pero muy influyentes como Coal Chamber, incorporan elementos que van desde el rap al death metal.76 El nu metalconsigue un gran éxito comercial entre el público general gracias a la MTV y al Ozzfest de 1996, que hace que los medios de USA hablen de un "resurgimiento" del heavy metal (el cual en realidad no estaba directamente arraigado al sonido del heavy metal más clásico). 77 Este mismo año, el álbum Life Is Peachy de Korn es el primer disco nu metal en alcanzar el top 10. Dos años más tarde alcanzan el número uno con Follow the Leader. En 1999, la revista Billboard anuncia que hay más de 500 radios en EE. UU. especializadas en música heavy, cerca de tres veces más que hace diez años.78 Mientras el nu metal alcanza gran popularidad a principios de los años 2000, los seguidores tradicionales de heavy metal no acaban de aceptar este nuevo género.79 A partir de 2005, el movimiento nu metal empieza a decaer, grupos como Linkin Park y Disturbed dejan el nu metal y cambian su estilo e imagen, aunque grupos como Korn, Limp Bizkit o Maximum the Hormone siguen teniendo éxito aún con el nu metal.80 En 2009 se ve un aumento en las actividades del género musical porque KoRn graba un nuevo disco con el productor Ross Robinson y por la reciente vuelta de Limp Bizkitcon Wes borland. También a inicios de 2010 se publica el cuarto álbum de estudio de Linkin Park, que dijeron: «Es un álbum conceptual, y será una gran sorpresa para todos nuestros fans». Dope también publicó un nuevo material discográfico que vuelve al nu metal agresivo.

Últimas tendencias (mediados de los 2000)

Con la llegada del nuevo milenio, el heavy metal lograba recuperarse de su debilitamiento durante los 90, lo cual se vio representado en el regreso (en algunos casos la reunificación) de bandas clásicas con nuevos trabajos como Iron Maiden con Brave New World, Judas Priestcon Angel of Retribution, Manowar con Louder Than Hell, así como también el nacimiento de nuevas bandas como Heaven and Hell (la cual se creó con los integrantes de Black Sabbathjunto con Ronnie James Dio), teniendo una popularidad moderada en Estados Unidos, sin dejar de lado a otros géneros alternativos como el nu metal, groove metal y rap metal. Elthrash metal también cobraría más fuerza en esta nueva época, especialmente con los Big Four[cita requerida]. Sin embargo, en Europa, especialmente Alemania y Escandinavia, el heavy metal continúa teniendo una gran popularidad, aún desde los 90. El grupo thrash The Haunted, la banda de death metal melódico In Flames, y la fusión épica y de toques grandilocuentes entre power metal y symphonic metal de Nightwish han tenido mucho éxito en los últimos años. En los países de habla inglesa, el término retrometal ha sido aplicado a principios y mediados de los años 2000 a grupos como los británicos The Darkness.81 y los australianos Wolfmother.82 El disco Permission to Land (2003) de The Darkness, descrito como «una reciente simulación realista del metal de los 80 y el glam de los 70»,81 coronó las lista de ventas del Reino Unido, consiguiendo un quíntuple disco de platino.

En 2006, el grupo Lordi, representando a Finlandia, gana la 51ª edición del Festival de la Canción de Eurovisión con la canción «Hard Rock Hallelujah».83

También nuevos grupos como Steel Panther, Stone Gods, Hardcore Superstar, The Answer y Airbourne reviven el sonido del hard rock y metal de los 80's.

45: METALCORE

El metalcore, un híbrido de heavy metal y hard core punk, se presenta en la escena comercial durante 2002 y 2003, y más aún, el metal core melódico. Tiene sus raíces en el crossover thrash de grupos como Suicidal Tendencies, Dirty Rotten Imbeciles y Stormtroopers of Death, de mediados de los 80, aunque realmente el metalcore es el llamado metallic hardcore y lo que se conoce como "metalcore" es el metalcore melódico.84 Durante los 90, el metalcore no deja de ser un fenómeno underground, pero durante 2000 el género toma influencia del death metal melódico y se hace popular gracias a discos como The End of Heartache de Killswitch Engage, The War Within de Shadows Fall y Waking the Fallen de Avenged Sevenfold, que debutan, respectivamente, en los puestos 20 y 21 de la lista Billboard.85 86

El grupo Bullet for My Valentine, de Gales, alcanza resultados similares con The Poison (2005). As I Lay Dying también alcanza respuestas positivas a su disco Shadows are Security. Avenged Sevenfold abandona este género y luego logra un disco de platino con su CD City Of Evil y sería Underoath con su disco Define the great line que llegarían al número 2. En los últimos años, los gruposmetalcore han tenido espacios privilegiados en los festivales Ozzfest y Download Festival. Si bien muchos grupos metalcore se mantienen a su fiel sonido (excesivo uso de breakdowns, riffs inspirados en el death metal melódico, uso de más de 2 bombos, etc) hay otros que experimentan con más estilos como el caso de Underoath, banda que en sus inicios mezcló death metal, unblack metal,metalcore y groove metal y más tarde en su cuarto disco experimentarían con el post-hardcore u otros que dejaron sus géneros iniciales para pasarse a un metalcore más melódico como el caso de Bring Me The Horizon que dejó un lado su destructivo Deathcore. Actualmente aparecen muchas escenas locales con bandas como Surfocade limbs, Killer koalas o Screams of damnation. El deathcore, género que fusiona el metalcore y death metal es un nuevo género que está cobrando mucha fama y ya existen

muchas escenas locales del género, algunos de sus máximos representantes pueden ser Suicide Silence, Bring Me The Horizon (inicios), Job For A Cowboy,Here Comes The Kraken, y Despised Icon, entre muchos otros. Otro género ligado al metal extremo y nacido del hardcore puede ser elgrindcore el cual muchas veces se encuentra ligado al death metal y en variadas ocasiones con el brutal death metal, sin embargo el "grindcore" a diferencia de estos últimos 2 tiene solos mucho menos complejos y más cortos, en ocasiones ni se usan, además las canciones suelen ser mucho más cortas que en el death metal.

46: MUSICA CLASICA

El término música clásica aparece por primera vez en el Oxford English Dictionary en 1836 y señala las composiciones europeas más destacadas del siglo anterior.1

Es el nombre habitual de la música culta, académica, docta y otros.

En la Historia de la música y la musicología, se llama «música clásica» a la música del clasicismo (entre 1750 y 1820);2 pero en sentido popular y de mucha aceptación en medio escrito ―como lo recoge la Real Academia Española―, es la música de tradición culta; sus primeras luces en Europa se sitúan aproximadamente en 1450. Existe una expresión que abarca casi todos los períodos para definir su época de mayor esplendor: período de la práctica común.

Hacia 1950 la composición culta (cierta complejidad en notación e instrumentación) comienza a situarse mayormente fuera de la tradición anterior, mediante la composición radicalmente atonal y disonante y otras tendencias opuestas.

La música clásica surgió tomando elementos de otras tradiciones musicales: la música de la Antigua Grecia, la música de la Antigua Roma. (sobre todo por sus contribuciones teóricas) y la música de la Iglesia católica (principalmente el canto gregoriano). Los hitos que definieron su rumbo, sin embargo, fue el descubrimiento y posterior desarrollo de la polifonía, así como el posterior desarrollo de laarmonía, la revolución musical conocida como el Ars nova y la evolución de la notación musical, además del estudio de la estética musical. Con la era de los descubrimientos que comenzó en el siglo XV y posterior colonialismo, la música clásica llegó a otros continentes y sufrió una síntesis con las tradiciones musicales de los nuevos territorios. Encontramos expresiones de la música clásica en Brasil (por ejemplo, Heitor Villa-Lobos), Estados Unidos (por ejemplo, Charles Ives), Hispanoamérica (por ejemplo, Alberto Ginastera,José Ángel Montero), Asia (por ejemplo, Tōru Takemitsu, Tan Dun), África y Oceanía, pero que están conectadas a la música clásica de tradición europea.

La música culta está hecha exclusivamente para ser oída, a diferencia de otras músicas adjuntas a otras formas de entretenimiento (lamúsica de cine es ejecutada a veces en salas de concierto). Los conciertos de música clásica suelen tener una atmósfera solemne, se espera que el público esté en silencio para evitar distraer al músico y los oyentes. Los intérpretes de ordinario visten de manera formal, una práctica vista como un gesto de respeto para la música y el público; y tampoco interactúan directamente o bromean con el público. Lecturas privadas de música de cámara pueden tener lugar en ocasiones domésticas más informales.

Como en las bellas artes, la música clásica aspira a comunicar una cualidad trascendental de la emoción, que expresa algo universal acerca de la condición humana. Si bien la expresión emocional no es una propiedad exclusiva de la música clásica, esta honda exploración en la emoción permite que la mejor música clásica alcance lo que ha sido denominado lo «sublime» en el arte. Muchos ejemplos pueden citarse para demostrar esto. Por ejemplo, la musicalización

del poema de Friedrich Schiller "Oda a la Alegría" en laNovena sinfonía de Beethoven, que suele interpretarse en actos de independencia nacional o de celebración, como aquella famosa ocasión en que la dirigió Leonard Bernstein para celebrar la caída del Muro de Berlín, y la tradición japonesa de tocarla para celebrar el Año Nuevo. Sin embargo, otros compositores, como Iannis Xenakis, argumentan que el efecto emocional de la música en los oyentes es arbitrario y que, por lo tanto, la complejidad objetiva o el contenido de información de la pieza es lo supremo.

A lo largo de la historia, los padres se aseguraron que sus hijos y familiares fuesen instruidos en la música culta desde muy temprana edad. Un experiencia musical temprana daba las bases para un estudio serio posterior. Para aquellos que deseaban ser ejecutantes, cualquier instrumento es prácticamente imposible de aprender a nivel profesional si, o al menos un instrumento similar, no eran aprendidos desde la infancia. Algunos padres buscaban la enseñanza musical por razones sociales o en un esfuerzo por impartirles un útil sentido de la auto-disciplina; las lecciones parecen mostrar también un incremento en el desempeño académico. Algunos consideran que el conocimiento de las obras de la música clásica es parte de una buena cultura general.

47: BALADAS

La balada es una forma de expresar el canto cortesano del final de la Edad Media en Europa, que aparece en el siglo XIV. La poesía es disociada de la música, pero la musicalidad es creada en la escritura misma del poema. En efecto, la balada tiene la particularidad de repetir un mismo verso, estribillo, al final de cada tres estrofas. Está constituida por octosílabas y las rimas están cruzadas. Como regla, la balada medieval empieza siempre con la palabra Príncipe. Aunque no hay que confundir la balada romántica (poesía) y la balada que veremos ahora.

A partir de la segunda mitad del siglo XX se desarrolló la balada romántica latinoamericana como estilo musical con identidad propia.

LA BALADA MUSICAL O LIRICA: En el siglo XIX, Frédéric Chopin compuso cuatro obras para piano con este título, evidentemente inspiradas en el género literario. Con ello, dio luz a un nuevo género: la Balada (música).

Esta creación fue hecha en el periodo romántico, a principios del siglo XIX

LA BALADA ROMANTICA:La balada en estas epocas son mas escuchadas en Perú La balada romántica encuentra su origen en el bolero latinoamericano de los años 50 (Lucho Gatica, Leo Marini), pero también en la canción romántica italiana (Nicola Di Bari), y francesa (Charles Aznavour) de los años 60 y 70. Con la influencia del anglosajón, el sentido de la palabra se alarga a un recital o una canción que cuenta la vida de una persona o algunos hechos precisos. El recital es siempre épico (acercándose a la gesta), normalmente dramático y a veces cómico. Si habla del amor entre dos personas, la identificamos con el romance.

LA BALADA COMO MUSICA POPULAR : Se origina en los Estados Unidos, tras la comercialización de los discos en los años 1920s cuando deciden llamar "Ballad" a los temas lentos de temática romántica, su aparición se debe a una cultura floreciente causada por las migraciones de Europa hacia América a causa de la primera guerra mundial. Se define como una melodía cantada acompañada por una instrumentación ensoñadora, simple y algo tediosa. su atractivo se debe a su influencia y hasta plagios frecuentes de música clásica culta, y entre los primeros géneros populares que ganaron aceptación utilizando una orquesta sinfónica propia de

la música seria académica primeramente influirá solo en Europa, que presenta música idéntica, Latinoamérica se cerrará a los estilos americanos a causa de su música propia muy importante. El sur europeo debuta en los años 60s y España invadirá con el estilo con sus producciones a Latinoamérica valiéndose a veces de cantantes latinos que graban en sello iberos, Italia y Francia traducirán su baladas a varios idiomas haciéndose internacionales.

48: MÚSICA ELECTRÓNICA

La música electrónica es aquel tipo de música que emplea para su producción e interpretación instrumentos electrónicos y tecnología musical electrónica. En general, puede distinguirse entre el sonido producido utilizando medios electromecánicos de aquel producido utilizando tecnología electrónica. Ejemplos de dispositivos que producen sonido electromecánicamente son el telarmonio, el órgano Hammond y la guitarra eléctrica. La producción de sonidos puramente electrónica puede lograrse mediante aparatos como el theremin, el sintetizador de sonido y el ordenador.

La música electrónica se asoció en su día exclusivamente con una forma de música culta occidental, pero desde finales de los años 1960, la disponibilidad de tecnología musical a precios accesibles permitió que la música producida por medios electrónicos se hiciera cada vez más popular. En la actualidad, la música electrónica presenta una gran variedad técnica y compositiva, abarcando desde formas de música culta experimental hasta formas populares como la música electrónica de baile.

Nacimiento de la música electrónica popular

A lo largo de los años setenta, bandas como The Residents y Can abanderaron un movimiento de música experimental que incorporaba elementos de música electrónica. Can fue uno de los primeros grupos en utilizar loops de cinta para la sección de ritmo y The Residents crearon sus propias cajas de ritmos. También en los años 1970 diferentes bandas de rock, desde Genesis hasta The Cars, comenzaron a incorporar sintetizadores en sus arreglos de rock.

En 1979, el músico Gary Numan contribuyó a llevar la música electrónica a un público más amplio con su hit pop "Cars" del álbum The Pleasure Principle. Otros grupos y artistas que contribuyeron en esta época significativamente a popularizar la música creada exclusiva o fundamentalmente de modo electrónico fueron Kraftwerk, Depeche Mode, Jean Michel Jarre, Mike Oldfield o Vangelis.

49: DANCE

La dance music se caracteriza por tener sonidos sintéticos, ritmos bien marcados y bastante repetitiva para ser fácilmente bailables, letras pegadizas e instrumentación marcada en compases de 4/4.

En algunos casos se entiende erróneamente que la música electrónica es también música dance, sin embargo, ambas ramas musicales poseen diferencias entre sí, la música dance se caracteriza por poseer una estructura básica musical, por ejemplo: A/B/C/D//A/B/C//A/B/C/D. Mientras que la música electrónica rompe con los esquemas de esa "estructura". Hay derivados de la música dance tales como el eurodance, el synthpop, y el italo dance, los cuales son adaptaciones locales según la forma y el tipo de cultura que predomine en cada sitio.

50: BANDA SONORA

Banda sonora (término también conocido como banda sonora original o BSO, del inglés OST original soundtrack) es la parte de sonido completa y el resultado de la edición de diferentes pistas de sonido, ya sean diálogos, sonidos y música de una obra o el acompañamiento paralelo. Normalmente, y con raras excepciones, el término alude solamente a la música de una película o a la comercialización de los temas musicales de una obra como videojuegos, programas de televisión y radio. Desde un punto de vista musical, se entiende como banda sonora aquella música tanto vocal como instrumental compuesta expresamente para una película, cumpliendo con la función de potenciar aquellas emociones que las imágenes por sí solas no son capaces de expresar.

Algunos de los compositores de bandas sonoras para el cine más conocidos son Ennio Morricone, Vangelis, John Williams, James Horner y Hans Zimmer entre otros.

La banda sonora de una película, en su sentido físico, puede ser de dos tipos: magnética u óptica. En el primer caso, una o varias bandas de grabación magnética discurren por los bordes de la tira de película. Al ser leídas estas líneas por un aparato en sincronía con la proyección, se generan los sonidos de manera similar a como lo haría un lector de casetes. En el caso de las bandas sonoras ópticas, se trata de zonas de oscuridad y luz en uno o dos lados de la cinta de la película. Las distintas intensidades de luz, se convierten luego en impulsos eléctricos creando el conjunto de la banda sonora.

También se utilizan, aunque no tan frecuentemente, sistemas de sonido digital, basados en puntos sobre la película que se convierten por diversos métodos, algunos todavía experimentales, en sonido.

51: MUSICA CINEMATOGRAFICA

Por música cinematográfica se entiende toda música compuesta para una película. Podría pensarse en un primer momento que no hay ninguna diferencia entre el término música cinematográfica y el de banda sonora. Esto es un grave error, pues la música es parte de la banda de imagen sonora que funciona junto con la de imagen visual, y lleva además las voces y los efectos de sonido. El cine funciona en sonido e imagen, y el primero es vital para entender la segunda. Es por esto que la música compuesta para el cine tiene sus propias características, distintas a la de todo otro tipo de composición.

Tras los éxitos de The Beatles y sus películas como A Hard Day's Night, Help! y Yellow Submarine se dio un boom en la década de1960 de películas que eran sólo vehículos para canciones que luego se vendían en disco (banda sonora). Algunas películas no podían funcionar sin canciones. Por eso, a finales de los '70s, gracias especialmente a la música de John Williams,

el algo mayor Alex North yJerry Goldsmith el cine volvió a utilizar música con fines distintos a la de la música popular en sus bandas sonoras. Ya en los '90s algunos compositores como Tōru Takemitsu o Wojek Kylar han contribuido a devolverle su valor a la composición musical propia de las películas cinematográficas.

52: SKA

El ska es un género musical originado a finales de los 50 y popularizado durante la primera mitad de los 60 que deriva principalmente de la fusión de la música negra estadounidense de la época con ritmos populares propiamente jamaicanos, siendo el precursor directo del rocksteady y más tarde del reggae.[1] Al ser un género particularmente apto para fusiones ha sido incorporado, a través de distintas variantes, a los más diversos lenguajes musicales. Desde un principio, las versiones ska de populares composiciones para cine y televisión (“The James Bond Theme”, “Exodus”, “A Shot in the Dark”, “The Untouchables”, etc.) perfiló su particular identidad, entre callejera, nostálgica y “misteriosa”, característica que conservaría a través de las épocas. Estuvo fuertemente asociado a los Rude Boy y a la independencia de Jamaica del Reino Unido, aunque se hizo popular en todo el mundo desde muy poco tiempo después de su nacimiento.

53: TECHNO

El techno es un género de música electrónica de baile que surgió en Detroit, Estados Unidos, hacia mediados de los años 1980.1 La primera grabación que empleó la palabratechno como referencia a un género musical data de 1988. En la actualidad existen multitud de estilos de techno, si bien está generalmente aceptado que la génesis del género se encuentra en el detroit techno y en sus precursores.2 3 4

El origen del techno se encuentra en la fusión de ciertas corrientes de música europea, basadas en el uso experimental del sintetizador, con diferentes estilos de música de raízafroamericana como el funk, el free jazz o el primer electro. A esto se añade la influencia de una estética y temática de corte futurista, basada tanto en la ciencia ficción como en algunas ideas de la obra de Alvin Toffler. El propio término techno deriva del concepto de "techno rebels" presente en el libro La Tercera Ola del sociólogo estadounidense.5 Esta combinación de ideas acerca el techno a un tipo de estética afrofuturista y cyberpunk

La influencia de Kraftwerk

Kraftwerk, un grupo de música alemán que comenzó su carrera a principios de los años 1970, tiene una influencia considerada fundamental en toda la música popular posterior, y especialmente en la electrónica. Su estilo se enmarca dentro de un movimiento más amplio que tuvo lugar en Alemania conocido como krautrock. El cuarto álbum de Kraftwerk, Autobahn (1974), fue el que le convirtió definitivamente en un fenómeno internacional. Es un disco pionero que contiene los primeros elementos de géneros como el synth popo el electro, estilos directamente relacionados con el techno que surgiría pocos años más tarde.

Origen del techno en Detroit

Desde 1977 hasta mediados de los años 1980 se emitió en Detroit un programa nocturno de radio llamado Midnight Funk Association. Conducido por The Electrifying Mojo, su original enfoque lo hizo popular, causando un considerable impacto en la forma de acercarse a la música de toda una generación de oyentes. The Electrifying Mojo tenía que moverse de emisora en emisora debido a una arriesgada programación que le costó varios despidos, pues su propuesta

se salía del canon comercial habitual y del tipo de radio a la que la comunidad afroamericana estaba acostumbrada. En su espacio se podía escuchar una personal selección de estilos y artistas que podía incluir soul clásico, Kraftwerk, nuevos románticos ingleses, p-funk, The Clash o música clásica.10

Este programa sirvió de inspiración para numerosos productores locales afroamericanos como Juan Atkins, Derrick May, Kevin Saunderson (conocidos como The Belleville Three por el instituto de Detroit donde estudiaban) y Eddie Fowlkes.11 Influidos por el sonido electrónico alemán y la tradición musical negra, comenzaron a producir con sintetizadores un tipo de música que compartía elementos con el electro que artistas como Afrika Bambaataa hacían en aquella época en otros puntos del país. Juan Atkins fue el pionero de todos ellos, al formar a comienzos de la década de 1980 junto al veterano de Vietnam Richard Davis el grupo electro Cybotron. Entre sus producciones se cuenta el que es considerado como primer tema de techno de la historia, "Alleys Of Your Mind" (1981), o canciones que sentarían las bases del género como "Clear".12 El grupo se dotó de una estética futurista y relacionada con la ciencia ficción que se refleja tanto en su música como en la temática de las canciones y en el nombre del propio género. De la obra del futurólogo Alvin Toffler fueron tomados términos como Cybotron, Metroplex otechno.

54: CUMBIA

a cumbia es un género musical y baile folclórico y tradicional de Colombia y Panamá.12 3 4 5

A partir de la década de 1940, la cumbia colombiana comercial o moderna se expandió al resto de América Latina, tras lo cual se popularizó en todo el continente siguiendo distintas adaptaciones comerciales como la cumbia venezolana, la cumbia mexicana, lacumbia salvadoreña, la cumbia chilena, la cumbia ecuatoriana, la cumbia peruana, lacumbia argentina, la cumbia uruguaya, la cumbia boliviana, entre otras.

Colombia

La cumbia es una danza y ritmo con contenidos de tres vertientes culturales distintas: indígena, negra, blanca (española), siendo fruto del largo e intenso mestizaje entre estas culturas durante la Conquista y la Colonia. La presencia de estos elementos culturales se puede apreciar así:

En la instrumentación están los tambores de origen africano; las maracas, el guache y los pitos (flauta de millo y gaitas) de origen indígena; mientras que los cantos y coplas son aporte de la poética española, aunque adaptadas luego.

Presencia de movimientos sensuales, marcadamente galantes, seductores, característicos de los bailes de origen africano.

Las vestiduras tienen claros rasgos españoles: largas polleras, encajes, lentejuelas,candongas, y los mismos tocados de flores y el maquillaje intenso en las mujeres; camisa y pantalón blancos, pañolón rojo anudado al cuello y sombrero en los hombres.

Dicha mezcla etnomusical que da origen a la cumbia se produce durante la  Colonia en el país indígena del Pocabuy (que estuvo conformado por las actuales poblaciones de El Banco, Guamal, Menchiquejo y San Sebastián en el Magdalena, Chiriguaná y Tamalameque en

el Cesar, y Mompox, Chilloa, Chimí y Guatacá en Bolívar), ubicado en la actual Costa Caribe colombiana, en la parte alta del valle del río Magdalena, región de la Depresión momposina (incluidas las culturas de las sabanas y el Sinú, al norte de la Pincoya), producto de la fusión musical y cultural de indígenas, esclavos negros de origen africano y, en menor escala, de los españoles.

55: SALSA

Salsa es el término usado a partir de los años 1970 para definir al género musicalresultante de una síntesis de influencias musicales cubanas con otros elementos de música caribeña, música latinoamericana y jazz, en especial el jazz afrocubano. La salsa fue desarrollada por músicos de origen «latino» (latinoamericano) en el Caribe hispano y la ciudad de Nueva York.

La salsa abarca varios estilos como la salsa dura, la salsa romántica y la timba.

La salsa presenta las siguientes características:

Ritmo: Utiliza como base la clave de son, el patrón rítmico del son cubano, en dos compases de 4/4.

Melodía: En muchos casos las melodías usadas en la salsa se corresponden con las empleadas tradicionalmente en el son montunoaunque puede asimilarse también a otros géneros de la música cubana y caribeña tradicional, inclusive melodías de la música popular latinoamericana.

Armonía: Se corresponde con la utilizada en la música occidental.

Instrumentación: Usa instrumentos de percusión cubanos popularizados desde los años 1920e como pailas o timbales, bongó, güiro cubano,cencerro, dos maracas y conga. Arsenio Rodríguez se presentó como el primer músico en incorporar la conga o "tambó" a la orquestas de baile.4

Amén de la percusión, la instrumentación se completa con piano, contrabajo (en muchos casos bajo eléctrico), trompetas, saxofón, trombónes, flauta y violín. La influencia del jazz afrocubano viene determinada por el arreglo aunque no es una condición imprescindible en la salsa.

56: MUSICA DISCO

La música disco es un género de música de baile derivada del R&B (rhythm & blues) que mezcló elementos de géneros anteriores, como el funk y el soul, con toques latinos en muchos casos, y que se popularizó en las salas de baile (discotecas) a finales de los setenta.

Estructura musical de la música disco

Ritmo musical

La música pop dominó la escena musical hasta el comienzo del "disco", en la primera mitad de los años 70. Las canciones disco normalmente estaban estructuradas sobre un repetitivocompás de 4/4, marcado por una figura de charles, de ocho o dieciséis tiempos, con hi hatabierto en los tiempos libres, y una línea predominante de bajo sincopado, con voces fuertemente reverberadas. Son fácilmente reconocibles por sus ritmos repetitivos (generalmente entre 110 y 136 bpms por minuto) y pegadizos, con frecuencia inspirados por ritmos de origen latino como merengue, rumba o samba. El uso del open hi-hat a un ritmo 4/4 se percibe claramente en temas como "The Love I Lost", de Harold Melvin & The Blue Notesen 1972, una producción de Gamble y Huff.

Armonías y arreglos

El sonido orquestal usualmente conocido como sonido disco se fundamentaba en la presencia de secciones de cuerda (violines, violas, cellos...) y metales, que desarrollaban frases lineales en unísono, tras la base instrumental formada por el piano eléctrico y la guitarra eléctrica (con toques claramente tomados del funk). Al contrario que en el rock, la guitarra solista es inusual

El resultado era una especie de muro de sonido, brillante, con los grupos orquestales tomando los papeles solistas y con unbackground armónico, fundamentado en una progresión de acordes bien definida (menor/séptima/menor), con predominio de los acordes de séptima mayor.

Ámbito temporal

La música disco tiene su etapa de mayor proyección en un periodo de 10 años comprendido entre 1972 y 1982, aproximadamente, con un revival en los años 1990.

Precisamente hacia la mitad de los 70, obtuvieron sus principales éxitos los intérpretes más característicos de la música disco, comoMFSB, Donna Summer, The Jackson 5, Gloria Gaynor, Barry White, The Bee Gees, KC and The Sunshine Band, Village People, Boney M o ABBA. Otros muchos artistas que, normalmente, no trabajaban el género, grabaron canciones disco en la cima de su popularidad, como por ejemplo Leo Sayer (You Make me feel like dancing), Rod Stewart (Do you think i'm sexy?), Electric Light Orchestra (Last Train To London) y Blondie (Heart Of Glass).

Diversas películas, como Fiebre del sábado noche y ¡Por fin es Viernes!, contribuyeron al despegue de la música disco entre el público. Aunque la popularidad de la música disco declinó a comienzo de los años 80, mantuvo una importante influencia en el desarrollo de la música de baile electrónica de los años 80 y 90, así como en géneros como el House o el Techno.

57: EL HOUSE

El house es un estilo de música electrónica que se originó en la ciudad de Chicago,Estados Unidos, al comienzo de los años 1980. Inicialmente, se hizo popular en la primera mitad de los ochenta en las discotecas orientadas hacia el públicoafroamericano,1 y latino en Chicago, más adelante en Nueva York y Detroit. Posteriormente llegó a Europa, donde se convirtió en un fenómeno masivo con una influencia dominante en otros estilos musicales como el pop y la música de baile desde mediados de los años 1990.

El house está fuertemente influenciado por las variantes más soul y funk de la música disco. Generalmente imita la percusión del disco, especialmente el uso de un prominente golpe de bombo con cada beat, aunque también puede incluir poderosas líneas de bajo sintetizadas, baterías electrónicas, samples de funk y pop, adems de vocales potenciadas con filtros reverb o delay.

El house es un estilo rápido de música de baile, oscilando generalmente entre los 118 y los 135 bpm. El tempo era más lento en los primeros años del house.

El elemento común del house es el empleo de un prominente golpe de  bombo en cada tiempo del compás, un tipo de ritmo también conocido como four-on-the-floor. Este patrón suele generarse mediante una caja de ritmos o un sampler. El sonido del bombo suele ser aumentado a través de diferentes filtros. El patrón rítmico se completa con un hi hat o charles abierto en la tercera división de cadatiempo (semifuerte), y un golpe de caja o de clap en la división fuerte del segundo y cuarto tiempo de cada compás, por lo general complementada con síncopas en las

divisiones débiles. Este patrón se deriva de los ritmos four-on-the-floor que desarrollaron los baterías de música disco en los años 1960 y, especialmente, 1970.

Los productores de house utilizan una gran variedad de fuentes de sonido para dar forma al bajo, desde líneas repetitivas generadas electrónicamente mediante sintetizadores como Roland SH-101 o TB-303, hasta grabaciones de estudio de secuencias de notas tomadas de la ejecución en vivo por un bajista, pasando por samples tomados de grabaciones clásicas de funk o cualquier otro género. Para la creación de una línea de bajo de house se suele tender a utilizar aquellas notas que caigan dentro del rango de una octava, mientras que las líneas de bajo de la música disco a menudo utilizaban rangos más amplios. Algunas grabaciones del house más primitivo todavía muestran líneas de bajo tomadas de canciones de música disco. Por ejemplo, el productor Mark "Hot Rod" Trollan copió la línea de bajo de varias secciones de la canción de Italo disco de 1983 "Feels Good (Carrots & Beets)" de Electra con Tara Butler para formar la base de su producción de 1986 "Your Love" de Jamie Principle. Frankie Knuckles utilizó las mismas notas en su versión, más popular, del mismo tema publicada en 1987.

A la estructura formada por el patrón rítmico y la línea de bajo se le suelen añadir sonidos generados electrónicamente y samples tomados de géneros como jazz, blues, disco, funk, soul y synth pop. Las canciones de house pueden incluir también vocales similares a las de la música disco, el soul o el gospel. Muchos remixes de house incluyen loops de cuerdas repetitivos, cortos y sincopados, compuestos por entre 5 y 7 acordes que entran en un compás de 4 tiempos.

El techno, que se desarrolló en paralelo al house, comparte esta estructura básica, si bien evita la sonoridad a música en vivo y el sonido explícitamente negro o latino, para centrarse en sonidos de tipo más sintético.

58: CUMBIA VILLERA

La cumbia villera es una variante de la cumbia creada en Argentina, con ritmos y temáticas específicas.

La cumbia villera es una corriente de la cumbia argentina cuyas bandas y cantantes abordan frecuentemente en sus letras temáticas relacionadas al sexo, las drogas, el alcohol y la delincuencia.

El calificativo de villera se refiere (tanto en femenino como en masculino) a los habitantes o a cualquier cosa (en éste caso un estilo de cumbia) que provenga de las villas miseria(denominación que reciben en el país los asentamientos informales conformados en su gran mayoría por viviendas precarias) y también a las personas de clase baja en general, ya que, en sus comienzos, la mayoría del público y los propios músicos de ésta corriente eran habitantes de distintas villas del Gran Buenos Aires. Si bien el calificativo es usado en forma peyorativa por aquellos que pertenecen a otras clases sociales, ha sido apropiado por muchos habitantes de las villas, quienes lo utilizan como distintivo de pertenencia y hasta orgullo, pero sólo cuando es usado por un miembro del mismo grupo social (en forma similar a la expresión inglesa nigger).

La cumbia villera tuvo su origen a fines de la década de 1990 en barrios humildes de la zona norte del Gran Buenos Aires, extendiéndose hacia el resto del país en los siguientes años (aunque Buenos Aires y su área metropolitana siempre se mantuvieron como epicentro del movimiento).

59: TANGO

El tango es un género musical tradicional de Argentina y Uruguay, nacido de la fusión cultural entre inmigrantes europeos (españoles e italianos, principalmente), descendientes de esclavos africanos, y nativos de la región del Río de la Plata.2Musicalmente suele tener forma binaria (tema y estribillo) o ternaria (dos partes a las que se agrega un trío). En esencia, es una expresión artística de fusión, de naturaleza netamente urbana y raíz suburbana («arrabalero»), que responde al proceso histórico concreto del mestizaje biológico y cultural de la población rioplatense pre-inmigración y a la inmigración masiva, mayoritariamente europea, que reconstituyó completamente las sociedades rioplatenses, a partir de las últimas décadas del siglo XIX.

Su interpretación puede llevarse a cabo mediante una amplia variedad de formaciones instrumentales, siendo las más características el cuarteto de guitarras, el dúo de guitarra y bandoneón, el trío de bandoneón, piano y contrabajo, así como la orquesta típica o elsexteto.

Muchas de las letras de sus canciones están compuestas basándose en un argot local llamado lunfardo, letras que suelen expresar las tristezas, especialmente «en las cosas del amor»,3 que sienten los hombres y las mujeres de pueblo, circunstancia que lo emparenta en cierto modo con el blues, sin que ello obste al tratamiento de otras temáticas, incluso humorísticas y políticas.

Enrique Santos Discépolo, uno de sus máximos poetas, definió al tango como «un pensamiento triste que se baila».

En 2009 fue presentado por los presidentes de la Argentina y Uruguay para ser incluido, y finalmente aprobado en la Lista del Patrimonio Cultural Inmaterial (PCI) de la Humanidad por la Unesco.

El término parece provenir del idioma ibibio (idioma de la familia lingüística Níger-Congo), tamgú: ‘tambor’ y ‘bailar (al son del tambor)’. Se desconoce a ciencia cierta si la palabra española tambor proviene de este ibibio tamgú o del árabe hispánico tabal. En el siglo XIX, en la isla El Hierro (de las islas Canarias) y en otros lugares de América, la palabra «tango» significaba ‘reunión de negros para bailar al son del tambor’.

A finales del siglo XVIII (entre 1780 y 1791) el cabildo de la Buenos Aires emitió al menos tres informes al virrey, denunciando las prácticas musicales y religiosas de los esclavos. 6 7 8 Una de ellas se efectuó en 1789, Manuel Warnes (entonces funcionario del cabildode Buenos Aires), elevó una denuncia contra ciertas prácticas de los esclavos africanos y sus descendientes (esclavos afroargentinos) residentes en Buenos Aires diciendo lo siguiente: «No permitan semejantes bailes y juntas las del tango, porque en ellas no se trata sino del robo y de la intranquilidad para vivir los negros con libertad y sacudir el yugo de la esclavitud».6

En los albores del siglo XIX, el cabildo de Montevideo certificó la existencia de los candombes, a los que llama alternativamente «tangos» o «tambos», prohibiéndoles llevar a cabo su actividad escénica bajo el argumento de la lesión a la moral pública y castigando a sus cultores.

60: COUNTRY

Country (también llamado Country & Western) es un género musical surgido en losaños 20 en las regiones rurales del Sur de Estados Unidos y las Marítimas de Canadá y Australia. Combinó en sus orígenes la música folclórica de algunos países europeos de inmigrantes, principalmente Irlanda, con otras formas musicales ya arraigadas en Norteamérica, como

el blues y la música espiritual y religiosa como el gospel. El términocountry comenzó a ser utilizado en los años 50 en detrimento del término Hillbilly, que era la forma en que se lo conocía hasta entonces, terminando de consolidarse su uso enlos 70.

El country tradicional, se tocaba esencialmente con instrumentos de cuerda, como laguitarra, el banjo, el violín sencillo (fiddle) y el contrabajo, aunque también intervenían frecuentemente el acordeón (de influencia francesa para la música cajún), y la armónica. En el country moderno se utilizan sobre todo los instrumentos electrónicos, como laguitarra eléctrica, el bajo eléctrico, los teclados, el dobro, o la steel guitar.

La familia Carter (The Carter Family) fue la primera en grabar en disco una canción country, junto a Jimmie Rodgers, consolidando este género musical con el nombre inicial de "hillbilly", que luego dejaría paso al de simplemente "country". Ambos influyeron con sus respectivos estilos a numerosos cantantes que les sucedieron. En los años 40 fueron sobre todo cantantes como Hank Williams los que contribuyeron a su creciente popularidad. En la década de los años 1960 la música country adquirió elementos delrock and roll (el vigoroso "rockabilly") de Johnny Cash, Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Bill Haley o Buddy Holly), género que por aquel entonces vivía un enorme auge, y que aportó ritmos y melodías más desarrolladas. Si bien se pueden escuchar hoy en día toda clase de variantes del country, el que se combina con el rock, y más recientemente con el pop, es el que más éxito tiene ante el público masivo.

Así, el término country, actualmente es un cajón de sastre en el que se incluyen diferentes géneros musicales: el sonido Nashville (más cercano al pop de los años 60), elbluegrass (popularizado por Bill Monroe y Flatt and Scruggs, basado en ritmos rápidos y virtuosísimos, interpretados con mandolina, violín y banjo), la música de westerns deHollywood, el western swing (una sofisticada música basada en el jazz y popularizada por Bob Wills), el Sonido Bakersfield(popularizado por Buck Owens y Merle Haggard), el Outlaw country, cajún, zydeco, gospel, Old Time (música folk anterior a 1930),honky tonk, rockabilly o Country neo-tradicional. Cada estilo es único en su ejecución, en el uso de ritmos y acordes, aunque muchas canciones han sido adaptadas para los diferentes estilos. Por ejemplo, la canción "Milk cow blues", una antigua melodía blues de Kokomo Arnold ha sido interpretada en una amplia variedad de estilos del country, desde Aerosmith a Bob Wills, pasando por Willie Nelson, George Strait, Ricky Nelson o Elvis Presley.

61: FLAMENCO

El flamenco es un estilo de música y danza que se originó en Andalucía (España). El flamenco tal y como lo conocemos hoy en día data del siglo XVIII, y tiene como base lamúsica y la danza andaluza. Existe controversia sobre su origen, ya que si existen distintas opiniones y vertientes, ninguna de ellas puede ser comprobada de forma histórica, y aunque el diccionario de la RAE lo asocia a la etnia gitana,1 esto no debe ser aplicable a su origen, pero, no obstante, ningún estudioso de la materia duda de la aportación gitana inicial a las bases actuales del flamenco. De todas las hipótesis sobre su origen, la tesis más extendida es el origen morisco, sólo que el mestizaje cultural que se dio en Andalucía (oriundos, musulmanes, gitanos, castellanos inmigrantes, judíos, etc.) propició el origen de este género. Gitanos hay en muchas partes del mundo y, sin embargo, el flamenco solo fue originario de Andalucía. Está considerado actualmente como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad y Patrimonio Cultural Inmaterial Etnológico Andaluz.

El cante, el toque y el baile son las principales facetas del flamenco. En los últimos años, la popularidad del flamenco en Iberoamérica ha sido tal que en Guatemala, Costa Rica, Panamá y El Salvador han surgido diversas agrupaciones y academias de flamenco. En Japón el flamenco es tan popular que en ese país hay más academias de flamenco que en España.  En noviembre de 2010 la Unesco declaró al flamencoPatrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.

62: MUSICA CELTA

Música celta es el término utilizado para describir un amplio grupo de géneros musicales que parten de la tradición musical popular de los pueblos considerados de tradición celta de Europa Occidental. Como tal, no existe un cuerpo musical real que pueda ser descrito como celta, pero el término sirve para unificar tanto músicas estrictamente tradicionales de determinadas regiones geográficas, como un tipo de música contemporánea de raíz folclórica con un mismo origen etnológico y musical.

El término significa principalmente dos cosas: en primer lugar es la música de los pueblos que se autodenominan celtas, a diferencia de, por ejemplo, la música francesa o la música inglesa, definidas por existir dentro de unas fronteras políticas claras. En segundo lugar, se refiere a las características que serían exclusivas de la música de las llamadas naciones celtas. Algunos, como Geoff Wallis y Sue Wilson en su obra The Rough Guide to Irish Music, insisten en que muchas de las tradiciones agrupadas en la etiqueta "celta" son ostensiblemente diferentes entre sí (por ejemplo, la gaélica y la bretona) y en realidad tienen nada o poco en común. Otros, sobre todo músicos como Alan Stivell, dicen que sí lo tienen, en concordancia con estudios más antiguos.1

A menudo, por su amplia difusión, el término "música celta" se aplica a la música de Irlanda y Escocia ya que ambos lugares han producido estilos bien conocidos que comparten muchos y evidentes rasgos comunes, tanto en lo musical como en lo lingüístico (cultura gaélica). Sin embargo, es notable que los músicos tradicionales irlandeses y escoceses evitan el término música celta, excepto cuando se ven obligados a ello por las necesidades del mercado, y cuando se producen en festivales de música celta fuera de sus fronteras. La definición se complica aún más por el hecho de que la independencia permitió a Irlanda promocionar la música celta como un producto específicamente irlandés, quedando así difuminados sus lazos musicales con la vecina Escocia (lazos que han sido en gran parte restablecidos por los músicos modernos). Escoceses e irlandeses, aunque distintos y separados en lo político, comparten una misma ascendencia cultural y, por consiguiente, puede hablarse de un patrimonio musical celta (o gaélico) común a ambos.

Estos estilos gaélicos gozan de renombre internacional debido a la influencia de irlandeses y escoceses en el mundo de habla inglesa, especialmente en Estados Unidos, donde tuvieron un profundo impacto en músicas americanas como el bluegrass y el country.

La música de Gales, Cornualles, la isla de Man, Bretaña, Galicia, Asturias, y algunas zonas de Cantabria León y Portugal son a menudo etiquetadas también como "música celta", aunque poco tienen que ver sus respectivas tradiciones con la música que constituye su principal referencia, es decir, la gaélica de Irlanda y Escocia.

63: MERENGUE

El merengue es un estilo musical y de baile originado en la República Dominicana a principios del siglo XIX. Es considerado como un magno género de música nacional e internacional más alegre y movida.

En sus orígenes, el merengue era interpretado con instrumentos de cuerda (bandurria y/o guitarra). Años más tarde, los instrumentos de cuerda fueron sustituidos por el acordeón, conformándose así, junto con la güira y la tambora, la estructura instrumental del conjunto de merengue típico. Este conjunto, con sus tres instrumentos, representa la síntesis de las tres culturas que conformaron la idiosincrasia de la cultura dominicana. La influencia europea viene a estar representada por el acordeón, la africana por la tambora que es un tambor de dos parches, y la taína o aborigen por la güira.

Aunque en algunas zonas de la República Dominicana, en especial en el Cibao y en la subregión Noroeste, hay todavía conjuntos típicos con características similares aquellos pioneros, este ritmo fue evolucionando durante todo el siglo veinte. Primero, con la introducción de nuevos instrumentos como el saxofón y más tarde con la aparición de orquestas con complejas secciones instrumentales de vientos.

La evolución del merengue de letra decente para amenizar una de sus rumbas. A partir de entonces, se diseminó muy rápidamente por todo el país.

Como fueron músicos cultos los que fijaron la forma musical del nuevo merengue, los músicos populares trataron de imitar y seguir este modelo mientras que el hombre de campo continuó tocando el merengue en su forma original. Esto dio origen a dos formas de merengue: el merengue folclórico o típico, que aún se encuentra en los campos, y el merengue de salón, propio de los centros urbanos. De esta manera, desplazó a algunos otros bailes típicos como la tumba, que requería gran esfuerzo físico y mental, mientras que la coreografía del merengue, en la que el hombre y la mujer no se sueltan nunca era bastante simple, aunque poco a poco fueron desarrollándose diversas figuras para este baile de salón.

64: EL TWIST 

es un baile basado en el rock and roll muy popular a comienzos de la década de 1960, llamado así a partir de una canción que lo originó: The Twist. Fue el primer estilo internacional de baile basado en el rock and roll, donde las parejas no se tocaban mientras bailaban.

Este baile lo popularizó Chubby Checker en 1960 con su versión del tema de The Twist compuesto por Hank Ballard en 1959. La versión de Checker llegó al número uno de los ránkings en los Estados Unidos, y se convirtió en el poseedor de un récord al ser el primer sencillo en alcanzar el primer lugar dos veces en años diferentes. La primera vez en 1960 y luego en 1962.

A España el Twist llegó en 1962, y fue entonces cuando grupos y solistas comenzaron a versionar y crear nuevos twist. Algunos de ellos son Lolita twist , el twist de la risa, flamenco twist, el twist del reloj etc.

En América Latina, la locura por el Twist se desató también entre los años 1960-1962 pero no por las versiones de Checker o Ballard, sino por la de Bill Haley & His Comets. En México, fueron grandes éxitos temas "The Spanish Twist" "Florida Twist y "Twist-er", donde la banda consiguió el reconocimiento de ser los iniciadores del baile de moda.

65: SAMBA

El samba es un género musical de raíces africanas surgido en Brasil, del cual deriva un tipo de danza. Es una de las principales manifestaciones de la cultura popular brasileña y un símbolo de la identidad nacional.

Si bien en casi toda Hispanoamérica se utiliza la voz femenina (la samba), en Brasil y en algunos países como Argentina, Cuba y Uruguay, se utiliza la voz masculina (el samba). 1No debe confundirse con la zamba, género musical completamente distinto, de origen hispanoamericano.

Dentro de sus características figura una forma donde la danza es acompañada por pequeñas frases melódicas y coros de creación anónima, típica del samba de roda, ritmo y danza originado en el recóncavo bahiano, región geográfica en torno a la bahía de Todos los Santos, en el estado de Bahía.3 El samba de roda, una de las bases del samba carioca y designado en 2005 patrimonio de la Humanidad por la Unesco,4 fue llevado a Río de Janeiro en la segunda mitad del siglo XIX por los negros traídos comoesclavos de África que se instalaron en la entonces capital del imperio del Brasil.

A pesar de su presencia en varias regiones brasileñas bajo la forma de diversos ritmos y danzas populares regionales de origen africano, especialmente en los estados de Bahía,Pernambuco, Maranhão, Minas Gerais y São Paulo, como género musical es considerado una expresión musical urbana de la ciudad de Río de Janeiro, donde este formato de samba nació y se desarrolló entre fines del siglo XIX y las primeras décadas del siglo XX. Fue en la antigua capital de Brasil que la danza practicada por los esclavoslibertos entró en contacto con otros géneros musicales y los incorporó, adquiriendo un carácter singular: polca, maxixe, lundu, xote, entre otros. De esta forma, si bien existen otras formas regionales en Brasil, fue el samba carioca el que alcanzó la condición de símbolo de la identidad nacional brasileña durante los años 1930.

66: NEW AGE

El New Age es un género musical, creado por diferentes estilos cuyo objetivo es crearinspiración artística, relajación y optimismo. Suele ser utilizada por los que practicanyoga, masaje, meditación,1 y lectura como método para controlar el estrés2 o para crear una atmósfera pacífica en su casa o en otros entornos, y suele asociarse al ecologismoy a la espiritualidad New Age.1

Las armonías en la música New Age suelen ser generalmente modales, consonantes, o incluir un bajo en forma de drone. Las melodías suelen ser repetitivas, para crear una sensación hipnótica, y a veces se utilizan sonidos de la naturaleza como introducción a un tema o a una pieza. Son frecuentes las piezas de hasta treinta minutos.

La música New Age puede ser tanto electrónica, normalmente basándose en pads de sintetizador sostenidos o largos trozos de secuenciador, como acústica, utilizando instrumentos como flautas, piano, guitarra acústica y una amplia gama de instrumentos acústicos no occidentales. En muchos casos se utiliza el sampleo digital de instrumentos de alta calidad en lugar de instrumentos orgánicos. Los arreglos vocales solían ser extraños en la música New Age, pero a medida que fue evolucionando las vocales se hicieron más comunes, especialmente las que incluían cánticos de nativos americanos, sánscrito o música tibetana, o letras basadas en mitologías como la celta o del ámbito de las hadas.

Algunos músicos New Age abrazan abiertamente las creencias New Age, mientras que otros grupos no consideran que su propia música pertenezca a esta forma de pensamiento, y ello aunque su música se haya catalogado como New Age por los sellos discográficos, las tiendas de discos o los programas de radio.

67: BLACK METAL

El black metal es un subgénero extremo del heavy metal, surgido a mediados de losaños ochenta. Se caracteriza por sus letras anticristianas, que generalmente abarcan temas como el odio, la misantropía, el satanismo, la violencia, el negativismo, el suicidio, el ocultismo, el nihilismo y la guerra.nota 1 Nace como expresión musical de los movimientos anticristianos que proliferan alrededor del continente europeo,1 cuyo mayor impulso fue a través de la quema de numerosas iglesias cristianas2 3 en países tan fuertemente cristianizados como los escandinavos, curiosamente, cuna de dicho género musical; además, está fuertemente cargado de polémica por los asesinatos obrados porVarg Vikernes y Bård Faust en Noruega.

El black metal tradicional tiene características básicas muy definidas, las que son: la voz gutural aguda llamada comúnmente shriek("chillido", en inglés), guitarras rápidas, atmósfera oscura e inusuales armonías y ritmos sumamente veloces. La mayoría de grupos utilizan un método simple en la composición de la música, mientras que otros se caracterizan más por la técnica. El black metal originario, de primera y segunda oleada, se caracteriza por un sonido «crudo» a base de guitarras muy distorsionadas, y batería acelerada derivada del thrash metal (utilizando frecuentemente los blast beats, comunes también en otros subgéneros como el death metal).

El satanismo, bien simbólico  o como un auténtico dogma de fe y ser altamente religioso, suele ser la esencia de la mayoría de bandas de Black metal, siendo acompañadas normalmente, por sentimientos profundamente marcados por el odio, la misantropía,6 la violencia, la guerra, la sabiduría y, sobre todo el ocultismo, siendo antimonoteístas. El Black metal evoluciona y combina factores en su composición, añadiendo otros elementos, que conferirán una nueva naturaleza al estilo musical de cada banda. Algunas de estas combinaciones y evoluciones darán lugar a diferentes subgéneros de black metal.

68: VIKING METAL

Toma como base el black metal, y en menor medida el folk metal. Existe la creencia equívoca de que una banda de viking metal es toda aquella cuyas letras traten los temas típicos de este estilo: las costumbres vikingas, los guerreros vikingos, los berserkers, elásatrú... cuando el viking metal tiene más elementos diferenciadores y comunes. Es más, existen bandas de viking metal cuya temática no es la anteriormente descrita. El viking metal usa tiempos más relajados, llegando a ser épicos en ciertos momentos, que el black metal y los "blast beats" (batería acelerada clásica del black metal, en castellano significaría "ritmo relámpago") son menos frecuentes. De igual manera las influencias de la música folk son comunes sobre todo con violines y sonido de fondo de ruidos de naturaleza e incluso también de batallas, llevando esto a que los grupos de viking metal oscilen usualmente entre este estilo y el folk metal, siendo las diferencias, a veces, muy sutiles entre ambos estilos. El viking metal, en contraposición a otros movimientos como el black, no busca ambientes deprimentes ni solitarios, versa más bien sobre la épica, el ardor guerrero, las escenas tradicionales vikingas, el deseo de las expediciones, las fiestas cerveceras y otras temáticas menos lúgubres.

69: RANCHERAS

La canción ranchera es un género musical popular de la música mexicana, ampliamente ligada a los mariachis.

Sus orígenes datan del siglo XIX, pero fue desarrollado en el teatro nacionalista del período post-revolucionario de 1910 y se convirtió en el ícono de la expresión popular deMéxico, un símbolo del país, que fue difundido con gran éxito por varios países latinoamericanos especialmente gracias al cine mexicano de las décadas de 1940, 1950,1960 y 1970, causando profundo arraigo entre los sectores populares y medios.

Los cantantes profesionales de este género desarrollaron un estilo extremadamente emocional, una de cuyas características consiste en sostener largamente una nota al final de una estrofa o línea, culminando en una "terminación fundida".

Lola Beltrán es considerada la "Reina de la Canción Ranchera" y María de Lourdes es "La Embajadora de la Canción Ranchera" ambas cantantes mexicanas se destacaron por llevar la música ranchera por países donde no se habla español, es el caso de Indonesia, Rusia, Países Bajos y Francia,entre otros.

En cuanto a las letras, predominaron en un comienzo las historias populares relacionadas con la Revolución mexicana, la vida campesina, los caballos, la familia, los bares y cantinas y las tragedias amorosas. Posteriormente las temáticas se han centrado especialmente en el amor de pareja y como sucede con todo ritmo que se "internacionaliza", su capacidad para contar historias populares se ha debilitado por cuenta de la presión de los productores musicales.

Las rancheras han llegado a ser uno de los géneros más representativos de la música mexicana (que tiene diversos estilos regionales), evolucionando desde el escenario local y campesino hasta la conquista internacional.

70: FOLKLORE

La música tradicional, música folclórica , música típica o folk (como se le conoce en algunos países de América), es la música que se transmite de generación en generación (y hoy día también de manera académica) como una parte más de los valores y de la cultura de un pueblo. Así pues, tiene un marcado carácter étnico que normalmente no la hace fácil de comprender a escala internacional. No obstante, existen excepciones notables como el flamenco, la jota, el tango, la Cueca, la samba, cumbiacolombiana y, en general, todos los ritmos latinos que hayan mantenido cierta entidad propia con el tiempo y sean algo más que una moda.Dentro de nuestra música tradicional popular se encuentran ritmos, muchos de ellos llegados en tiempos de la colonia, otros posteriores a esta que poco a poco se fueron mezclando con nuestra música aborigen para dar cambios en su forma armónica así como en el ritmo y la melodía; muchas de las canciones y ritmos en su mayoría llegados a nuestro territorio, eran cantos proanos y cantos religiosos por lo general traídos de España. Nuestro indio, mestizo o ladino optó estas formas, en algunos casos cambió su letra o su melodía pero siempre manteniendo el nombre del ritmo de la canción, aunque en algunos casos dándoles una interpretación diferente. De esta manera podemos decir que se ejecutan los siguientes ritmos; Las denominadas parranderas, callejeras o pasacalles, comprende a las jotas, vals-jota, danza y contradanza por lo general ejecutados por las “cimarronas… en turnos, corridas de toros, desfiles de disfraces y otras festividades; además del vals criollo, mazura, corrido, fox trot, polcas, pasillo. Pasodoble, etc. En la vertiente Atlántica se encuentran otros ritmos pertenecientes al grupo cultural afrolimonense , traídos de la zona por los negros que vinieron contratados por la construcción del ferrocarril; la mayoría de ellos vinieron de Jamaica, de las islas de Guadalupe, ST Kitts yde otras Antillas Menores. Para acompañar la danza denominada cuadrilla o cuadril y el square dance se puede escuchar el vals, el pasillo colombiano, la mazurca, marcha, gavota, polea, en algunos casos merengue antillano, calipso,frutas y más cosas de la vida cotidina.

71: NEO-CLASSICAL METAL

Las progresiones de los acordes, los arpegios, los acordes partidos y las veloces escalas características toman su origen, principalmente, de los compositores de la música clásica, en especial Johann Sebastian Bach, Antonio Vivaldi, Niccolo Paganini,Wolfgang Amadeus Mozart o Ludwig van Beethoven. Muchos de los guitarristas que tocan el estilo neoclásico normalmente son virtuosos muy entrenados. No sólo existen guitarristas, también hay teclistas

virtuosos como: Alex Staropoli, Vitalij Kuprij, Michael Pinella, Richard Andersson, Yuhki, Jens Johansson o Jon Lord

Aunque quizás el mejor representante del estilo es Yngwie J. Malmsteen, que adaptó las técnicas de violín de Niccolo Paganini a la guitarra eléctrica con distorsión, los elementos de la música clásica han sido usados antes en el heavy metal y el hard rock, remontándonos a la época de Ritchie Blackmore del grupo Deep Purple, o en Rainbow, grupos con los cuales ya había adoptado influencias clásicas en su forma de tocar, por lo cual es considerado el creador de dicho género ya que su espectacular técnica para tocar la Fender Stratocaster, influencia, directa o indirectamente, a todos los posteriores guitarristas, notablemente, desde al ya mencionado Yngwie J. Malmsteen (quien lo ha reconocido públicamente), hasta la música desarrollada por las bandas de Power Metal o Heavy Metal europeo. Otros guitarristas destacados del estilo son:Luca Turilli, Walter Giardino, Syu, Dave Murray, John Norum, Marty Friedman, Timo Tolkki, Michael Romeo, Vinnie Moore, Tony MacAlpine, Jason Becker, Enrik García, Randy Rhoads, Axel Rudi Pell, Joe Stump, Chris Impellitteri, Pier Gonella, entre otros.

Las bandas más destacadas de metal neoclásico son:

Rhapsody of Fire

Rata Blanca

Rainbow

Yngwie J. Malmsteen

Stratovarius

Symphony X

At Vance

Galneryus

Ark Storm

Helloween

Dark Moor

Moi Dix Mois

Luca Turilli's Rhapsody

Coroner

Aunque hay varias bandas que agregan estos sonidos a su música, y la intervienen con acompañamientos orquestales, a este género se le conoce como metal sinfónico.

72: J – POP

La música pop japonesa, en ocasiones llamada con el anglicismo J-Pop 『ジェイポプ』 o Japanese pop se refiere a la música pop japonesa moderna, y es aquella que se basa principalmente en las influencias occidentales modernas más que en las influencias musicales tradicionales japonesas.

El neologismo j-pop fue inventado por la estación de radio, J-WAVE en la época de los 70s como una manera de referirse al kayokyoku (música japonesa moderna) y diferenciarla de la música tradicional japonesa la cual carecía de influencias extranjeras. Cantantes e intérpretes J-

Pop incluyen músicos populares, Idols así como intérpretes seiyuu también conocidos como actores o actrices de doblaje.

En el área de Nagoya, el término z-pop es usado para las canciones populares de esa zona. Algunas canciones Enka, como aquellas interpretadas por Miyuki Nakajima y Anzen Chitai caen en ambos tipos, en Enka y J-pop, y pueden o no ser incluidos en ambos. Es típico ver tiendas de música en Japón que clasifican la música en las categorías J-pop,  Enka (un tipo tradicional de balada), música clásica y música en Inglés o internacional.

73: BOLERO

El bolero es un género musical de origen cubano, muy popular en todos los países hispanoamericanos.

El género es identificable por algunos elementos rítmicos y nuevas formas de composición que aparecieron en el quehacer musical en la isla de Cuba durante el siglo XIX. Aunque comparte el nombre con el bolero español, que es una danza que surgió en siglo XVIII y se ejecuta en compás ternario de 3/4 , el género cubano desarrolló una célula rítmica y melodía diferente, en compás de 4/4.

El bolero típico cubano surgió alrededor de 1840. Se acepta que el primer bolero fue Tristezas, escrito por el cubano José Pepe Sánchez en Santiago de Cuba en 1883.1 2 3 4 Esa pieza dio origen formal al género y presentó el acompañamiento musical que denominamos «clásico» de guitarras y percusión.

74: MANBO

La palabra mambo es usada para denominar un género musical y un baile originario deCuba. El mambo fue inventado durante los años 30's por Arsenio Rodríguez, 1desarrollado en la Habana por Cachao y popularizado por Dámaso Pérez Prado , José Curbelo y Benny Moré.

La palabra mambo es de origen africano, de la región del Congo, algunos lo han traducido como "conversación con los dioses", conversación, conocimiento. También se les llama mambo a las sacerdotisas vudú en Haití. Luego la palabra mambo es utilizada por Arsenio Rodríguez para designar a al estilo musical que ideó. En aquellos tiempos, Lopéz Cachao formaba parte de la orquesta charanga de Arcaño y sus Maravillas, estilo el cual llamaron mambo del danzón. Luego Dámaso Pérez Prado y Beny Moré hicieron popular otro género musical con el mismo nombre en la Ciudad de México. Perez Pradotomo la síncopa de el son montuno y el nombre mambo, del danzón de Orestes, y creo un nuevo género musical afincados en la base del son montuno integrándole nuevas melodías, saxofones y trombones haciéndolo famoso en el resto del mundo a finales de la década del cuarenta y también en los años cincuenta.

El mambo se desarrolla a partir del danzón, el baile nacional de Cuba y el son montuno de Arsenio Rodriguez, el danzón en los años 30 fue el género más popular en las pistas de baile habaneras. En 1940 el son cubano evolucionó hacia un tempo más acelerado con la incorporación de la conga, piano y otra trompeta en el conjunto de Arsenio Rodriguez que fue incorporando estilos cada vez más atrevidos y agresivos. La interdependencia creciente entre músicos y bailadores hizo posible que la percusión fuera adquiriendo poco a poco un papel cada vez más predominante. De igual forma, los arreglos orquestales de Dámaso Pérez Prado, le aportaron una sonoridad nueva, sin precedentes hasta ese entonces. En los años siguientes se fusionarían también el mambo y el jazz afrocubano.

El mambo se baila siguiendo un ritmo sincopado, con cuatro pasos por compás, o sea 4/4, nota musical tomada del son cubano y trasmitido al son montuno en el cual se apoya la base de el mambo de Perez Prado y de José Curbelo. Se marcan los cuatro tiempos, con movimientos

fuertes y frecuentes flexiones de las articulaciones de pies y brazos. Este es un baile "fuerte" que requiere velocidad de pies, mucha energía y pocas inhibiciones.

En la actualidad el mambo es uno de los ritmos latinos que se enseñan en clases de baile de salón, aunque en muchas escuelas tiende a confundírsele con el son montuno o guaracha comercialmente llamados salsa en Nueva York.

75: VALS

El vals (del galicismo valse, que a su vez procede del germanismo Walzer, término proveniente del verbo alemán wälzen, 'girar, rodar') es un elegante baile musical a ritmo lento, originario del Tirol (Austria) por el siglo XII. El vals conquistó su rango de nobleza durante losaños 1760 en Viena, expandiéndose rápidamente por otros países. Algunos autores creen que el vals tuvo su origen en la volte o volta, danza de baile en tres tiempos practicada durante el siglo XVI. La palabra vals nació en el siglo XVIII, cuando el vals se introdujo en la ópera y en el ballet.

En su origen tenía un movimiento lento aunque, ahora se ha convertido en una  danza de ritmo vivo y rápido. Su característica más significativa es que sus compases son de 3/4. En el compás del vals, el primer tiempo siempre es considerado como el tiempo fuerte (F), y los otros dos son débiles (d). Así, el patrón es "F, d, d". Al oír la palabra "vals", enseguida se relaciona con música clásica, pero lo cierto es que el vals sólo es una forma musical y puede estar en cualquier estilo, por ejemplo en forma de rancheras mexicanas, aunque el Swing siempre es el ritmo más usado (el cual es de 4/4, en patrón F, d, F, d).

76: AXE

El axé (en portugués [ɐ'ʃɛ]) es un movimiento musical muy popular, surgido en el estado deBahía (Brasil), que se inició en la década de 1980 y que alcanzó la madurez en la década siguiente. Axé es una palabra en idioma yoruba cuyo significado es ‘energía positiva’ y ‘fuerza vital’. Esta música se expandió rápidamente por todo Brasil y por gran parte de América, principalmente en Argentina, Bolivia, Chile, Perú y Uruguay. Se encuentra enraizada en varios movimientos musicales como el samba, el frevo, el funk carioca y el reggae. Muchos aseveran que fueron los ritmos afro, la fuerza del Carnaval de Bahía (Carnaval de Salvador) y sus potentes tríos eléctricos, los que impulsaron esta música. En sus coreografías incorpora aspectos de samba-reggae, freo, afro, afoxé, hip hop, danza contemporánea e incluso el aeróbic.

77: DREAM POP

El Dream pop es un género musical descendiente del wave etereo y rock alternativo, pero con un estilo más suave, atmosférico y ensoñador. Es de la familia del rock alternativo / indie rock y se caracteriza por guitarras que utilizan pedales de efectos con eco, en especial el delay y el chorus (este es el caso de los que siguen el estilo Cocteau Twins), o también sin efectos pero con sonidos suaves casi carentes de distorsiones o ruidos abrasivos y con un ambiente melancólico y triste como en el caso de Galaxie 500,Luna o Ultra Vivid Scene, y por último guitarras acústicas con un sonido ensoñador y ritmo lento como en el caso de Mazzy Star o Belly. Sintetizadores densos, bajos monótonos al estilo indie, en el primer Dream Pop se presentaba por lo común baterías programadas, pero luego aparecieron bateristas reales donde ejecutan un ritmo pausado y lento al estilo del Britpop. Las voces por lo común son suaves y respirables y el ambiente lánguido de su música.

Las portadas de los discos en su mayoría reflejan el arte minimalista, donde es muy raro que aparezcan las caras de los artistas ejecutantes y muchas veces reflejan motivos que tienen que

ver con cosas propias que uno ve en sus sueños o también cosas que tienen que ver con la naturaleza.

Cocteau Twins son considerados los creadores de este genero y el nombre del género deriva de Alex Ayuli del grupo A.R.Kane que llamó así a su música ensoñadora. Cabe destacar también el colectivo This Mortal Coil, que bajo la mano del fundador del sello4AD, Ivo Watts-Russell, juntó a las principales estrellas de la escena Dream Pop de los 1980s en el Reino Unido.

El pico del género fue primero de 1989 a 1992 y luego, a comienzos del nuevo siglo cuando Coldplay empezó a utilizarlo en sus discos. Parte del género fueron los Cocteau Twins, Slowdive, Mazzy Star, Sugar Plant, Azure Ray y Beach House. Su popularidad tanto en el ambiente del rock es mediana a baja. Sus discos más populares son "Treasure" (1984) y "Heaven or las Vegas" (1990) de los Cocteau Twins, "Souvlaki" (1993) de Slowdive, "So tonight that I might see" (1993) de Mazzy Star, "Floating into the night" (1989) de Julee Cruisey "Teen Dream" (2010) de Beach House.

En comienzos de la década del 2010, bandas emblemáticas empiezan a desaparecer, empieza a aparecer nuevos aires del dance-pop/electro-pop que intentan rememorar los ochenta, pero con la música electrónica y el sonido hip-hop propio del siglo XXI. Empiezan a aparecer artistas y bandas como Robin Guthrie (ex-guitarrista de la banda líder del Dream Pop, Cocteau Twins), Cranes, School of Seven Bells, Speck Mountain, Beach House, M83, The Radio Dept., etc. que le siguen dando vida al género, con una aparente recambio de bandas nuevas que están empezando a explotar comercialmente, como si lo hicieron otras, hace algunos años atrás. El crecimiento más destacado en la década del 2010 es el de Beach House que ya viene sumando interesantes discos y con Teen Dream y Bloom, están alcanzando una fama similar a la que tuvo Cocteau Twins.

El Dream Pop es una música que es casi propiedad de la juventud de la clase media inglesa, sus formas suaves, etéreas, celestiales, hacen que otros seguidores de diversos géneros no lo tomen como parte del rock, pero a la vez ese sonido amigable consigue bastante aceptación y es por ello que hace que el género se retroalimente y consiga mantenerse con vida. También tiene mucho que ver en la supervivencia del género la fuerte influencia que ha ejercido sobre varios grupos la interesante y compleja música de los Cocteau Twins.

78: CHARLESTON

El charlestón es una variedad del foxtrot, que hizo furor en Estados Unidos durante la década de los 20.

Este baile se origina en 1903, como una danza folclórica negra, en Estados Unidos, específicamente en Charleston, Carolina del Sur. Comenzó a practicarse en los años 1920, como una forma de diversión y distracción después de la Primera Guerra Mundial. El charleston también fue conocido como Hit-hat.

El Charleston se convirtió en una moda y tuvo gran importancia en Europa, a raíz de su presentación en el musical negro "Running Wild", en 1923. Fue un ritmo, y también un símbolo, que caracterizó una época de despreocupación. El Charleston llegó a ser tan popular en Europa, que casi el 80% de la población lo practicaba y disfrutaba.

A partir del año 1927, el Charleston comenzó a decaer, llevándose consigo uno de los bailes más extravagantes y conocidos hasta esa fecha

79: PORNOGRIND

Pornogrind, o pornogore es un subgénero del goregrind surgido en los inicios de la década de 1990; difiere del goregrind únicamente en el contenido de las letras, las cuales se basan en sexo y diferentes perversiones. Bandas incluyen a Cock and Ball Torture,Torsofuck, Cemetery Rapist, etc.. La musicalización es simple, suele utilizar partes de películas o diálogos algo relacionados a la canción, y las portadas de los álbumes contienen imágenes sexuales repulsivas en la gran mayoría de las ocasiones.

Este subgénero es de los menos conocidos dentro de los fans del grindcore, ya sea por su contenido o simplemente por no haber una cantidad abierta de bandas que den a conocer su contenido.

80: GLAM ROCK

El glam rock es un estilo visual dentro de géneros musicales nacido en Gran Bretaña, cuyo apogeo tuvo lugar entre 1971 y 1974. Su nombre es un apócope de la palabra «glamour».

Nació en una época en la que el rock psicodélico derivó hacia unos estilos que abusaban del virtuosismo y los largos desarrollos en las canciones, en perjuicio de la frescura que se podía encontrar en el viejo rock'n'roll. Por ello, muchos artistas, como Marc Bolan deT.Rex y David Bowie, comenzaron a buscar esa espontaneidad perdida.

Si por algo se caracterizaba este estilo era por dar tanta importancia a su música como a su estética (o, mejor dicho, su estética era también parte de su música). Así que frente a la imagen de macho-rock imperante en esos días, se rebelaron dando uso masculino a elementos del vestir tradicionalmente femeninos y exhibiendo una actitud descarada y provocativa.

El pionero fue Marc Bolan, entre cuyos "hallazgos" estéticos se encuentran los estampados de leopardo, las chisteras, las boas de pluma y la purpurina. Conforme iba creciendo el género se fueron popularizando los trajes futuristas brillantes, las botas con plataforma, los peinados imposibles y los kilos de maquillaje y purpurina que utilizaban. David Bowie también contribuyó al inspirarse en las travestis neoyorquinas del entorno de Andy Warhol, por cuya estética sentía predilección. Así nació la extravagante imagen glam, que solo podía haberse dado en una década tan propensa a los excesos estéticos como la de los '70.

La guinda en el pastel la puso la teatralidad que ostentaban en sus actuaciones, tomada directamente de las performances de Lindsay Kemp y del teatro de vanguardia.

81: CANDOMBE

El candombe es una manifestación cultural de origen negroafricano. Tiene un papel significativo en la cultura de Uruguay de los últimos doscientos años, fue reconocido por UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad.1Es una manifestación cultural originada a partir de la llegada de esclavos de África. Existen en menor medida, manifestaciones propias de candombe enArgentina y Brasil. En Argentina puede encontrarse, en Buenos Aires, Santa Fe,Concordia, Paraná, Saladas y Corrientes.2 En Brasil aún conserva su carácter religioso y lo vemos en el Estado de Minas Gerais.

Uruguay

El candombe surge en la época colonial como el principal medio de comunicación de los africanos esclavizados que desembarcaban en el puerto de Montevideo, de forma que aúna comunicación, danza y religión. La palabra candombe aparece escrita por primera vez en una crónica del escritor Isidoro de María (1808–1829). Su origen se remonta a fines del siglo XVIII en el Virreinato del Río de la Plata, en lo que hoy es Argentina y Uruguay, con su característico tamboril y sus personajes prototípicos. Originalmente concebida como pantomima de la

coronación de los reyes congos, imitando en la vestimenta y en ciertas figuras coreográficas, aunó elementos de la religión bantú y la católica. Si bien es original de la actual Angola, de donde fue llevado a Sudaméricadurante los siglos XVII y XVIII por personas que habían sido vendidas como esclavos en los reinos de Kongo, Anziqua, Nyongo, Luango y otros, a tratantes de esclavos principalmente portugueses Los mismos portadores culturales del candombe colonizaronBrasil (sobre todo en la zona de Salvador de Bahía), Cuba, y el Río de la Plata con sus capitales Buenos Aires y Montevideo. Las distintas historias que siguieron estas regiones separaron el tronco común originario dando origen a diversos ritmos hermanados en la distancia. Es de gran importancia remarcar que en su danza no existe imitación alguna por parte de los ejecutantes de su danza hacia sus amos (en esa época) sino que utilizaban su vestimenta en días de fiesta como conmemoración de días religiosos de la cultura.

El candombe uruguayo surge en Montevideo debido a su puerto natural de la época que facilitó la constitución de Montevideo como principal centro comercial de trata de esclavos junto con Cuba.

82: TRANCE

Trance es un género de música electrónica que se desarrolló en los años 1990. La música trance está caracterizada generalmente por un tiempo entre 120 y 140 BPM,fraseos melódicos cortos de sintetizador y una forma musical que sube y baja durante cada tema. Es el resultado de la combinación de diferentes estilos musicales, como elindustrial, el techno y el house. El origen del término es incierto, aunque se ha sugerido que puede derivar del álbum Trancefer, de Klaus Schulze, publicado en 1981, o bien del grupo Dance 2 Trance.

Entre mediados de los años 1970 y comienzos de los 1980, el compositor alemán Klaus Schulze, compuso varios álbumes de "space music" experimental, caracterizados por su textura atmosférica y ejecutados íntegramente mediante sintetizadores y secuenciadores analógicos, que repetían de forma hipnótica poderosos "loops" de sonidos sintéticos graves y medios, que sustituían completamente a los sonidos del bajo eléctrico y, en la primera mitad de los años 70, también a la batería, por lo que eran el hilo conductor de los temas, arropados por sonidos envolventes de sintetizador. A dicha música se la denominó coloquialmente como "música planeadora", "música cósmica", (en alemán, kosmische musik), "música espacial" o "rock espacial", y formaría una de las corrientes del kraut rock. Este género de música electrónica "cósmica" sólo se cultivó en Alemania Occidental, especialmente en Berlín, donde surgieron otros grupos que practicaban esta música envolvente. Se configuró así una escena musical que se conoce como Escuela de Berlín en oposición a otra corriente paralela de música electrónica "rítmica", caracterizada por el uso del ritmo Motorik, que surgió en Düsseldorf y que se denominó escuela de Düsseldorf.

Algunas de las primeras obras de Schulze tienen mucho que ver con el primer trance, y en ocasiones se llega incluso a clasificar como tal, como por ejemplo los álbumes Timewind de 1975 y Moondawn de 1976. Dos de sus álbumes de los años 1980 llegan incluso a contener la palabra "trance" en sus títulos: Trancefer (1981) y En=Trance (1987). Otra importante influencia previa a la de Schulze es la del músico francés Jean Michel Jarre a partir de 1976 y la de Equinoxe en 1978. Desarrolló también música electrónica, si bien con una orientación más popular que la de los alemanes, creando melodías electrónicas más asimilables, aunque sin dejar de lado la creación de secuencias rítmicas y etéreas texturas atmosféricas en muchos pasajes de sus obras.

Retrospectivamente, las primeras grabaciones que se pueden identificar como trance provienen del movimiento acid house, con discos como "Jesus loves the acid" de Phuture. El término "trance" se utilizaba habitualmente para describir el sentimiento de los (a menudo drogados) ravers que bailaban en las fiestas, clubs o raves. Otro tema que tuvo gran influencia en el origen del género fue Chime, publicada en 1990 por el grupo Orbital.

El sonido del trance posterior a su génesis en la época acid se dice que nació como un derivado del techno en clubs de Alemania yBélgica en los primeros años 1990. El disco The Age Love del grupo homónimo, publicado en 1990, se considera por algunos como la base del sonido trance que se originaría en Bélgica. Algunos consideran incluso a The Age of Love, como el primer single de verdadero trance de la historia. Otro destacado tema de la primera época de la música trance fue Power of American Natives, del grupo alemánDance 2 Trance, de 1992. Asimismo, hay que citar a Robert Miles, con sus temas "Children" y "Fable", como precursor de lo que luego se denominaría trance melódico.

83: NU JAZZ

El Nu jazz es un término genérico acuñado a finales de la década de los años 1990 para referirse al estilo que mezcla elementos jazzísticos con otros estilos musicales, como elfunk, soul, música electrónica, y libre improvisación1 . También se escribe como nü-jazzo NuJazz, también llamado electronic jazz, electro-jazz, e-jazz, jazztronica, jazz house, phusion, "neo-jazz" o future jazz.

De acuerdo con el crítico Tony Brewer,

El Nu Jazz, por supuesto, es al jazz tradicional lo que el punk o el grunge es al Rock. [...] Se enfoca en las canciones, y no sólo en la destreza de los músicos. La instrumentación va desde lo tradicional a lo experimental, las melodías son frescas y los ritmos nuevos y vivos. Hace que el jazz sea nuevamente divertido.

84: GRINDCORE

El grindcore (a veces acortado a grind) es una variante del hardcore punk llamada crust punk, que toma influencia de los géneros musicales más agresivos, incluyendo el death metal, el noise rock y las variantes más extremas del hardcore.

El grindcore se caracteriza por su distorsión brutal, guitarras afinadas varios tonos por debajo de lo habitual, tiempos vertiginosos, blast beats y su mezcla de voces utilizando tanto growls como shrieks. Las letras en el grindcore originalmente hablaban de temas sociales, aunque cada vez más tiende hacia el gore y el humor negro. Otra característica típica son las "microcanciones". Muchos grupos han hecho canciones que no duran siquiera un minuto. El grindcore suele tocarse con la formación clásica del hardcore punk: guitarra eléctrica, bajo y batería, sin embargo, no es raro encontrarse con formaciones grind que utilicen otros medios para crear su particular brutalidad sonora.

85: MALAMBOEl malambo es una danza folclórica tradicional argentina, perteneciente a la llamada música surera o sureña. Nació en las soledades pampeanas allá por el año 1600. Dentro de los bailes folclóricos argentinos, es una excepción que carece de letra; la música de un Bombo legüerolas guitarras acompaña a esta danza ejecutada, únicamente, por hombres. Se cree, y varios

estudiosos del tema están de acuerdo en, que el Malambo tiene influencia africana, en el zapateo (similar a los pequeños zapateos afroperuanos) y en el toque del Bombo.

Si bien el malambo nació en la llanura pampeana argentina, habiendo muchas posturas de acuerdo con la forma en que lo hizo, se extendió rápidamente a todo el país.

Debido a la diversidad geográfica, poblacional, cultural y social de Argentina, el malambo sufrió modificaciones adaptándose a la zona donde llegaba. De esta manera, nacieron dos grandes tipos de malambo: el norteño y el sureño. Tal como sus nombres lo indican cada uno se corresponde con la zona norte y sur del país respectivamente.

La nota característica de cada uno de estos malambos está constituida por la música, por la vestimenta y por la apariencia de las mudanzas:

De acuerdo con la música: el malambo norteño posee una música más rápida y un rasguido diferente de guitarra, a diferencia del malambo sureño que tiene una música algo más lenta. Sin embargo con el paso del tiempo esta diferencia casi ha desaparecido.

De acuerdo con la vestimenta: en la zona sur -llanura- se utilizaban botas de potro, hechas con el cuero de la pierna anterior de un caballo o burro, sin suelas; se utilizaba un  Chiripá -tela rectangular metida entre las piernas y sujetada a la cintura por un cinto o rastra-; un calzoncillo cribado -pantalón largo de corte recto con terminaciones en bordados- y un chaleco, con o sin chaqueta o saco. En la zona norte debido a las características pedrosas del terreno, las botas de potro fueron sustituidas por botas de cuero vacuno con suelas en la planta de los pies; debido al monte que abunda, el chiripá y el calzoncillo cribado fueron desechados porque se enganchaban con facilidad en las ramas, sustituyéndolos por bombachas -pantalones anchos y largos que se prenden con botones en los tobillos por debajo de las botas, dejándose caer sobre las mismas- y se utilizaban chaquetas y ponchos.

De acuerdo con las mudanzas: como consecuencia de la vestimenta, las mudanzas sureñas difieren de las norteñas en un punto: la manera de pegar en el suelo, la fuerza y la forma en que se efectúa un golpe básico. Las mudanzas norteñas a simple vista tiene mucha más «fuerza» que las sureñas debido al calzado -en el sur las botas de potro no poseían suela y eran muy finas-, por lo que el pie es asentado con más fuerza y con más brutalidad y frenetismo. Abunda en estas mudanzas los movimientos del pie. En las mudanzas sureñas en cambio, debido a la desnudez de los pies, los golpes no suelen ser tan brutales, en apariencia; abundan en cambio los movimientos de piernas. Los repiques son diferentes.

Debido a estas diferencias la técnica a aplicar será diferente según se trate de uno u otro estilo. En el malambo norteño se trabaja más la resistencia de los pies y rodillas, los cuales se encuentran bajo una presión muy grande debido a los golpes y movimientos. En el malambo sureño la resistencia debe encontrarse en los muslos y pantorrillas, ya que las mudanzas requieren una constante contracción del músculo; se asemejan al movimiento de un robot, pero de manera frenética.

86: MURGA

La murga es un género de música popular desarrollado en varios países, generalmente durante alguna festividad como Carnaval, fiestas patronales, aniversarios de fundación o eventos deportivos. Es, por un lado, un género teatral y, por otro, la denominación que se le da a los

conjuntos que lo practican. Es muy popular enUruguay, Argentina, Colombia, Panamá, Brasil y México donde suele ser interpretada por un coro con el acompañamiento musical de instrumentos de percusión.

La palabra "murga" tiene su origen en uruguay. El origen del género, de acuerdo a la definición del reglamento del Concurso Oficial de Agrupaciones Carnavalescas de Uruguay, se produjo en el año 1909 Algunos de sus componentes formaron una suerte de chirigota, la murga "La Gaditana", para salir a la calle a cantar y "pasar la gorra" (expresión rioplatense que significa pedir dinero), ya que no habían podido convocar suficiente público en sus funciones.

Al año siguiente una agrupación del carnaval se autodenominó "Murga La Gaditana que se va", cuyo director era Antonio Garin, para parodiar lo acontecido con los artistas españoles. A partir de ese momento la palabra "murga" se empezó a usar para denominar a esos conjuntos que ya existían desde el siglo XIX y que hasta ese momento eran llamados "mascaradas". El género fue evolucionando, tanto en la música como en las letras. Se le añadieron elementos del candombe y de otros ritmos que, adaptados a la batería de murga (bombo, redoblante y platillos de entrechoque) introducida en 1915, le dieron nueva sonoridad. En el aspecto teatral, la murga rioplatenserecibió influencias del Carnaval de Venecia y de la Comedia del arte, adoptando los personajes de Momo, Pierrot y Colombina.

87: BEAT

El término Generación Beat (en inglés: Beat Generation) se refiere a un grupo de escritores estadounidenses de la década de los cincuenta, así como al fenómeno cultural sobre el cual escribieron. Algunos elementos definitorios son el rechazo a los valores estadounidenses clásicos, el uso de drogas, una gran libertad sexual y el estudio de la filosofía oriental. Esta nueva forma de ver las cosas dejó su principal influencia y legado en la posterior contracultura o movimiento hippie.

Sus principales obras literarias son Aullido de Allen Ginsberg (1956), En el camino de Jack Kerouac (1957) y El almuerzo desnudo deWilliam S. Burroughs (1959). Recientemente se ha publicado en español "Cartas", correspondencia mantenida durante años entre Ginsberg y Kerouac.

88: CHAMAME

El Chamamé es un género musical bailable del folclore de Argentina, correspondiente a lamúsica litoraleña.1 En Argentina es escuchado en las provincias de Corrientes, Entre Ríos, centro-este de Formosa, Santa Fe, Chaco y en toda la provincia de Misiones, región denominada Litoral argentino. A su vez, es escuchado en Bolivia, Paraguay, sur de Brasil, parte de Uruguay y sur de Chile.

Se caracteriza por una disposición musical polirítmica en la que la estructura de apoyo (bajo-base) se ejecuta en pie binario (3/4), mientras que la melodía, es decir el canto como los instrumentos de rasgueo, se sobreponen melódica y tonalmente con una estructura ternaria (6/8).

La danza puede tener un ritmo alegre y animado, o, por el contrario, ser triste y alegórica.

89: PASO DOBLE

El pasodoble o paso-doble es una marcha ligera utilizada en los desfiles militares, adoptada como paso dos reglamentario de la infantería, con una característica especial que hace que la tropa pueda llevar el paso ordinario: 120 pasos por minuto. La música que acompaña esta

marcha posee compás binario y movimiento moderado y fue introducida en las corridas de toros. También se denomina pasodoble al baile que se ejecuta al compás de esta música.

Parece ser que el pasodoble procede de la tonadilla escénica, que era una composición que en la primera mitad del siglo XVIII servía como conclusión de los entremeses y los bailes escénicos y que luego desde mediados del mismo siglo era utilizada como intermedio musical entre los actos de las comedias.

A día de hoy el mayor foco de producción de pasodobles se centra en el levante español, en torno a las fiestas de Moros y cristianos.

90: GOREGRIND

El goregrind (también conocido como grindgore o pathological grindcore) es un subgénero del grindcore y death metal.

Se puede situar su comienzo con la banda británica Carcass y con los estadounidensesImpétigo, ambos en el mundo de la música desde finales de la década de 1980. Carcass empleaba objetos médicos y otras imágenes viscerales que pudiesen conferir una atmósfera gore en sus comienzos, desviándose de la temática política que tenían muchas de las bandas de hardcore punk y grindcore del momento.

El goregrind se caracteriza por el uso de voces muy graves a menudo desplazadas una octava por debajo para dar una atmósfera aún más terrorífica. Esta técnica ha sido muy usada por Last Days of Humanity (en todas sus voces) y por otras bandas afines, quienes usan un pitch shifter, creando una atmósfera opresora similar a la de las películas de terror en sus personajes diabólicos o poseídos. Pero los primeros en hacer esto fueron Carcass, aunque lo hacían sólo en pocos momentos, alenando con growls de death metal y gritos agudos de grindcore. Esto transforma las letras en casi incomprensibles para el público, cuyos temas van desde la extrema violencia gore y la muerte, hasta las violaciones y el sadomasoquismo. Algunas bandas, como GUT, centran su temática en la pornografía, y son catalogados a menudo como pornogrind. Los riffs de guitarra suelen ser muy rápidos y graves, dando la sensación de un ruido constante brutalmente pesado. Este género es considerado como la evolución más pesada y fuerte existente del punk.

Ejemplos de bandas de este género son Haemorrhage, Carcass, Dead Infection, Last Days of Humanity y Brutal Carnage.

91: MÚSICA CRIOLLA

La cultura musical criolla y afroperuana se inicia con la llegada de los españoles y losesclavos africanos que fueron traídos por ellos. La cultura musical criolla en Limaconstruye de manera constante una identidad propia, transformando los géneros musicales y patrones estéticos importados. Desde la presencia de valses de origenvienés, mazurcas, jotas españolas, continuando con la influencia de la música francesa eitaliana, la cultura popular limeña se fue perfilando a través de la transformación y decantación de géneros, de tal manera que, aun asumiendo las modas correspondientes a cada época, se gestaron y desarrollaron algunas formas musicales que llegan hasta fines del siglo XX y que identifican lo limeño. Cada momento histórico, desde la épocacolonial hasta ahora, fue plasmándose de diferentes maneras la cultura musical a través de los instrumentos musicales utilizados, las formas y contenidos del canto, los bailes.

Entre los géneros más importantes, cultivados en el siglo XX se encuentran el vals peruano, la marinera limeña o canto de jarana, el tondero y el festejo.

El nacimiento del siglo XX encontró a Lima en medio de un arduo trajín musical. Los cantantes de entonces buscaban voltear la página del viejo jorge vienés, ya en agonía. Francisco Ferreyros, bohemio y popular solista de entonces, cantaba a pulmón limpio en la Alameda de los Descalzos temas decisivos: "Luis Pardo", "Celaje", "China Hereje" o "Ídolo". No era raro que eso ocurriese. Las retretas públicas y los musicales de los teatros habían creado un público fervoroso que oía a sus intérpretes con no poca pasión. Eso hizo posible que un dúo de cantantes del distrito del Rímac, Eduardo Montes y César Manrique, fueran llevados a Nueva York en 1911 por la Casa Holtig y Cía. El fin era grabar discos para la Columbia Phonograph & Company. Aquel dúo produjo un total de noventa y un discos de 78 rpm, con 182 temas, todos de la llamada Guardia Vieja, generalmente autores anónimos que nunca pensaron en ese lujo estrafalario de los derechos de autor. Los discos grabados se vendieron en Lima inmediatamente. Fue el primer dúo en abrazar la fama.

En la segunda mitad de la década de 1930 brillaba Rosita Ascoy, "La Limeñita". Años más tarde congregaría a su hermano Alejandro, su eterna segunda voz y guitarra. Ambos eran menudos, sin arrogancia y muchos decían que sus registros de voz eran más bien modestos y que su guitarreo no salía del tundete. Pero la emoción, el sentimiento con que cantaban, su cuidadosa elección de temas de la Guardia Vieja, los hicieron inmortales. Contemporáneos de Felipe Pinglo, el dúo Costa y Monteverde, conformado por Jorge Costa y Ángel Monteverde, fue uno de los más extraordinarios de su época. Los guapeos criollos de Jorge Costa hicieron historia. Tímidas y hogareñas, estaban Las Limeñitas, las hermanas Graciela y Noemí Polo. Ellas frecuentaban también los tabladillos de Radio Nacional y Radio Lima, pero nunca recalaron en la bohemia. Como otros cantantes de la época, ellas habían sido descubiertas por el prolífico pianista Filomeno Ormeño, que con Lucho de la Cuba, pianista también, acompañaban y arreglaban a cuanto cantante con proyecciones se paseaba por las radios.

92: TROVA

a trova es una de las fuentes del gran árbol de la música cubana. Hacia 1850 aparecieron músicos itinerantes conocidos como trovadores, en el Oriente de la isla, especialmente en Santiago de Cuba, ganándose el sustento cantando y tocando la guitarra.

Hacia el siglo XV existió la trova francesa, que nació en los cantos que difundían lostrovadores (del sur de Francia) y los troveros (del norte de Francia).

Nueva trova cubana

Después de la trova cubana del siglo XIX y XX, surgió la nueva trova cubana, de la cual Silvio Rodríguez y Pablo Milanés son los exponentes más conocidos. Se basó principalmente en la composición con guitarra y la voz y las letras por lo general mostraban un contenido social relacionado con la revolución socialista de 1959.

En otros países latinoamericanos, la palabra «trova» se refiere a estilos de música que pueden no estar relacionados con la trova caribeña.

Generalmente el término «trovador» se refiere al músico popular dentro de la canciones de protesta, incluso en género rock.

.Los compositores de este género incluyen en ocasiones valses, pasillos propiamente dichos, habaneras e incluso jaranas (un género musical nativo también de Yucatán, pero relacionado con los pueblos mayas de la región). Los principales exponentes de la trova yucateca fueron Ricardo Palmerín (1887-1944) y Guty Cárdenas (1905-1932).

En Mérida (Yucatán) existe un interesante Museo de la Canción Yucateca.

Según el Inca Garcilaso, en el Imperio incaico, existían ciertos poetas ambulantes denominados arauiks en quechua. Después de la invasión española surgieron varios movimientos rebeldes de expresión popular, como el llamado Taki ongoi, una danza acompañada de letras de carácter reivindicativo, que los españoles consideraban subversiva. Sus participantes eran trovadores-bailarines que iban de pueblo en pueblo recordando lo grande que había sido el Imperio incaico y qué había de hacerse para regresar a él, expulsando a los españoles; se trataba, entonces, de una música de protesta, razón por la cual fue combatida y suprimida.

También existieron otros tipos de músicos trashumantes quienes, cargando sus arpas, violines, vihuelas y guitarras, compusieron canciones que, hasta la fecha, se recuerdan sin que se sepa el nombre de sus autores. Hoy se puede ver a esos trovadores pero principalmente en las zonas más humildes y apartadas de las grandes urbes: en las caletas de pescadores, en los pueblitos del interior y en los villorrios. También es posible encontrarlos en alguna feria popular, en eventos familiares o en los bares y cantinas amenizando alguna reunión.

En el Perú la trova se inició con Chabuca Granda (1920-1983), y se caracteriza por melodías simples y hermosas letras. Una trova conocida es el huayno Flor de retama del trovador Ricardo Dolorier, que hace referencia a una masacre perpetrada en 1969 por las Fuerzas Armadas Peruanas, en ese entonces en el gobierno, contra una protesta estudiantil. Los trovadores peruanos más conocidos son

Daniel F (1961–);

Jorge Millones (1972–);

Caroline Cruz (1974–);

Enrique Mesías (1977–).

RAFO RAEZ

En la ciudad de Cusco existen varios trovadores, como Yuri Boluarte, Camilo Félix, Darwin Carpio, Ricardo Castro, Franco Cáceres,Juank Valenzuela y Jorge Millones.

93: CHICHA

La Chicha, cumbia andina o música tropical andina es un género producto de la fusión de ritmos tropicales (como la cumbia) con la música andina (huayno). Nació en la década de 1960, como manifestación del fenómeno migratorio desde las áreas andinas (producto del terrorismo), iniciado en la década de 1950. En la década de 1980, se consolidó en Perú como estilo musical popular, con el éxito masivo del grupo y cantantes como "Los Shapis", "Chacalon y La Nueva crema", "Guinda" , "Los Destellos", "Los Sanders", "Maravilla", "Los Jaris", "Los Javar Junior", "Los Mirlos" etc.

Aunque se origina en Lima, inicialmente es apreciada y se da a conocer en la región central de la sierra peruana, específicamente en la ciudad de Huancayo a comienzos de la década de 1970.

La denominación "chicha" aún no es muy utilizada por la industria discográfica peruana ni por los programas radiales y televisivos que la difunden. Sin embargo es el término con el que generalmente se le conoce, y se usa principalmente en medios radiales, escritos y televisivos.

Erróneamente confundida con la cumbia colombiana, la Chicha es el género musical peruano de imponentes escalas pentatónicas que en 4/4 es enriquecido con patrones rítmicos de cumbia, guaracha, mambo, salsa, rock, etc., El instrumento predominante es la guitarra eléctrica. "Sin guitarra no es chicha". Instrumento apoyado en efectos como el Delay y Fuzztone (Sonido inmortalizado en las manos de José L. Carballo, 1ra guitarra y compositor de los éxitos de Lorenzo Palacios "Chacalón") le dan una nueva identidad a ese Perú ansioso de reconocerse como un pueblo pluricultural y cargado de sonidos propios. En Lima de comienzos de la década de 1950, la inmigración andina alcanzó proporciones masivas. En la década de 1940 la capital tenía medio millón de habitantes, pero en 1956 su población se había más que duplicado a 1,2 millones de habitantes. Es en este contexto que se desarrolló un mercado interno urbano conformado por los inmigrantes andinos que permitió al huayno (su baile y canción más popular) llegar al éxito comercial. Nombres como "Flor Pucarina", "Pastorita Huaracina", "El Jilguero del Huascarán", "Picaflor de los Andes" fueron las estrellas musicales más renombradas de aquellos tiempos.

El éxito del huayno comercial continuaría congregando multitudes. Mientras tanto, otro género musical proveniente de un país vecino empezó a ganar popularidad a finales de la déca de 1960: la cumbia de Colombia. Para ese entonces, la población urbana de Lima ya disfrutaba con la rumba cubana, el merengue dominicano y el mambo de Pérez Prado; pero a diferencia de estos estilos, la cumbia también había ingresado a la zona rural.

94: FUSION

La fusión latinoamericana es un género musical o método para crear esta, desarrollada por la fusión de elementos folclóricos entre sí, como también con otros estilos musicales como el jazz, el rock, o la música docta. Nació en Chile donde se ha desarrollado principalmente con grupos como Congreso, Inti Illimani, Fulano, La Marraqueta y Entrama. Generalmente tiene una gran elaboración instrumental y conceptual.

La fusión latinoamericana tiene una tendencia multi-estilística ya que puede tener desde cumbias cromáticas, a rumbas pasando por acid jazz, pop, música atonal, reggae,música instrumental y rock.

Se puede entender como más que un estilo o una corriente, la fusión latinoamericana es un método y un espíritu que cruza la música chilena de las últimas cuatro décadas, desde la Nueva Canción Chilena y el Canto Nuevo hasta nuestros días. Incluso se pueden detectar ensayos iniciáticos a principios de siglo y desde la academia docta, cuando compositores como Pedro Humberto Allende dieron el primer golpe al integrar la lógica de composición impresionista francesa a nuestra imaginería campesina. Allende compuso Escenas campesinas (1913) y Doce tonadas de carácter popular chileno (1918-22). Vicente Bianchi escribió después Misa a la chilena (1965).

Esencialmente esta fusión nace del interés de los músicos de la Nueva Canción Chilena por hermanar ritmos y músicas de todaAmérica. Pero ése es el comienzo. Un paso más audaz es el que dan en la misma época grupos iniciados en los años '60 como Los Jaivas, Congreso o Los Blops: a diferencia de Inti-Illimani o Sol y Medianoche y Fusión Latina la practican con elementos del rock en los '80, y Huara o los últimos Santiago del Nuevo Extremo la aproximan al jazz fusión. En los años '90 retoman esa ruta Joe Vasconcellos,Huaika y otros. Y a la fecha reaparece fundido con la tradición brasileña, la música contemporánea y otras fuentes del mundo en Antonio Restucci, Pedro Villagra, Entrama, Fusión Judá, Juan Antonio Sánchez, Francesca Ancarola, Magdalena Matthey, Elizabeth Morris,José Seves o Laura

Fuentes: una vertiente creativa que se pone cada vez menos fronteras y se oye cada vez más actual.

Los discos más emblemáticos de este estilo son probablemente Alturas de Machu Picchu de Los Jaivas y Viaje por la Cresta del Mundode Congreso.

95: HUAYNO

El huaiño o huaino (quechua: wayñu ) es un género musical y un baile peruanoandino. Es de origen prehispánico de Serranía, Peru y actualmente está muy difundido entre los países andinos que formaban parte del Tahuantinsuyo, principalmente en Perú.

El nombre de este género, provendría de la palabra quechua "huayñunakunay" que significa bailar tomados de la mano.En la literatura usual en el Perú, se escribe huaynopero poquísimos usan huayñu , vocablo muy usual en el altiplano binacional

El huayno adopta diversas variedades, según las tendencias tradicionales de la localidad o de la región3  ; y en cierta forma representa la cultura popular ancestral, equivalentemente cultura andina. Es considerado un baile representativo como la cachua o el chimaiche.

Es un baile de pareja mixta independiente; a veces en ronda con una pareja al centro y generalmente, de rogocijo pero se presta para asedios amoriles . Su mensaje usualmente es el enamoramiento y el sutil cortejo del hombre hacia la mujer, como también el desengaño o el sufrimiento por la pérdida de la amada o el rechazo de aquella que no dejó dormir al joven impetuoso. El hombre ofrece el brazo derecho para invitar a bailar, o pone su pañuelo sobre el hombro de la mujer; luego se efectúa el paseo de las parejas por el recinto; y finalmente el baile, que consiste en un zapateo ágil y vigoroso durante el cual asedia el hombre a la mujer, frente a frente, tocándola con sus hombros al girar, y sólo ocasionalmente enlaza su brazo derecho al izquierdo de su pareja en tanto que ambos evolucionan al ritmo de la música. Sus movimientos son animosos y chisposos. Al final, en la llamada fuga, los no bailantes aclaman a una de la parejas como: potencial ganadora de esta efímera y supuesta competencia de gracia, movilidad y sentimiento.

Su estructura musical surge de una base pentatónica de ritmo binario, característica estructural que ha permitido a este género convertirse en la base de una serie de ritmos híbridos, desde la cumbia hasta el rock andino. Los instrumentos que intervienen en la ejecución del huayno son la quena, el charango, la mandolina, el arpa, el requinto, la bandurria, la guitarra y el violín.

En algunas variantes del huayno intervienen bandas típicas, que añaden instrumentos como las trompetas, el saxofón y el acordeón. Por otro lado, aunque son géneros muy diferentes, en la sensibilidad popular el huayno está más vinculado en el Perú a la marinera de lo que aparenta, como lo recuerda este estribillo de marinera serrana: "no hay marinera sin huayno, ni huayno sin marinera, cholita pollera verde, para ti va la tercera".

En el año de 1976, cuatro jovenes londinenses fueron reclutados por un oscuro personaje llamado Malcolm McLaren. McLaren era dueño de una "Sex Shop" en el centro de la capital britanica. Su relacion con la musica databa de 1974 cuando fungio, por algunos meses, de manager de la epica banda Underground neoyorquina "The New York Dolls" quien junto a "The Velvet Underground", "MC5" y "The Stooges" fue influencia fundamental de lo que luego seria el Punk (la cosa data de comienzos de los 60's con "The Fugs" y las "Surf Bands"). Justamente recogiendo elementos de esta banda fue que ideo lo que seria el grupo que cambiaria el rock para siempre: "Sex Pistols". Con McLaren de manager, los Pistols salieron a la conquista del

mundo. Sus armas; el Rock n Roll mas simple y sucio jamas escuchado, la imagen arapienta que caracterizaria a sus seguidores, y la actitud visceralmente radical del mas puro nihilismo adolescente. Todo esto enmarcado en una palabra: Anarquia. "Anarchy in the U.K." ("Anarquia en el Reino Unido") fue precisamente su primer sencillo. Con esto revento la bomba (en 1977) que ya se venia preparando desde unos años antes.

Paralelamente a los Pistols, otras bandas dieron vuelo al Punk Rock en el mundo (como los "Ramones" en E.E.U.U. o "The Saints" en Australia) originandose asi el movimiento musical que dividiria al rock en dos, el comercial y el marginal. Para muchos, los Sex Pistols fueron un "invento"; el punk rock ya existia a mediados de los 73 en los Estados Unidos. La banda que marco el puntapié inicialen Inglaterra fue The Ramones.

Los primeros punks introdujeron la metodologia del "hazlo tu mismo" a los grupos de rock, generaron la aparicion de disqueras independientes en respuesta a las ambiciosas y manipuladoras multinacionales que gobernaban el mundo del disco, y devolvieron el rock a las calles tal como lo habian prometido (hasta la aparicion del Punk, el rock se habia vuelto una complicada maquinaria capaz de ser manejada solo por egresados de los conservatorios ("Pink Floyd", "Emerson, Lake & Palmer", "Yes",etc.), siendo inalcanzable para un chico adolescente de clase obrera sin formacion musical alguna). Sin embargo, la actitud de los primeros punks (de fines de los 70s) lindaba mas con el nihilismo que con el anarquismo. Si bien es cierto que proclamaban la anarquia, su actitud "anti-todo" no reflejaba los postulados basicos del anarquismo. Ellos proyectaban una imagen negativa de la anarquia empatandola con el caos y el desorden. "Disparaban" a todos lados sin analizar el fondo del asunto.

96: VALLENATO

El vallenato es un género musical autóctono de la Costa Caribe colombiana con epicentro en la antigua provincia de Padilla (actuales sur de La Guajira, norte del Cesar y oriente del Magdalena) y presencia ancestral en la región sabanera de los departamentos de Bolívar, Sucre, Córdoba. Su popularidad se ha extendido hoy a todas las regiones del país y países vecinos como Panamá, Venezuela, Ecuador y México. Se interpreta tradicionalmente con tres instrumentos: el acordeón diatónico, la guacharaca y la caja vallenata. Los ritmos o aires musicales del vallenato son el paseo, el merengue, la puya, el son y la tambora.[1] El vallenato también se interpreta con guitarra y con los instrumentos de la cumbia en cumbiambas y grupos de millo.

No se sabe con exactitud de dónde proviene la palabra "vallenato", a pesar de las muchas hipótesis que han sido expuestas. Sin embargo, a principios del siglo XX, tenía una connotación despectiva y a los propios habitantes de Valledupar no les gustaba. Por tal motivo, en 1915 don Miguel Vence, educador de primaria, fundó una Academia de la Lengua de Valledupar, la cual sesionó una sola vez y determinó que el gentilicio de los nacidos en Valledupar fuera "valduparense".[2]

Generalmente se define al vallenato como un género musical de la Costa Caribe colombiana, más precisamente del área de influencia de Valledupar, capital del departamento de Cesar. Se sostiene que el nombre proviene del gentilicio popular de los nacidos en la ciudad donde tiene mayor arraigo este género. Según algunos, se trata de un neologismo que nació con los nativos viajeros en mulas, que cuando se les preguntaba en otras tierras de dónde eran, en su decir campesino respondían "Soy nato del Valle", que es como decir "Soy del Valle nato".[3]

No obstante que el término "vallenato" puede referirse a los nacidos o a las cosas que se originan en Valledupar (Valle de Upar, el valle de Eupari, cacique indígena legendario de la región),[4] existen otras versiones de la denominación: Según Barrameda Morán, el vocablo "ballenato" pasó a designar a todas las personas que padecieran la contaminación sanguínea producida por el jején, fueran oriundos o no de Valledupar y dice: "La tendencia popular a confundir V con B en su pronunciación, terminó por generar el nuevo vocablo: Vallenato".[3]

De manera similar, otra versión sostiene que en las áreas rurales de los bancos del río Cesar, muchos de los habitantes extremadamente pobres sufrieron de una enfermedad producida por un mosquito que les dejó la piel seca y escamosa, con parches descoloridos. La gente asoció la enfermedad con las ballenas recién nacidas (ballenatos), también llamadas "pintaos", que tienen un color manchado de blanco y rosado, parecido a la enfermedad dérmica llamada carate o jovero, por lo cual se identificaba a quienes la padecían como caratejos o ballenatos. De tal forma que "vallenatos" llegó a ser un nombre para menospreciar a la gente pobre el río

97: INDIE POP

Indie pop o pop indie se refiere a la música indie basada en las convenciones de la música pop. Debido a que el término indie rock a veces engloba a toda la música indie en general, el indie pop puede ser considerado como un subgénero del indie rock. Otras veces los términos son utilizados para indicar una división entre pop y rock dentro de la escena indie. El indie pop es la música pop que se mueve fuera de los límites de la música pop convencional. Es a menudo lo-fi, o por lo menos "inusual".

Raíces

La raíces del indie pop se encuentran en pioneros como Jonathan Richman y algunas canciones de Velvet Underground, así como en los sonidos más suaves del garage pop/rock de los años 60, y en artistas famosos de los 60 como los Beatles, los Beach Boys y los primeros Pink Floyd. Los grupos de chicas de los Años una gran influencia, al adaptar el sonido de los Ramones para convertirse en uno de los pilares del sonido del indie pop posterior.

Indie pop británico

El indie pop probablemente puede ser localizado en los pequeños fanzines fotocopiados, en la escena derivada del punk y en los pequeños sellos discográficos, como Postcard Records o Rough Trade Records. A principios de los 80, había docenas de sellos en el Reino Unido. La publicación de un chart semanal de singles y álbumes indies a principios de 1980 coincidió con el crecimiento de la música indie en el Reino Unido. Al año siguiente fue el quinto aniversario del movimiento de Gran Bretaña de sellos discográficos independientes y de Rough Trade Records. Para conmemorarlo, el semanario británico de música New Musical Express lanzó un álbum en casete que marcaría una época: C81. La partición del indie entre "pop" y "rock" fue expuesta por los escoceses pioneros del Post-punk: Orange Juice, que mostraban un sonido de guitarras tintineantes y tarareo de voces, junto a un humor burlón hacia ellos mismos, lo que contrastaba con la seriedad y el mensaje más político de otras agrupaciones de post-punk como Crass o Killing Joke.

A pesar de nunca haber pertenecido a la escena del indie pop, los Smiths (Rough Trade Records), influyeron a muchas bandas. Los “songwriters” Morrissey y Johnny Marr

combinaban un sonido de guitarras con letras sobre la vida en la Gran Bretaña de Thatcher, cubriendo temas que van desde la ambigüedad sexual, la soledad y la muerte hasta el vegetarianismo. Otro grupo que logró éxito comercial durante este período es el de los escoceses The Jesus and Mary Chain. Su álbum debut Psychocandy influyó a grupos como The Shop Assistants y My Bloody Valentine.

En 1986 New Musical Express lanzó otro álbum en casete, esta vez titulado C86, intentando promover la escena británica de un pop independiente más suave. Así grupos como The Pastels, The Wedding Present, The Soup Dragons, Primal Scream y The Bodines llegaron a un público más amplio.

El álbum C86 causó mucha expectación en Estados Unidos, donde estaba surgiendo un sonido más pop al estilo Ramones, frente al sonido más rockero de los Sex pistols.

A mediados y fines de los 80 se eleva la popularidad de géneros como el hip hop, la acid house y el rave. Varios de los grupos indies que continuaron, cambiaron de estilo a finales de los 80. El principal ejemplo es Primal Scream, que fue uno de los primeros exponentes del Indie dance.

The Pink Label, 53rd & 3rd, y The Subway Organisation fueron sólo algunas de las discográficas que extendieron singles de grupos de indie pop importantes como The Shop Assistants, Razorcuts, The June Brides, The Flatmates y Talulah Gosh. El último puede ser considerado como el primero de los grupos que fundó la segunda ola del indie pop: el Twee pop.

Muchos de estos grupos, al igual que muchos grupos de Twee pop, contaban con miembros femeninos, una hecho insólito en esa época. El indie pop siempre ha tenido un fuerte sentido de igualdad entre los sexos. Tal vez, su aspecto "filosófico" más importante es abanderar el punto de vista "anti-sexista".

Indie pop estadounidense

En los Estados Unidos se origina una revolución similar en el pop “underground” en Olympia, Washington. Beat Happening era una banda indie con una estética bastante similar a sus pares británicos, tocando joyas del pop bastante alejadas de la escena hardcore-punk del momento. Beat Happening lanzó su primer disco en 1985 en la discográfica que fundaron: K Records. Otras discográficas fueron creciendo, como Bus Stop (1987), Picturebook (1987), Harriet (1989) y Slumberland (1989), concentrando el sonido del indie pop estadounidense, que era un poco más crudo y moderado que el británico, más suave, armonioso y “Twee”.

98: POP ÁRABE

La música árabe es la música de los países árabes, que tienen en común el idioma árabe. Se incluye bajo esta categoría géneros de música clásica, popular, profana y religiosa. La música árabe ha estado en contacto con otras músicas regionales, como con la persa, la turca, la india, la bereber, la suajili, la andalusí y la música europea. Al igual que en otras áreas de la ciencia o de las artes, los musulmanes tradujeron del griego al árabe los antiguos tratados de teoría de la música, y asimilaron los principios de los sistemas enarmónico, cromático y diatónico...

Pop árabe

Durante las décadas de 1950 y 1960 la música árabe empezó a recibir grandes influencias de la música occidental, con artistas como Abdel Halim Hafez. En los años 1970 un grupo de cantantes siguieron su ejemplo y eso propició el nacimiento de la música pop árabe. Este género consiste en canciones de estilo occidental pero cantadas en árabe y con acompañamiento de instrumentos tradicionales árabes, con lo que el sonido resultante es una mezcla de Oriente y Occidente. En los años 1990 varios artistas han tomado este estilo, caso de Amr Diab, Hisham Abbas, Asalah Nasri, Mostafa Amar, Najwa Karam, Nawal Zogbi, Wael Kfoury, Latifa, Cheb Khaled, George Wassuf, Marwan Khoury y Hakim.

En 1996 Amr Diab lanzó la canción de titulada Habibi ya nur el ain, que se convirtió en un éxito no sólo en los países árabes sino en todo el mundo. Amr Diab mezcló la música de tres civilizaciones en una sola canción: tambores y pandero árabes, el acordeón propio de la música francesa y aires provenientes del flamenco español. La canción abrió las puertas a la popularización de la música árabe.

Más reciente tenemos el caso de Nancy Ajram una celebridad musical del Líbano. Dónde interpretó la canción de K'naan "Wavin' Flag", en versión árabe, de la Copa Mundial de Fútbol del 2010.

99: PACHANGA

La pachanga es una mezcla de son montuno y merengue. [cita  requerida] El nombre se empezó a utilizar como un género musical en Cuba en 1959.

Este tipo de música tiene un estilo fiestero y movido, con letras burlonas y pícaras, tal como lo describe Celia Cruz.

[La pachanga] es un chachachá más libre, más abierto, más proclive a pasos diferentes y por ende, más popular por más bailable.

En 1959, Eduardo Davidsón (1910-1994) creó la canción La pachanga, que grabó con la orquesta Sublime. La canción fue orquestada por Richard Egües.

Ese arreglo me lo pidió el músico y director de orquesta Osvaldo Estivil para la disquera Panart. Le encontré a la composición un swing distinto. Lógicamente, no me imaginé hasta dónde aquella canción iba a llegar con un éxito arrollador como pocas veces habíamos visto. Las cosas de la música son así, cuando yo grabé con la orquesta Aragón El bodeguero y Sabrosona, tampoco imaginé que fueran a ser dos de los cañonazos del siglo.

La orquesta Sublime empezó a tocar La pachanga en los Jardines de La Tropical (sitio de baile en La Habana). El flautista Melquíades Fundora cuenta que la presentación de la pachanga tuvo un gran impacto en los bailadores y músicos:

El cantante Miguelito Cuní nos dijo que estábamos locos. Le había sorprendido la rareza musical, con mucho sabor de Eduardo Davidson.

La pachanga se convirtió en el número uno de las listas nacionales de la radio cubana. Rápidamente se difundió por todo el Caribe. Su éxito fue tan grande, que en el momento de la Revolución cubana (1959) era la música más conocida de Cuba. El guerrillero argentino-cubano Ernesto ''Che'' Guevara diría acerca de la ideología de la revolución: «Este es un socialismo con pachanga».[]

El escritor y premio nobel Gabriel García Márquez, en su primera visita a La Habana dijo que Cuba era «una pachanga fenomenal»[]

La pachanga llegó a Nueva York en otro género musical cubano y a través de las orquestas charangas de José Fajardo y sus Estrellas y la Orquesta Aragón.[] Una de las primeras orquestas que interpretaron La pachanga en Nueva York fue la charanga (orquesta cubana) de José Fajardo (1919-2001)[]A principios de 1960, en Nueva York y la Costa Este de Estados Unidos, la pachanga superó en popularidad al chachachá.

100: MUSICA NAVIDEÑA

El villancico es una forma musical y poética en castellano y portugués, tradicional de España, Latinoamérica y Portugal, muy popular entre los siglos XV y XVIII. Los villancicos eran originariamente canciones profanas con estribillo, de origen popular y armonizadas a varias voces. Posteriormente comenzaron a cantarse en las iglesias y a asociarse específicamente con la Navidad. Compositores notables de villancicos fueron, entre otros, Juan del Enzina, Pedro de Escobar, Francisco Guerrero, Gaspar Fernandes y Juan Gutiérrez de Padilla.

Actualmente, tras el declive de la antigua forma del villancico, el término pasó a denominar simplemente un género de canción cuya letra hace referencia a la Navidad y que se canta tradicionalmente en esas fechas.

Las primeras composiciones que pueden denominarse con este nombre surgieron hacia la segunda mitad del siglo XV, durante el renacimiento como una evolución de formas musicales populares mucho más antiguas. Formas similares eran llamadas hasta el siglo XV cantigas o canciones.

Su nombre tiene probablemente su origen en que se trata de composiciones de naturaleza popular, cantadas por los villanos o habitantes de las villas, generalmente campesinos u otros habitantes del medio rural. Eran cantados en fiestas populares, originariamente sin temática específicamente religiosa, y los principales temas eran los acontecimientos recientes del pueblo o la región. El género se amplió posteriormente hasta incluir temas de diverso tipo.

Música

En su forma clásica en el villancico marca la pauta la melodía del canto apoyada por un acompañamiento en tono grave que forma un buen soporte armónico por parte de las voces internas; el registro superior es el que lleva asociado el texto, el cual sigue la melodía en modo silábico; el cierre de los versos corresponde generalmente a las diversas cadencias. El discurso horizontal se orienta según procedimientos tonales ante litteram: por otra parte, basta pensar que hay villancicos construidos también sobre un esquema de danza (sobre todo los más recientes pero también durante el renacimiento, en el lenguaje tonal) como passamezzo o folía. La polifonía se acrecienta generalmente mediante un inteligente contrapunto derivado de la

imitación de las frases musicales individuales entre las diversas partes, aunque el estilo homofónico y homorrítmico no sea inusual. El compás, en general binario, en ocasiones se aproxima a ritmos ternarios.

Las composiciones basadas en la Navidad tienen un origen muy antiguo. Una de las más antiguos que se conservan es Veni redentor gens, himno atribuido a San Ambrosio de Milán (340-397). Del siglo siguiente es Corde natus ex Parentis, basado en textos del poeta hispanolatino Prudencio. Puer Natus Est Nobis es un canto gregoriano del siglo VI que se cantaba como introito de la tercera misa de la liturgia navideña. La composición la utilizó posteriormente el compositor inglés Thomas Tallis como parte de su misa de Navidad, en el siglo XVI. En los siglos IX y X, la secuencia de Navidad se populariza en la liturgia de los monasterios cistercienses. La primera adaptación de música profana popular a cantos religiosos se debe a Adán de San Víctor, monje francés del siglo XII, con la creación de un género mixto que posteriormente favorecería el uso de melodías populares como cantos navideños.

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