ESCUELA ESCUELA FLAMENCFLAMENCAA

JAN VAN EYCKJAN VAN EYCK

En la Baja Edad Media, los Países Bajos viven una evolución distinta a la del resto de Europa. En Flandes, el desarrollo de las actividades mercantiles provoca la aparición de una pujante burguesía, un nuevo grupo social con suficiente poder económico como para permitirse el lujo de encargar obras de arte pero con actitudes estéticas muy distintas a las de la nobleza o el clero, tradicionales patronos de la creación artística.

MARCO GEOGRÁFICO

El Renacimiento Nórdico muestra una renovación figurativa que parte de la observación fiel de la naturaleza y del hombre pero con un sistema de visión aún medieval.

Ciudades como Ypres, Gante o Brujas viven durante casi todo el siglo XV una fase de esplendor económico basado en la industria textil y en el comercio europeo.

En estas prósperas ciudades surge una extraordinaria escuela pictórica que rompe moldes con respecto a la pintura gótica pero que mantiene diferencias con respecto al Renacimiento Italiano.

Es la metrópolis financiera y comercial de Flandes donde se daban las condiciones para que aquí surgiera muy pronto un importante mercado de arte, capaz de satisfacer las necesidades de una clientela heterogénea, con una oferta tanto de lujosas pinturas sobre tabla como asequibles óleos. Más que otras ciudades, Brujas aseguraba a los artistas un número suficiente de encargos y una subsistencia desahogada. Muchos se asentaran en la ciudad, donde surgieron diferentes corrientes artísticas en un estilo propio que se extendió hasta bien entrado el siglo XVI.

La ciudad de BRUJAS fue el centro artístico más famoso, un foco de atracción para todos los Países Bajos y el resto de Europa.

Pintura burguesa, intimista que, manteniendo la temática religiosa, introduce nuevas preocupaciones: un renovado interés por el retrato, gusto por la exhibición de los interiores domésticos, los muebles y objetos que atestiguan el status social de sus poseedores. Sin abandonar el simbolismo medieval (ahora "disfrazado") se plantea los problemas de la representación tridimensional descubriendo la perspectiva matemática y la perspectiva aérea

RASGOS QUE DEFINEN LA PINTURA FLAMENCA

“Toda expresión artística, incluso cuando se trata de lo más transcendente, de lo más ideal y lo más divino, depende de que se corresponda ampliamente con la realidad natural y sensible” HAUSER

LA MINUCIOSIDAD Son obras para ser vistas de cerca. Detalles casi microscópicos, hojas de un árbol, ciudades lejanas. Son miniaturas unidas en un cuadro.

CARACTERÍSTICAS

REPRESENTACIÓN VERAZ DE LA REALIDAD SIN IDEALIZACIONES

NATURALISMO

Volumen corpóreo de las figuras. Realismo. Desaparecen las estilizaciones y deformaciones expresivas del Románico.

Tratamiento de los ropajes: caen formando amplios pliegues voluminosos y creando bellos efectos plásticos en contraposición con el esquematismo y planitud de estilos anteriores.

Rostros individualizados, con sus rasgos fisionómicos. Anatomía perfecta. Visión casi fotográfica en matices y texturas.

GUSTO POR LOS OBJETOS, por lo concreto DE LA VIDA COTIDIANA. Habitaciones pequeñas repletas de objetos de uso común, muebles, alfombras, cuadros, objetos que señalan también un cierto nivel de vida burguesa y entre los que destaca siempre el tejido.

Técnica: pintura sobre tabla y UTILIZACIÓN DEL ÓLEO que permite veladuras, trasparencias y minuciosidad.

LA LUZ es uniforme, como si no jugara ningún papel, es una luz natural, sin estudio, una luz aún gótica.

LA COMPOSICIÓN tiende siempre a ser sencilla, simétrica y jerarquizada, siguiendo tipologías góticas.

LOS TEMAS

Se humanizan los TEMAS RELIGIOSOS. Los rostros adoptan expresiones humanas. En ellos se representan las sentimientos mas diversos: dolor, placer, dulzura, amor. Son los temas predominantes y se muestran en dos vertientes: el misterio de la fe, vivido como un drama, interiorizado, individual y místico. Pero también aparecen escenas religiosas mezcladas dentro de ambientes cotidianos, vírgenes y santos hablando con personajes de la época, como si se pretendiera acercar el cielo a la tierra, humanizando lo divino.Por otra parte aparecen TEMAS COTIDIANOS Y BURGUESES donde la moral inunda de puritanismo todas las escenas: el trabajo diario, el matrimonio y la fidelidad, etc.

Como tema EL PAISAJE se convierte en el protagonista. Muchas veces se presenta desde el interior a través de una ventana y otras la vista es ya exterior. El paisaje es húmedo, bajo en su horizonte y siempre llano. Está representado con la misma minuciosidad que los objetos del primer plano, es un paisaje sin profundidad, infinito e intangible..

Durante el siglo XV la pintura sobre tabla alcanzó en los Países Bajos su primer florecimiento y a la vez su más alto grado de perfección.

Las pinturas de los llamados maestros antiguos - Jan van Eyck, Roger van der Weyden, Hugo van der Goes o Hans Memling -, obras realistas y de intenso colorido, se cuentan sin disputa entre los cúlmenes de la historia del arte europeo, y fueron altamente estimados ya por sus contemporáneos en la Europa meridional.

El impresionante desarrollo de la pintura sobre tabla en los Países Bajos discurre casi simultáneamente al vertiginoso desarrollo artístico del temprano renacimiento toscano.

PINTURA SOBRE TABLA

SIGLO XV

JAN VAN EYCK

VAN DER WEYDEN

VAN DER GOES

MENMLING

ARTISTAS PRINCIPALES

SIGLO XVI

EL BOSCO PATINIR

Considerado uno de los mejores pintores del Norte de Europa del siglo XV y el más célebre de los Primitivos Flamencos..

“El hombre del turbante rojo” (1433),posible autorretrato

JAN VAN EYCK nace en Maastrich, en la década de 1380-1390, en los Países Bajos orientales que estaban bajo el dominio del duque de Borgoña.

Era una zona densamente poblada, de economía floreciente. Inicia su trayectoria artística en el campo de la miniatura. Las primeras noticias sobre su actividad lo sitúan en la corte de Juan de Baviera, en la decoración de su palacio de la Haya. Tras la muerte del príncipe se traslada a Brujas, una de las ciudades más ricas de Flandes, extenso territorio bajo la autoridad de la Casa de Borgoña. Entra al servicio del duque de Borgoña realizando para él importantes misiones diplomáticas. Muere en Brujas dejando tras de sí una importante producción artística que supone una profunda renovación de la visión artística de la realidad.

JAN VAN EYCK

“El hábil pintor de quien me ocupo fue uno de los observadores más atentos de la realidad, hasta el punto de parecer haber querido desmentir la afirmación de Plinio de que si un pintor pinta muchas figuras, hace siempre algunos parecidos, dado que es imposible igualar a la naturaleza, que entre mil rostros no hace dos que sean iguales. En el Políptico de San Bavón de Gante, de Jan van Eyck, hay trescientas treinta figuras y ninguna de ellas se parecen entre sí. Además, sus rostros demuestran las más diversas expresiones: el fervor divino, el amor; la fe.En la de la Virgen sus labios parecen pronunciar las palabras del libro que lee.Por otra parte, el paisaje muestra muchos árboles exóticos, pudiéndose además conocer la naturaleza de cada planta y de una vegetación extraordinariamente bella. Se podrían contar los cabellos de los personajes y las crines de los caballos, todo ello pintado con tal delicadeza que desconcierta y deja atónitos a los artistas que contemplan la obra.”Van Mander, Carel: "El libro de la Pintura", 1604.

TÉCNICA, FORMA Y CONTENIDO

La nueva visión artística debe mucho a la técnica utilizada, el óleo. Aunque esta técnica ya era conocida, Van Eyck la perfeccionará y usará magistralmente. Con el óleo es posible reproducir a la perfección las calidades de los objetos y es precisamente esa representación minuciosa de la realidad, ese “hiperrealismo” una de las características más destacadas de la pintura flamenca. Todo, desde lo grande a lo pequeño, se reproduce casi fotográficamente.

Sin embargo, esta objetividad naturalista que dota a sus escenas de un aspecto habitual y cotidiano puede ser engañosa pues la realidad está impregnada de un significado sobrenatural. Van Eyck abandona la interpretación medieval de los temas religiosos. La esfera celestial es reemplazada por lo que parece ser un límpido reflejo de la vida flamenca del siglo XV.

El contenido místico religioso se reviste con la apariencia del mundo visible. La realidad se eleva a la esfera de solemne meditación: las cosas reales se convierten en metáforas de las espirituales.

RECURSOS TÉCNICOS DE VAN EYCK

DETALLISMO Y MINUCIOSIDAD - representación de mínimos detalles - la luz ilumina los objetos aportando la calidad de las cosas. Realismo exacerbado no hay visión de conjunto.

- EL RETRATO: Dominio en su ejecución. Desarrolla el retrato de tres cuartos. Capta con precisión la psicología de los retratados cuidando por igual los rostros y las vestiduras.

- EL PAISAJE

APARICIÓN DE TEMAS NUEVOS Y MODIFICACIÓN DE TEMAS TRADICIONALES. COMPLEJA SIMBOLOGÍA BAJOMEDIEVAL

APARICIÓN DE LOS DONANTES en los cuadros religiosos formando parte de la escena.

Van Eyck abandona la interpretación medieval de los temas religiosos. Los muestra como escenas burguesas.

TRANSFORMACIONES EN LOS TEMAS TRADICIONALES

CREACIÓN DE UN ESPACIO VERAZ Construcción rigurosa del espacio :

- Sus impresionantes escenas en interiores se apoyan en una perspectiva empírica, es decir, sus interiores realistas surten efecto espacial aun sin estar construidos geométricamente.

- La difusión de la luz sobre las figuras representadas. La luz une todos los ambientes y da armonía a todos los componentes del cuadro.

RECURSOS TÉCNICOS DE VAN EYCK

RECURSOS TÉCNICOS

SOPORTE: Pintura sobre tabla: - polípticos - dípticos y trípticos - pintura de caballete

USO DEL ÓLEO: técnica consistente en disolver los colores en aceite (de linaza o nueces). Tarda en secar y permite retocar lo pintado logrando gran minuciosidad y la descripción exacta de la realidad. Virtuosismo técnico en la descripción de las calidades de la materia que lo sitúan entre los grandes de la historia de la pintura.

Sobre el uso del óleo

http://estosiesunapipa.wordpress.com/category/por-artistas/van-eyck-jan/

“La contribución fundamental de Van Eyck y los flamencos fue el uso de las veladuras, capas de color realizadas con aceite muy transparente y diluido que permiten la creación de la profundidad espacial, el detalle microscópico, las transparencias en los tejidos o la creación de volúmenes a través de luz y sombra. La alta definición de los detalles como los del espejo del fondo de la imagen se lograba a través del uso de resinas duras como el ámbar, que daban consistencia al óleo.” blog Esto sí es una pipa 

Sobre las veladuras

«Trabajando en Flandes Juan de Brujas, pintor muy apreciado por la buena práctica que había adquirido en el oficio, como se deleitaba en la alquimia, se puso a probar diversas suertes de colores para hacer con muchos aceites barnices y otras cosas (...) empezó a pensar en hallar la manera de hacer una especie de barniz que secase a la sombra sin tener que poner sus pinturas al sol. De ahi que, después de experimentar con muchas cosas y mezclarlas, al fin encontró que el aceite de semillas de lino y de nueces, entre todos los que había probado, eran más secativos que todos los demás. Éstos, cocidos con otras mixturas suyas, le hicieron el barniz que él y todos los pintores del mundo habían deseado por mucho tiempo. Después de experimentar con otras muchas cosas, vio que al mezclar los colores con esta suerte de aceites le daba una mezcla muy fuerte que, una vez seca, no temía al agua, y encendía el color tanto que le daba lustre sin más barniz, y lo que aun le parecía más admirable fue que se unía infinitamente mejor que el temple. »Giorgio VASARI, Vita di Antonello da Messina, 1568

LA FUENTE DE LA GRACIA(Museo del Prado), sobre 1430

La representación está realizada en tres planos. En el superior se encuentra Cristo en el trono, entre la Virgen y San Juan Evangelista, con el Cordero a los pies, de donde brota un manantial. En el medio aparecen ángeles músicos y cantores. En el plano inferior se representan a la izquierda reyes, nobles, papas, teólogos, y a la derecha varios judíos confusos y en fuga, uno de ellos con los ojos vendados. Las Sagradas Formas que manan con el agua dan al tema un claro significado eucarístico y convierten el agua en símbolo de Gracia, que ilumina a la Iglesia Triunfante y ciega a la Sinagoga, es decir, a los judíos que no reconocen a Cristo.

http://www.museodelprado.es/coleccion/galeria-on-line/galeria-on-line/obra/la-fuente-de-la-gracia-y-triunfo-de-la-iglesia-sobre-la-sinagoga/

LA FUENTE DE LA GRACIA (detalle)

Varios judíos confusos y en fuga, uno de ellos con los ojos vendados. 

POLÍPTICO DEL CORDERO MÍSTICO, 1432

Se trata de una composición iconográfica unitaria centrada en el tema de la Redención del hombre. El tema representa la idea del catolicismo místico de la zona. El cordero es Cristo que derrama su sangre por todos nosotros. El concepto de espacio es ilimitado.

Es la idea de paraíso, con líneas de fuga hacia el horizonte aprovechando los rayos de sol de una forma geométrica e ingenua. pero no hay profundidad porque el espacio no es mensurable.

El políptico abierto muestra dos niveles.

En el nivel superior, la escena central representa al Pantocrátor con la Virgen a la derecha y San Juan Bautista a la izquierda.

http://closertovaneyck.kikirpa.be/#home/sub=project

RETABLO DE GANTE

Fuente: Arteazuerhttp://arteazuer.blogspot.com.es/search/label/Pintura%20g%C3%B3tica%20Primitivos%20flamencos

Arteazuer

PANTOCRÁTOR

LA VIRGEN

SAN JUAN BAUTISTA

ADÁN

EVA

El Instituto Real de Patrimonio Artístico de Bélgica ha expuesto en internet su réplica digital en una altísima calidad.Cien mil píxeles recomponen en la red esta pieza fundamental de la historia del Arte, pintada en el siglo XV por los hermanos Hubert y Jan Van Eyck y que representa la glorificación, la salvación del hombre y la santificación por el sacrificio de Cristo.“Cada centímetro de la composición ha sido estudiado con lupa y fotografiado en alta resolución”, explica el Instituto Real de Patrimonio Artístico en su página web, y después se han reunido los fragmentos “para obtener una imagen extremadamente detallada que permite estudiar el retablo a nivel microscópico”.

Los internautas podrán acercarse al llamado Políptico de la Adoración del Cordero Místico, considerado la obra principal de la Escuela Flamenca, sin tener que viajar hasta la Catedral de San Bavón de la ciudad belga de Gante.

http://closertovaneyck.kikirpa.be.

“Closer to Van Eyck” (Más cerca de Van Eyck) desvela los secretos mejor guardados de la obra, ya que no solo permite analizar los cabellos de Adán o la piel de la manzana que sujeta Eva, sino que también ofrece la imagen de las pinturas bajo infrarrojos.

“Todas las personas interesadas podrán penetrar en el interior de las capas de pintura gracias a los reflectores de infrarrojos y a las radiografías. Es una mina de oro para los científicos, los conservadores y los amantes del arte del mundo entero”, señala el Instituto Real de Patrimonio Artístico.Se puede acceder gratuitamente a la pintura a través del enlace http://closertovaneyck.kikirpa.be.

VIRGEN DE LA ANUNCIACIÓN

ÁNGEL DE LA ANUNCIACIÓN

Profeta Zacarías y ángel de la Anunciación

PROFETAS

EL DONANTE

LA MUJER DEL DONANTE

SAN JUAN BAUTISTA

SAN JUAN EVANGELISTA

En el nivel inferior, de izquierda a derecha, se representan las escenas de la Procesión de los Jueces íntegros, los soldados de Cristo, la Adoración del Cordero, la Procesión de los Eremitas y la Procesión de los Peregrinos.

La composición es sencilla, todos los rostros vueltos hacia el centro, hacia el altar. Las figuras se reparten por grupos dispuestos ordenadamente. Los ejes de simetría son dominantes.

Tema principal, la adoración del Cordero de Dios. La representación de Cristo como cordero, del que mana la sangre (símbolo de su sacrificio), y la llamada Fuente de la Vida, de la cual brotan chorros de agua

Líneas de fuga hacia el horizonte aprovechando los rayos de sol de una forma geométrica e ingenua. pero no hay profundidad porque el espacio no es mensurable.

La obsesión por el realismo se transforma en un detallismo extremo. La misma perfección tiene una figura del primer plano que la hoja de un árbol del fondo. El dominio del dibujo ayuda a hacer un estudio de calidades táctiles, sobre todo en el tejido. La minuciosidad es microscópica y se puede seguir el pincel con una lupa donde el ojo no llega.

El colorido es brillante y hay un equilibrio entre los colores fríos del horizonte y los vivos colores de los vestidos del primer plano resaltados sobre un fondo verde.

A diferencia del gótico anterior, con fondos dorados, los primitivos flamencos ambientaban sus personajes con unos paisajes naturales siempre de tamaño pequeño y con un detallismo prodigioso.

Procesión de los Jueces y de los soldados de Cristo

Los soldados de Cristo

Procesión de los Eremitas y Procesión de los Peregrinos

DÍPTICO DE LA ANUNCIACIÓN(1433-35)

Las sombras, el realismo en el tratamiento de los cabellos y pliegues así como las alas del Ángel y el libro de rezos de la Virgen, refuerzan el ejercicio extremo de trampantojo y recursos ópticos.

EL MATRIMONIO ARNOLFINI

1434

La obra constituye un certificado de boda, un cuadro de costumbres sobre el matrimonio en la época y un retrato psicológico de dos importantes miembros de la sociedad flamenca.

EL MATRIMONIO ARNOLFINI

“El arte de Van Eyck consiguió tal vez su máximo triunfo en la pintura de retratos. Uno de los más famosos es el que representa a un comerciante italiano, Giovanni Arnolfini, llegado a los Países Bajos en viaje de negocios en compañía de su reciente esposa Jeanne de Chenany. En su estilo, es una obra tan nueva y revolucionaria como las de Donatello y Masaccio en Italia. Un sencillo rincón del mundo real ha quedado fijado de pronto sobre el panel como por arte de magia. Aquí está todo: la alfombra y las zapatillas, el rosario colgado en la pared, el pequeño sacudidor al lado de la cama y unas frutas en el antepecho de la ventana. Es como si pudiéramos hacer una visita en casa de los Arnolfini.”GOMBRICH

A través de la mirada, Van Eyck capta con precisión la psicología del retratado.Además se aprecia un exacto naturalismo en los rasgos fisionómicos que nos aleja de la idealización que se practicaba en el Quatrocento italiano.

Representación del temas religioso como una escena burguesa.

Detallismo y la minuciosidad.

Compleja simbología bajomedieval que se aprecia a través de los múltiples detalles significativos.

EL MATRIMONIO ARNOLFINI, 1434

Las zapatillas tiradas, los placeres de la vida hogareña.

El perro: símbolo de la fidelidad conyugal

No hay nada al azar en el cuadro y hasta el objeto más nimio esconde un "simbolismo disfrazado" que aumenta el encanto de la obra.Los zuecos de Giovanni están cerca de la salida indicando sus actividades fuera del hogar y los de la mujer junto a la silla, en el interior del hogar.

Las naranjas son la fruta del paraíso, símbolo de los placeres del matrimonio

El gesto de la mano derecha de Arnolfini parece sugerir que esté a punto de pronunciar un juramento de fidelidad a Giovanna, mientras que ella, dándole la mano, le corresponde de la misma manera

El espejo del fondo es un atributo de la virginidad

Giovanni levanta su mano derecha representa un juramento sagrado.

Giovanna pone su mano izquierda en el vientre, sugiriendo fertilidad.

Los contrayentes están descalzos lo que indica que la pareja está pisando un suelo santo y se han descalzado.

El vestido de Giovanna es verde, color de la fertilidad en aquella época.La calidad de las telas muestra la mano maestra de Van Eyck al que el óleo y las veladuras facilita este objetivo de su pintura.

El lecho es símbolo de la unión matrimonial y su color rojo símbolo de la pasión.

La lámpara tiene una vela encendida en pleno día y simboliza a Cristo (el ojo de Dios que todo lo ve) que santifica la unión o bien la vela de bodas que se encendía en los hogares de los recién casados para estimular la fertilidad, pero es también la llama del amor que nunca debe de apagarse.

Recurso efectista: el espejo convexo que actúa a modo de gran angular abarcando un espacio más amplio.

En él se refleja la espalda de los esposos y a dos personajes que no aparecen en el cuadro. Uno de ellos, el mismo pintor.

Preocupación espacial que nos anuncia el arte Barroco.

El "rosario" que aparece colgado en la pared simboliza la castidad El rosario de cristal era un regalo habitual del novio a la futura esposa; el cristal es símbolo de pureza y el rosario indica la obligación de ser devota.

“El papel del espejo en este cuadro es doble: cierra el espacio doblándolo y lo abre hacia otras dimensiones, aboliendo los límites espaciales entre el exterior y el interior, borrando las fronteras simbólicas entre lo profano y lo sagrado. Facilita también al pintor una doble firma: con el nombre que está verdaderamente escrito sobre la pared, inmediatamente debajo del espejo y con la imagen bajo la forma de autorretrato. Dos funciones en una, a la vez nominal e icónica, se autorizan simultáneamente: la firma del pintor y la firma del contrato del matrimonio”. (…) El espejo convexo parece sellar un pacto de eternidad, no solamente doblando la escena, sino también inscribiendo este suceso en la cadena de acontecimientos que, a fuerza de hacer época, acaban por escapar al paso del tiempo.(…) Incluso si la “felicidad” necesita de un público, no puede ser completa sin doblar su propia imagen en el espejo tranquilizador del reflejo”. G. TEYSSOT

Velázquez pudo ver el cuadro del “Matrimonio Arnolfini” en las colecciones reales del Alcázar de Madrid, y es posible que se inspirara en su metáfora del espejo para pintar las Meninas. 

El espejo, “el cuadro dentro del cuadro”, un recurso técnico repetido con gran éxito  por diferentes pintores.

EL ESPEJO, UN RECURSO EFECTISTA

El espejo tiene alrededor 10 estaciones del Vía Crucis, lo que puede indicar que la unión debe entenderse no sólo civil sino también religiosa.

Los hermanos van Eyck representados en el espejo son los testigos de la boda.

La escultura sobre el respaldo de la silla del fondo representa a Santa Margarita, patrona de las mujeres que van a dar a luz

La firma sobre el espejo es otro testimonio de la presencia de los testigos a la vez que la firma del cuadro.

Dominio del retrato: interés del retratado por ser reconocido. El cuadro exhibe su categoría social

EL MATRIMONIO ARNOLFINI, 1434

La abundancia y la riqueza de la pareja se encuentra representada por todas partes: los propios vestidos, el mobiliario, los objetos como la lámpara o el espejo..

LA VIRGEN DEL CANCILLER ROLIN, 1435

En un lujoso interior enmarcado por tres arcos de medio punto peraltados entre los que se abre un paisaje, aparece el retrato del donante, el canciller Rolin, adorando a María y al Niño.

Su poder fue tremendo así como su riqueza, aunque su fama era pésima y se le atribuían todo tipo de iniquidades e inmoralidad.

El canciller Rolin fue el personaje más importante de la Corte de Borgoña. Diplomático, político, intrigante. De un estrato social bajo, ascendió durante su vida hasta ser nombrado canciller, que en aquel momento era un cargo difuso, casi de servidor de cámara, y lo convirtió en una especie de primer ministro, de hombre fuerte que sustituyó en sus funciones al propio Duque.

El fruto de esta fama personal es esta Virgen, que todavía hoy no se sabe si era un monumento más a su orgullo o un intento de borrar su mala fama con una obra piadosa. Rolin está retratado por Van Eyck nada menos que de igual a igual con la propia Virgen María. Ni siquiera están en una iglesia, sino en una loggia de un castillo, abierto a un maravilloso paisaje.

LA VIRGEN DEL CANCILLER ROLIN 1435

El canciller está rezando ante María, pero nada indica su fervor religioso, excepto que se encuentra arrodillado. Su mirada es la de una profunda satisfacción de sí mismo, y fija los ojos en el Niño, casi desafiante. Esta igualdad, esta cercanía promiscua con las figuras divinas, eran escandalosas para la época, y resulta obvio que el canciller se está haciendo un monumento a sí mismo, más que rindiendo homenaje a la Virgen.

LA VIRGEN DEL CANCILLER ROLIN, 1435

En los capiteles de las columnas podemos reconocer diversas escenas del Antiguo Testamento: Adán y Eva expulsados del Paraíso, Caín y Abel, la Borrachera de Noé.

El canciller, que maneja las riendas del gobierno de Borgoña, recibe la bendición del Niño que legitima su poder .

LA COMPOSICIÓN de la escena se articula en dos partes. A la derecha, la más ancha, se sitúa la Virgen, representada como una joven con expresión recogida y seria en posición sedente que, sostiene en sus rodillas al Niño desnudo que aparece bendiciendo con la mano derecha, mientras que en la izquierda sostiene una cruz realizada con joyas, preludio de su inmolación. Madre e Hijo, aunque no distantes, no se comunican, pero se muestran totalmente humanizados. El tipo de la Virgen es propio de Van Eyck, con un ángel coronándola, mostrando al Niño, en la actitud de María como trono de Dios.

Detrás de la Virgen, aparece un ángel cuya cabeza enlaza con la de María y el la del Niño en una clara línea diagonal, que sostiene sobre la cabeza de la Madre de Dios una riquísima y enjoyada corona como reconocimiento de su majestad.

El ángel y la Virgen solo muestran las manos y el rostro enmarcado por sendas cabelleras rubias sueltas, ya que amplios y gruesos ropajes ocultan y cubren sus cuerpos.

A la izquierda aparece el retrato del donante de rodillas, en posición de adoración ante la Madre y el Hijo. Se le representa ricamente ataviado con un lujoso traje con brocados de oro ribeteado en las mangas y bordes por piel, como corresponde a un hombre de su elevada categoría social, impregnado de seriedad y señorío, apoyado sobre un reclinatorio cubierto por una tela de terciopelo y ante un grueso breviario.

El interior de la estancia palaciega, la terraza, la ciudad y el río se enlazan en perfecta continuidad con una fórmula -la ventana al fondo, el cuadro dentro del cuadro- destinada a gozar de gran éxito posterior.

La perspectiva se logra de diferentes formas: a través del rico suelo de mármol que aparece entre las dos partes de la escena y por medio del ritmo de las arcadas laterales que nos llevan hasta el fondo, hasta la ventana ante la que se abre un paisaje que se prolonga a lo largo del río sinuoso hasta las montañas.

Pintura realizada en óleo sobre tabla conservada en el Museo del Louvre 

Los personajes sagrados y humanos aparecen juntos en una misma escena. Los planos detrás de los personajes siguen hasta el infinito según una sabia perspectiva. En la lejanía un mundo de ciudades, de animadas calles… son vistos desde el mundo celestial donde se desarrolla el primer plano. La atmósfera y la luz están captadas con una maestría inigualable.

El interior de la estancia palaciega, la terraza, la ciudad y el río se enlazan en perfecta continuidad con una fórmula - la ventana al fondo, el cuadro dentro del cuadro - destinada a gozar de gran éxito posterior.

Con la TÉCNICA DEL ÓLEO se consigue la minuciosidad requerida en cada uno de los pequeños detalles del cuadro. Van Eyck cuida hasta los más pequeños e insignificantes, desde los minuciosos capiteles historiados, las pequeñas vidrieras emplomadas situadas sobre los arcos de la ventana hasta los insignificantes detalles del paisaje del fondo (identificado por algunos autores cono Lieja; para otros sería Lyon o Utrech), como los personajes colocados en las barcas, las plumas de las aves sobre el balcón, etc.

LOS COLORES de la obra son brillantes, llenos de matices y tonos, destacando sobre todo el intenso rojo del manto de María o el riquísimo brocado del ropaje del canciller, en el que vemos brillar los hilos de oro. Evidentemente esto es producto de la técnica utilizada. Al poder trabajar lentamente y retocar constantemente a base de veladuras y barnices, los efectos de texturas, tejidos, detalles, etc., que permite el óleo, ofrecen este aspecto de materialidad y detallismo.

LA LA VIRGEN DEL CANCILLER VAN DER PAELE, VIRGEN DEL CANCILLER VAN DER PAELE, 14361436

La Virgen del Canciller Rolin pintada sobre tabla en torno a 1435 por encargo del canciller de Borgoña Nicolas Rolin. Es un compendio de su quehacer como retratista, paisajista y pintor de interiores.

Arte descriptivo que parte de la observación directa y sensible del mundo circundante

Detalles casi microscópicos.Son miniaturas llevadas a un cuadro.La minuciosidad y la maestría en la utilización de la luz permiten lograr una extraordinaria calidad de las diferentes superficies.

Van Eyck lleva la precisiónnaturalista hasta la simulación de columnas y capiteles esculpidos

Escena en el interior de una catedral.La luz se difunde sobre las figuras representadas y une todos los ambientes y da armonía a todos los componentes del cuadro. Gusto por los largos ropajes que se dejan caer, produciendo un sinnúmero de curvas y contracurvas.

ANUNCIACIÓN (1434-1436)

“LA VIRGEN CON EL NIÑO, SAN JORGE Y SANTA CATALINA”, 1437

“TRÍPTICO DE DRESDE”

Iniciado poco antes de su muerte, fue terminado por los trabajadores de su taller. Se trata del Cardenal Niccolò Albergati que aparece representado como San Jerónimo, tal como se puede leer en la inscripción sobre la mesa.

SAN JERÓNIMO, 1442

En sus retratos lleva a cabo un análisis minucioso de la realidad representada hasta en los más mínimos detalles, sin idealización alguna. Capta con precisión la psicología de los retratados cuidando por igual los rostros y las vestiduras.

EL RETRATO

GOLDSMITH (MAN WITH RING)1430

RETRATO DEL CARDENAL NICOLA ALBERGATI 1431-1432

Albergati era un monje cartujo de Bolonia que se convirtió en Obispo de esta ciudad en 1417 y en cardenal en 1426. En 1431 el Papa Martín V lo envió a Borgoña para mediar entre el rey de Inglaterra, el rey de Francia y el Duque de Borgoña. Felipe el Bueno encargó a Jan Van Eyck pintar su retrato.

El hombre del turbante rojo, 1433

HOMBRE CON CLAVEL 1435

Giovanni Arnolfini, rico comerciante italiano (oriundo de Lucca), afincado en Brujas hacia 1421. Desempeñó cargos de importancia en la corte de Felipe el Bueno, duque de Borgoña, a cuyo archiducado pertenecían entonces los Países Bajos.

RETRATO DE GIOVANNI ARNOLFINI 1435

Se trata de uno de los personajes importantes de la Corte de Felipe el Bueno, miembro del Toisón de Oro. Tiene un rostro tosco, ordinario, pero su vestimenta y el collar con el Toisón nos muestra su pertenencia a las clases dirigentes. Van Eyck nos retrata aquí a un personaje duro y poderoso.

BAUDOUIN DE LANNOY 1435

RETRATO DE JAN DE LEEUW 1436

Orfebre destacado del Gremio de trabajadores del oro en Brujas.

MARGARET VAN EYCK1439 

Progresiva captación de la realidad

Aparición de nuevas técnicas y temas

Aparición de una nueva clientela, la burguesía ciudadana, que, enriquecida por el comercio, la banca y la industria sustituye a la nobleza y al clero como principal comprador y promotor del arte.

APORTACIONES DE VAN EYCK Y DE LA ESCUELA FLAMENCA

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A partir de entonces esta exigencia excepcional en la historia del arte, será la máxima aspiración del Renacimiento y tradición fundamental de las artes plásticas de Europa hasta el siglo XX.

ESCUELA FLORENTINA: GIOTTOESCUELA FLAMENCA: VAN EYCK

Dos tradiciones pictóricas que tuvieron un desarrollo paralelo y autónomo

Precursores de la pintura moderna al haber conseguido representar la noción de espacio en una superficie plana

los florentinos a través de la forma, la línea y el volumen

los flamencos mediante la representación detallada de todo lo que nos rodea, la valoración del papel de la luz y el color

Con estos recursos buscaban la representación de la REALIDAD

“Los artistas meridionales de la generación de Van Eyck, los maestros florentinos del círculo de Brunelleschi, desarrollaron un método por medio del cual la naturaleza podía ser representada en un cuadro casi con científica exactitud. Comenzaron trazando el armazón de las líneas de la perspectiva y plasmaron sobre ellas el cuerpo humano mediante sus conocimientos de la anatomía y las leyes del escorzo. Van Eyck emprendió el camino opuesto. Logró la ilusión del natural añadiendo pacientemente un detalle tras otro hasta que todo el cuadro se convirtiera en una especie de espejo del mundo visible (…) Para llevar a cabo su propósito de sostener un espejo ante la realidad en todos sus detalles tuvo que perfeccionar la técnica de la pintura. (…) Lo que él consiguió fue una prescripción nueva para la preparación de los colores antes de ser colocados en la tabla” Gombrich: “Historia del Arte”