Post on 28-Aug-2018
Índice
Introducción
Capitulo 1. Principios del Diseño Gráfico
1.1 El Diseño Gráfico en la Antigüedad
1.2 La Barhaus Fuente Principal del Diseño Gráfico
1.3 El Diseño Editorial
1.4 El Diseño Gráfico en la Argentina
Capitulo 2. Diseño Fotográfico
2.1 Historia de la fotografía
2.2 La fotografía como diseño
2.3 La fotografía de moda
Capitulo 3. El diseño complementado con las fotografías
Capitulo 4. Revistas a la venta
4.1 El mensaje que se quiere transmitir
4.2 La publicidad para las revistas de moda
Capitulo 5. Análisis de Revistas de Moda Argentinas
5.1 Análisis de la revista Ohlala
5.2 Análisis de la revista Vanidades
5.3 Análisis de la revista Glamour
Conclusiones
Imágenes Seleccionadas
Lista de Referencias Bibliográficas
Bibliografía
Introducción
Hoy en día las maneras para lograr una comunicación entre las personas es algo que
esta al alcance de las manos de todos, en todo momento. Sin embargo, hay diferentes
tipos de comunicación. Cuando se quiere comunicar algo, se apela a diferentes
recursos que facilitan la manera de hacer llegar el mensaje que queremos transmitir.
El diseño gráfico tiene como principal objetivo comunicar. Es una actividad creativa y
técnica que consiste en transmitir ideas por medio de imágenes, en especial en libros,
carteles o revistas. Al ser una comunicación, es un proceso. En el cual debe haber un
emisor que transmita el mensaje hacia un receptor mediante un lenguaje que sea
común para ambos.
Se define al diseño editorial como la rama de diseño que se ocupa de la diagramación
de textos e imágenes que son incluidas en publicaciones. Estas imágenes son muy
importantes y logran complementarse con el diseño para llevar acabo lo que se
conoce como libros, periódicos o revistas.
Revistas. Aquellas que se encuentran en nuestros días, ya que nuestro país contiene
miles de kioscos de revistas que se multiplican por las calles de Buenos Aires. Una
revista es una publicación impresa que es editada de manera periódica, semanal o
mensual. Estas forman parte de los medios gráficos siendo un medio de
comunicación.
De esta base, el actual Proyecto de Graduación propone un análisis de la importancia
de la fotografía en el diseño editorial, centrándose en las revistas. Se plantea como
pregunta problema la siguiente duda ¿Puede llegar a existir una revista sin
fotografías?
Las fotografías hacen que la pieza editorial sea única, que tenga vida. Transmiten
conceptos, mensajes o simplemente logran reforzar una idea. Una fotografía bien
usada y de manera correcta para el mensaje que quiere transmitir, puede causar
mayor atención en el espectador, que el que puede llegar a transmitir un texto.
La fotografía disminuyo la necesidad de usar un texto. A la hora de comunicar, se
simplifica el mensaje. Si obtenemos una fotografía con texto, el mensaje se vuelve
más claro aun. Es esta razón por la cual el diseño grafico depende de la ayuda de la
fotografía y esta se apoya en su diseño para poder sostenerse y formar parte de una
pieza editorial.
El presente proyecto de graduación se inscribe dentro de la categoría de ensayo
vinculado al campo del Diseño Gráfico de la Facultad de Diseño y Comunicación de la
Universidad de Palermo. La razón por la cual este proyecto se encuentra en la
siguiente categoría es porque principalmente se centra en la escritura. Se cumple una
reflexión sobre el tema elegido, el autor logra aportar su visión desde el análisis a
llevar acabo de la importancia del diseño y de la fotografía en tres revistas elegidas. Al
ser un análisis, se necesita mucha creatividad reflexiva y se centra en la producción
escrita de esta misma, que eligiendo otra categoría no se podría realizar.
La línea temática en la que esta inscripto es medios y estrategias de comunicación, ya
que se analizara la manera en la que la fotografía logra vincularse con el diseño
gráfico y generar una comunicación visual que luego se transformara en una pieza
editorial. Esa revista, libro o periódico se convierte en un medio de comunicación, y el
cual tiene un mensaje a transmitir para cierto público.
El objetivo principal de este proyecto de graduación es el análisis del diseño grafico, y
la importancia de su vinculación con la fotografía dentro del ámbito editorial
centrándose en las revistas. Para llevar acabo el siguiente objetivo se elegirán tres
revistas dentro del área de moda, de industria argentina. En estas mismas, se
analizaran las fotografías que contienen, y el diseño que se vincula con las imágenes
y la pieza editorial en completo.
Los objetivos específicos que se encuentran en este proyecto son dar opinión acerca
si se le esta dando la importancia justa al diseño editorial o si la importancia la tiene la
fotografía. Se descifrara cual de los dos tiene mayor peso a la hora de diseñar una
revista de moda. Se analizara la manera en que las imágenes se logran
complementar junto al diseño, y este mismo se ajusta a la estructura que presenta una
foto. Una fotografía tiene mayor peso visual, y gran impacto que un texto. Sin
embargo, el texto en la fotografía la ayuda a que el mensaje se lea mas claro y lo
refuerza. Con la siguiente base de información se llevara a cabo el objetivo de
destacar cual de ellas es más importante a la hora de comunicar un mensaje.
Para el desarrollo del Proyecto de Graduación se tendrán en cuenta como herramienta
de apoyo, trabajos que fueron presentados por los alumnos de la Facultad de Diseño y
Comunicación de la Universidad de Palermo. Estos mismos logran obtener una base
de información para el tema a analizar. Se tomaron como referencia diez escritos
vinculados con el área de diseño grafico, la comunicación y la fotografía.
El primer proyecto que brinda información es de Hoepner, D. (2014) Tecnología de
Cambio. El impacto de la aparición de nuevas tecnologías en el proceso de diseño y
uso de revistas de moda. . Proyecto final de grado. Analiza el mensaje que se ofrece
hoy en día, el cual tiene como objetivo persuadir, llamar la atención y principalmente
ser leído. Habla acerca de la tecnología y el proceso de esta misma dentro del diseño
editorial. El mismo tiene un gran vínculo ya que se analizan las revistas de moda, al
igual que el proyecto a presentarse. Logra aportar gran información, ya que se
analizan las revistas desde otro punto de vista, y como el mensaje es el protagonista a
la hora de vender.
El trabajo de Álvarez Correa, C. (2014) ¿Lo visualizado es lo aprendido?, Influencia
tecnológica en los procesos pedagógicos ofrecidos por el diseño editorial. Proyecto
final de grado. El siguiente proyecto tiene como objetivo analizar la temática que se
presenta hoy en día en la gente. La obsesión de no poder mantenerse alejada de las
redes sociales ni un minuto. Pone en problemática a las estrategias de comunicación
de diagramación editorial que se verán afectas en un futuro para llevar todo su diseño
a la web. Se logra vincular con este proyecto de gradación porque brinda aportes a la
importancia de la actualidad en los diseños editoriales, y como esta tiene que sufrir
para ser transportada de manera virtual.
Se le dio importancia al trabajo de Sivori, S. (2013) La Fotografía Publicitaria. La
retorica al servicio del diseño de piezas graficas para el éxito comercial. Proyecto final
de grado. El objetivo del proyecto elegido es comprender la estructura que presenta la
imagen publicitaria, sus elementos y herramientas con las que cuenta el mismo
creativo a la hora de diseñar una pieza. El proyecto a realizar tiene un gran enfoque
en la comunicación de las imágenes, estas mismas son la fuente principal de la
publicidad. El proyecto del alumno logra vincularse con ese tema, y la importancia del
diseño de esa comunicación, que va a ser el éxito a que la publicidad transmita su
mensaje.
En relación al tema de estudio del presente trabajo se destaco el proyecto de
Siemenson, Alan. (2012) El futuro del papel. ¿Extinción o supervivencia? Proyecto
final de grado. Se plantea la problemática de la cantidad de publicaciones que afectan
la actualidad, como los libros periódicos o revistas. Siendo estos mismos los que mas
se encuentran afectados por las nuevas tendencias del diseño editorial y sus
modificaciones gracias al avance de la tecnología. Se logra vincular con el proyecto,
ya que se analizan las piezas editoriales y su diseño. El cuanto este se ve afectado por
las tecnologías, y se ve forzado a cambiarse, mientras que el diseño preparado para la
impresión sigue tomando lugar en el día de hoy.
Por su parte, Vulcano, F. (2014) Ilustración vs Fotografía, La ilustración como medio
para comunicar una marca de moda. Proyecto final de grado. Si bien el autor plantea
un análisis de la ilustración de la moda actual, logra compararla con la fotografía de
moda. Explica las características de una técnica que logra combinar la fotografía y la
ilustración para poder crear un nuevo estilo de imagen. En el cuarto capitulo de este
proyecto se realiza un análisis sobre la comunicación de moda, desde diferente puntos
de vista. Habla de la fotografía de moda en nuestra actualidad y realiza un análisis a
destacar de un fotógrafo internacional, Mario Testino. El mismo, es reconocido como
uno de los fotógrafos de moda mas conocidos y cuya obra se logra destacar en
importantes revistas. Se relaciona con la temática que se presenta en este trabajo por
el punto de relación de la fotografía de moda, y el análisis que se realiza de esta
misma.
El proyecto planteado por Nuñez. J. (2014) La fotografía intervenida. El uso y abuso
del Photoshop. Proyecto final de grado. El alumno plantea la temática de la
manipulación de la imagen mediante el programa conocido como Photoshop.
Herramienta principal de retoque digital utilizado en las fotografías publicitarias de
mujeres. En la fotografía publicitaria, como en la de moda, esta herramienta se
encuentra en constante uso, ya que su objetivo es cautivar al público. Se logra
relacionar con el proyecto ha realizar, ya que analiza la fotografía de moda y los
medios que se toman para lograr un mayor impacto en el receptor.
A su vez, Leveratto. G. (2012) La moda a través del lente. Fotografía de moda de la
década de los años 20. Proyecto final de grado. La autora plantea la temática que
surge de la fusión de dos temas principales, la fotografía de moda en relación con la
década de los años 20. Se realizo una intensa investigación en ambos temas, tiene
como objetivo que la creación del siguiente proyecto ayude a futuro a aquel lector que
se encuentre interesado en el tema, y que logre comprender cuales eran las
características de la década del siglo 20. Este proyecto tiene una gran vinculación con
el trabajo a realizar, ya que presenta profunda información acerca de la fotografía
moda, área de fotografía que fue elegida para relacionarse con el diseño editorial.
Se encuentra relación con el trabajo de Cereceda. D. (2010) Adictos Gráficos. Nuevos
métodos de comunicación en el lenguaje de la moda. Proyecto final de grado. El
siguiente ensayo plantea una reflexión acerca de la identidad del diseñador de moda
con respecto a su papel, como comunicador visual. Se plantea a la moda como una
manera capaz de transmitir un mensaje, su manera de funcionar como un medio de
comunicación. Este tema se relaciona con el trabajo desarrollado en el siguiente
proyecto, ya que se plantea el lenguaje de la moda, y la comunicación visual que la
moda transmite.
Se ha encontrado de gran interés el proyecto de Lennone. P. (2010) Lo importante de
lo gráfico editorial en las revistas especializadas. Proyecto final de grado. El trabajo
presenta una reflexión con respecto a las revistas especializadas. Se destaco este
tema a realizar ya que la autora tenía un gran interés por la temática editorial. Se
observo el mercado de las revistas, con relación a la masificación de la televisión e
internet. Se vincula con el siguiente proyecto ya que ambos tienen como punto de
interés al diseño editorial, y la importancia del mismo, pero sin embargo los dos
proyectos están analizados desde diferentes puntos de vista.
El ultimo proyecto ha destacar es de Manchado. M. (2014) Del papel al ipad. Un nuevo
diseño editorial. Proyecto final de grado. El siguiente ensayo trata el tema del uso de
tablets dentro del mercado editorial, y como el diseño editorial cambia para poder
formar parte de la web. Aporta gran información al proyecto ha analizar, ya que en el
primer capitulo habla acerca del diseño editorial impreso, dentro de estas impresiones
se encuentran las revistas. Medio grafico que se selecciono para examinar en el
trabajo a llevar acabo.
Como marco teórico se utilizaran diferentes autores ha destacar, El primer diseñador
gráfico ha destacar es Carson. Este gran diseñador es reconocido por su innovador
diseño de revistas, y su uso de tipografías experimentales. Fue el director de arte de la
revista Ray Gun, siendo el más influyente en la década de 1990. Carson es uno de los
diseñadores que realmente logran inspirar, sus diseños son únicos y logra tener otra
versión del diseño gráfico, por esta razón se selecciono como uno de los autores a
destacar para utilizar como base de información para el siguiente proyecto y su libro a
utilizar es Carson. D (1990). The End Of Print. Graphic Design David Carson.
El segundo autor que se selecciono fue Swann, quien dedico toda su vida profesional
al campo del arte visual y de diseño. Anteriormente fue Diseñador gráfico en
importantes periódicos y también director artístico de publicidad. Actualmente da
conferencias y escribe sobre temas relacionados con el diseño. Contiene tres últimos
libros que forman parte del Manual del Diseño. Para el siguiente proyecto se utilizara
Swann. A (1990). Bases del Diseño Gráfico. Este libro es de gran aporte para el
trabajo ya que de aquí se logra obtener la mayor información acerca de lo que es el
diseño y como su diseñador se enfrenta a la tarea de diseñar.
El tercer autor ha destacar para analizar su información en el siguiente proyecto es
Satué E. (1938). Diseñador español. Trabaja de diseñador gráfico en libros y revistas.
Ha publicado diversos libros relacionados con el Diseño Gráfico Uno de esos libros va
a ser de gran aporte para la historia del capitulo uno del siguiente proyecto. Satué E.
(1938).El Diseño Gráfico. Desde los Orígenes a Nuestros Días. Este libro va ser la
base de lo que se vera a continuación al empezar a leer el trabajo, ya que contiene
toda la información de manera sumamente detallada de toda historia y evolución del
diseño grafico, incluyendo el diseño editorial.
La fotografía de moda es nuestro tema a desarrollar y analizar. Es por esta razón que
para tener la imagen perfecta, debemos contar con el fotógrafo perfecto. Se eligió a
uno de los más importantes fotógrafos de moda de importantes revistas, que aporta su
visión a lo que sus ojos ven como fotografía editorial. Mario Testino, uno de los
fotógrafos peruanos más importantes y reconocidos del mundo de la moda. Trabajo
con todas las grandes revistas retratando a miles de figuras del espectáculo. Sus
fotografías tiene estilo propio y logran hablar por si mismas.
El siguiente proyecto de graduación contiene un total de cinco capítulos. En el primer
capitulo se mostrara el concepto del diseño grafico y su importancia en el campo
editorial. Se seguirá analizando con un segundo capitulo donde la fotografía tomara el
lugar. Se presentara la fotografía de moda, su evolución, su importancia y se
presentaran las características que requiere tener una fotografía para formar parte de
una pieza editorial.
El proyecto continuara con un tercer capitulo donde se llevara acabo un análisis de
como se logran complementar el diseño con las imágenes. Se destacara la manera en
la cual una complementa a la otra. Pueden funcionar por separado pero en este
capitulo se las tendrá en cuenta como una sola pieza.
Siguiendo con el desarrollo del proyecto se analizara la comunicación que estas
logran. En como el mensaje que se quiere transmitir es mas claro cuando se presenta
por medio de imágenes y texto. Se analizara la publicidad y los mensajes a transmitir
en las revistas de moda. Los objetivos que estas mismas presentan, destacándose por
medios de las fotografías. Como se logran vender estas revistas.
En el quinto y ultimo capitulo, se analizaran tres revistas de moda elegidas. Se tendrá
en cuenta cada fotografía, y como el diseño acompaña a estas mismas. A la hora de
estudiarlas se tendrán en cuenta todos los conocimientos adquiridos en los capítulos
anteriores y como estos logran complementarse para formar una perfecta pieza
editorial.
Capitulo 1. Principios del Diseño Grafico
En el siguiente primer capitulo ha desarrollar se introducirá al lector en los significados
del Diseño y el Diseño Grafico. Luego se marcara una reseña historia marcando
momentos del mismo como es la historia del Barhaus. Escuela que marca un giro
constante en el Diseño Grafico, así como también abarcando temas como el Diseño
Editorial y la importancia del mismo a lo largo de las épocas marcando su evolución.
¿Qué es el diseño?, Es importante tener en cuenta la respuesta a la siguiente
pregunta para poder entender mejor el proyecto. Un diseñador tiene como principal
objetivo resolver problemas de comunicación relativos a productos, conceptos,
imágenes e incluso organizaciones. Este mismo debe lograr hacerlo de una manera
original y precisa.
Como destaca Alan Swann ¨La base del diseño es la conjunción de diversos
elementos en una misma área con objeto de lograr una interacción que transmitirá un
mensaje dentro de un contexto determinado¨ (1990, p 7) Para lograr que el receptor
reciba de manera compleja el mensaje a comunicar se modificaran los elementos que
se utilizan dentro de la mesa de del área del diseño. Estos elementos que conforman
el trabajo serán palabras, fotografías, ilustraciones e imágenes graficas. Todos
combinados con una fuerza controlada entre si que se basa en blanco y negro o en
diferentes gama de colores.
El primer desafío de todo diseñador siempre va a hacer poder volcar en aquella hoja
en blanco lo que contiene en la mente. A veces es muy difícil este proceso, ya que uno
no siempre logra hacer exactamente visible lo que si esta en sus pensamientos. Aun
así, el diseñador tendrá que armarse de todas las herramientas posibles para poder
llevar a cabo esta actividad, y tener como resultado la pieza grafica real que vio,
previamente en su cabeza. Un diseñador debe comprender e identificar el espacio y
las formulas que aplicara para la colocación de los elementos dentro de este mismo.
Según Alan Swann, antes de cualquier trabajo de diseño grafico, la primera
consideración a realizar, es tener una comprensión sumamente detallada de la tarea
que se tiene entre manos a elaborar. Este objetivo se logra mediante lo que se conoce
como una Agenda de Diseño. Esta Agenda va a estar repleta de ideas e información
que son un fuente de herramientas para el diseñador que le facilitaran a realizar su
trabajo con aun mas facilidad. Swann afirma ¨El diseñador debe ser tenaz, persistente
e incansable en su disposición a experimentar¨. (1990, p 7)
En el momento del proceso del diseño, el autor de la obra tendrá que decidir que
elementos son esenciales o creativamente deseables, como componentes del mismo
trabajo. Muchas de las mejores obras ideadas son aquellas que contienen en su
campo visual, gracias a la plena utilización, visual y creativa de un número limitado de
elementos de diseño. Más es Menos. Nunca hay que utilizar mas elementos porque si,
siempre hay que examinar y justificar el porque se encuentran ahí, justificar su aporte
al trabajo.
¨La finalidad del Diseño Gráfico es transmitir ideas, mensajes y afirmaciones visuales y
en ocasiones, estética pura¨ (1990, p 63) El diseño se desarrolla alrededor de la venta,
en generar un mensaje visual que pueda persuadir al receptor, que logre llamar la
mayor atención posible del mismo. Se centra en la promoción de un producto o un
servicio a vender. Hoy en día la competencia entre productos es cada vez mayor, por
esta razón se trata de lograr el mejor diseño posible para captar más las miradas de
todos aquellos seguidores del producto, para mantener su presencia y convocar a
nuevos seguidores. Al ser un diseñador grafico se deben tomar ciertas decisiones,
pero esta será siempre subjetiva, nunca errónea. Se debe realizar lo que es mejor
para el cliente y que lo ayude al máximo en su beneficio. Por este motivo, un buen
diseñador siempre tiene que tener más de una opción a realizar. Así lograra satisfacer
las necesidades que el cliente quiere, y lo dejara con una gran sonrisa.
1.1 El Diseño Gráfico en la Antigüedad
Cualquier pretensión historiográfica con respecto al Diseño Gráfico debe centrarse en
la relación de los medios que se utilizaron en su desarrollo y del efecto que estos
mismos provocaron. Se destaca que a veces se trata de medio a la información visual
que se presenta como el único causante de la comunicación. Es decir, desde el siglo
XV el diseño gráfico ha sido condicionado por el mismo proceso de la evolución de lo
que se conoce como tecnología. Esta misma es lo que llevo a elaborar los distintos
procesos de impresión. Base de poder para el Diseño Gráfico. Antes de la aparición de
cada etapa histórico cultural se destaco en poder lograr su propia estética sistemática
con el objetivo de informar, persuadir o convencer de una manera adecuada a sus
propósitos ayudándose con distintos medios dependiendo de la dimensión y
complejidad de las masas receptoras.
La evolución tecnológica, conocida como el Arte de Imprimir y la aplicación de los
grupos receptores se inicio a mediados del siglo XV, momento en el cual se desarrollo
la Revolución Industrial. Esta industria tomo conciencia de la utilidad del diseñador
gráfico como un Agente Embellecedor. El diseño, asienta sus pies sobre los dominios
de la escritura y de la imagen, lo cual hace que forme parte de la historia del arte, así
como también a la de la escritura.
Se considera a las formas visuales establecidas antes del Renacimiento como fieles
antecedentes históricos de lo que hoy se conoce como diseño grafico. Se destaca
según Satué como ¨ Un lenguaje de figuras o signos mínimamente convencionales, al
servicio de una necesidad informativa intencionada, ya fuera política, religiosa,
comercial o cultural¨ (1992, p 12)
Diferenciando la idea de lo que hoy entendemos como diseño grafico en su medio de
producción más común, la industria de la impresión, se centra en las etapas anteriores
y el descubrimiento de la tipografía. El acto de poder proyectar imágenes de manera
simbólica atreves de procedimientos de repetición o multiplicación. La disciplina
tipológica griega es la que lleva a cabo ciertos puntos. Lo demuestra por medio de la
repetición de los modelos arquitectónicos que toman como modelo canónico la
relación proporcional y simétrica del cuerpo humano. De esta manera la escritura
desde sus principios primitivos hasta la aparición del alfabeto fenicio, centrándose
alrededor del año 150 antes de nuestra era, fue reconocido como un sistema de
comunicación altamente selectivo.
Una de sus mayores aplicaciones con intenciones estéticas se encuentra en el libro.
Estos mismos escritos a mano contenían una composición de diseño dentro de ellos,
en lo que se indica en la información que contenían en una composición de bloques
caligráficos y la armonía de los signos entre estos mismos.
Sin embargo, donde la escritura alcanzaba mayores niveles se encuentra en lo que se
conoce como epigrafía. Esta misma se añade al diseño de la letra y a su tipología.
Quiere decir la belleza del diseño del tipo, la relación de las formas y la proporción
entre las letras, la alineación de estas mismas, el espaciado, la interlinea y la armonía
en composición del bloque de texto. Logran en su unión articular una sintaxis de
manera formal y expresiva, de manera solida. Podemos concluir que sin duda el
antecedente mas importante del diseño tipográfico es la escritura lapidaria griega. Esta
razón se destaca ya que para lograr la tipografía adecuada sobre papiros se debía
recurrir previamente a un boceto.
El gran diseñador Gráfico Jan Tschichold proclamo la columna de Trajano como el
mejor catalogo de letras existentes. Durante el mandato del emperador romano
Trajano se presento una inscripción grabada en piedra de mármol con una tipografía
que se destacaba por su belleza, armonía y claridad. Este mismo fue calificado como
el prototipo perfecto de la tipografía que fue desarrollada hasta hoy en día en el mundo
occidental. Por el siguiente suceso todo lo que reconoce como el diseño tipográfico
desde el siglo XV hasta hoy tuvo de base esta inscripción para las creaciones de todos
los caracteres agrupados bajo la familia tipográfica que se reconoce como romana. La
otra gran rama de la tipografía se encuentra en las que son de palo seco, pero esta
misma no se produjo hasta la segunda década del siglo XX. Luego de cierto tiempo
los romanos introdujeron la cursiva, como la base de la minúscula.
Durante el siglo XV, y a lo largo de todo el Renacimiento se destaca la disciplina
editorial, en ella el libro. Este fue una de las mayores maneras de transmitir
información en la cultura occidental. Dentro de los primeros 50 años el libro logra
destacarse consiguiendo un valor de absoluta plenitud.
Alrededor del año 1440 se inventa en Alemania un nuevo procedimiento de impresión
a base de tipos móviles, intercambiables y reutilizables que logro una gran revolución
a lo que se conocía como la escritura manuscrita.
Se empiezan a tener en cuenta la perspectiva, la proporción, el orden, las relaciones
armónicas y simétricas, como la geometría. Temas que se destacan hoy en día en el
Diseño Gráfico.
Volviendo a la gran invención de Alemania se destaca ya que se encuentra
estructurado con el conjunto de piezas que se combinan entre si, y que contienen
operaciones exactamente proporcionales, modulares y armónicas. Las piezas que
contienen las pequeñas letras logran encajar unas a otras así como todo el resto del
material tipográfico. Todas juntas dan como resultado geométrico final una forma que
será rectangular o cuadrada, dependiendo del marco de cada prensa que se inserte en
un solo bloque en la platina que determina el molde que se imprimirá.
El libro en sus principios conservo las características principales que contenían los
manuscritos, hasta que se fue inspeccionando en las diferentes maneras de
encuadernación con las que el libro impreso adquirió una entidad mucho más formal,
totalmente distinta al modelo histórico tradicional que era.
Los libros que eran ilustrados se presentaban en blanco y negro, era coloreado a
mano posteriormente por los iluminadores de manuscritos.
Se puede sintetizar aclarando que la técnica tipográfica se logra reducir a dos
elementos fundamentales, los tipos móviles y la prensa de imprimir.
Los primeros libros creados por Gutemberg no llegaban a conseguir las características
viejas y el objetivo que se lograba anteriormente, en donde se encontraban dos
bloques de columnas por página. Estas características se logran ver progresar en la
edición de la famosa Biblia de 42 líneas, la cual fue editada entre 1452 y 1455 en
Mainz, donde Gutemberg era el que corregía los espacios entre líneas de los primeros
libros impresos.
En Italia el diseño del libro impreso es introducido en un tiempo en el que las formas
visuales eran reconsideradas por un análisis racionalizador que el Renacimiento
proponía. Tan incondicional fue el apoyo para la producción de los libros que Venecia
en tan solo 30 años, fue considerada como el mayor centro impresor de Europa
conteniendo cerca de 200 talleres tipográficos.
Dentro del ámbito Tipográfico se debe destacar según Satué al diseñador francés
Nicolas Jenson. Mientras Gutember ayudaba a realizar las ediciones de la Biblia,
Jenson, el cual es grabador, tipógrafo y editor, no solo diseño sino que también fundió
un tipo conocido como Jenson, el cual ha sido comercializado hasta el siglo XX. Para
lograr su excelente trabajo se baso en la inscripción prototípica de la columna Trajena,
anteriormente mencionada en este proyecto. Se baso en la letra mayúscula y de la
carolingia para la minúscula creando un nuevo tipo de letra romana con una altísima
claridad, tanto en una sola letra, como en toda su composición.
¨Jenson representa el origen de una actitud estética y racional en el tratamiento de la
pagina impresa¨ (1992, p 37) Desde Gutemberg hasta Jenson se aumento la
perfección de conseguir en el producto la estética perfecta para la impresión del
mismo. No solo de impreso visualmente sugestivo, sino de técnica intacta y
filosóficamente armónico. Estas características llevaron a impresores, grabadores e
incluso editores a perfeccionar un producto que iba a alcanzar en Italia una
importancia extraordinaria.
Durante el Humanismo Renacentista se logro algo que no se habia logrado
previamente. Se considero la presencia de una armonía en relación entre el diseñador,
el grabador de tipos, el tipógrafo, el impresor, el encuadernador y el editor.
Aldo Manuzio es otro filósofo a destacar para la siguiente etapa. Este señor, yerno de
Jenson, edito los clásicos griegos y latinos con una calidad formal a destacar. Con
este mismo hombre nació la tipografía que se conoce como cursiva o inclinada a la
que hoy en día en el hablando gráficamente se conoce como itálica. Su autor destaco
que la creo para poder ahorrar espacios, ya que es mucho mas estrecha que la
tipografía original. Al ser mas estrecha, lograba entrar más espacios impresos sobre el
papel dentro del bloque. Con esta información se concluye que la especialidad del
Diseño Grafico no queda concluida hasta la segunda época de la Barhaus, casi
quintos años mas tarde.
1.2 La Barhaus fuente principal del Diseño Grafico
Bauhaus fue la responsable del mayor cambio que sufrió el diseño grafico, así como el
industrial y la arquitectura dentro de la década de los años veinte donde el diseño va a
sufrir varios cambios. Para poder entender estos cambios se debe recordar que en
Europa la renovación del diseño se produjo en los campus del diseño tipográfico y en
la evolución y la aplicación de la fotografía como un medio de representación en la
comunicación de carácter publicitario. Se destaca en esta gran etapa a Gropius, quien
pertenece al grupo de intelectuales. Tenia como objetivo establecer un contacto con la
producción industrial y así formar jóvenes en el ámbito de trabajo manual y mecánico.
Estos mismos luego pasaron a ser los objetivos a cumplir que proponía la Barhaus.
Para lograrlo Walter Gropius reúne a un increíble plantel de personalidades artísticas a
destacar para que formen parte como profesores de la escuela.
Como primer objetivo de Gropius, de aplicar el arte a la producción industrial y de esta
manera al consumo, el diseño grafico pasó a destacarse y a ocupar un lugar esencial
en el marco de la escuela. Durante la primer etapa de la Barhaus, y hasta la
incorporación en 1923 de Moholy-Nagy, el diseño grafico no se destacaba como una
asignatura. El húngaro Moholy-Nagy es un artística teórico y experimental, muy
vanguardista cuya importancia altera de manera impactante la estructura de la
Barhaus. Lo que destaco la escuela con la llegada de esta persona es que se tuvieron
en cuenta a destacar todos los errores que se presentaban en la tipografía hasta ese
momento. Por este motivo lo que realizo la Barhaus fue resolver todos lo problemas
que ellos habían encontrado. El mismo lo afirmo con sus propias palabras diciendo ¨La
Bauhaus ha profundizado todos los problemas que conciernen a la tipografía y ha
reconocido justas las argumentaciones aducidas en favor de la escritura unitaria¨
(1992, p 152)
La Barhaus desarrollo ciertos proyectos probando diferentes aspectos para solucionar
los problemas de las tipografías. Muchos de ellos, fueron intentos fallidos, hasta el que
acertaría Paul Renner, creando el alfabeto bajo el nombre de Futura. Este mismo
alfabeto esta basado en los origines del alfabeto griego. El papel que jugo esta
tipografía abrió puertas para que la tipografía tuviera un cierto cambio. Fue cuando
Kurt Schwitters uno de los grandes miembros del movimiento del Dadaísmo, diseño un
1927 un alfabeto fonético, en el cual había una mezcla importante entre mayúsculas y
minúsculas. El resultado de este mismo se definió como caótico, aun así era uno de
los alfabetos mas atractivos para observar gráficamente.
La fotografía se destaca en este proyecto de graduación, es así como también se logro
destacar y tuvo su cierta importancia dentro de la Barhaus. Tras todo lo que fue la
revolución grafica lograda por la fotografía y la tipografía, se han convertido en los
tipos de lenguajes de comunicación visual en ese momento. Eran utilizados ambos por
la escuela como el exponente visible que mostraba toda forma de renovación y
modernización de la grafica publicitaria.
Se conoce al movimiento denominado La Nueva Fotografía que se destaco en 1927,
llevo como cabeza a profesores de la Barhaus, especialmente con la participación del
propio Moholy-Nagy. Lo que el mismo proponía era la manera de poner obtener una
fotografía en ausencia del uso de un lente, la fidelidad al negativo. El veía a La
fotografía como un instrumento técnico y mecánico de ilimitadas posibilidades.
Este mismo autor siguió logrando varias características que aportaron gran
importancia a la evolución de la tipografía. En 1929 publico un artículo en una revista
editada, donde destaco sus pensamientos con respecto a las letras. Dentro de estos
aspectos se destacan algunos. ¨Se empezó a tener en cuenta el hecho de que la
forma, formato, color y disposición de los materiales tipográficos, siendo letras y signos
poseen una gran eficiencia visual¨. (1992, p 157)
El mismo sabía que la introducción de la fotografía en los carteles de vía publicitaria
iban a causar otro impacto, que las tipografías solas no podían causar. ¨La inclusión
de la Fotografía en el diseño de carteles traerá consigo un cambio radical¨ (1992, p
158) Decía que un cartel debía transmitir todos los puntos básicos que tenia una idea,
el futuro dependía de la fotografía y de sus usos de técnicas de retoque para
proporcionar un mensaje con más claridad. Dentro de estos retoques se podrían
destacar negativo, sobreimpresión, distorsión, ampliación, entre otros.
Se puede concluir que los dos recursos con mayor importancia del nuevo arte del
cartel son, la fotografía, esta misma ofrece amplios y poderosos métodos de
comunicación al tan solo verla. El segundo recurso va a ser la Tipografía donde al
tener esta variaciones en su composición llamara mas la atención con el uso del color.
Se puede analizar que la Barhaus fue una de las escuelas que marco al Diseño
Grafico. Fue algo que lograron muchos diseñadores juntos, aportando sus ideas y su
visión, ese aporte es hoy en día gran parte de todo lo que nosotros destacamos del
Diseño Gráfico. Con las propias palabras de Gropius se puede comprobar. ¨El
individuo aislado n puede lograr ese objetivo, solo en la colaboración de muchos
puede hallarse la solución que, por encima de lo individual, conserva validez a través
de los años¨(1992, p 164) La Barhaus constituyo el parámetro de toda escuela que
sea de arquitectura, diseño industrial y diseño grafico. Lo que logro la escuela fue
ordenar una actividad que estaba desordenada, descubrieron lo mejor de ella y la
hicieron brotar en su mayor esplendor haciéndola y convirtiéndola en una actividad
totalmente profesional y de manera especifica.
1.3 El Diseño Editorial
La creatividad Norteamericana no se destaca precisamente en el libro. La mayoría de
los diseñadores grafico o ilustradores han brindado su tiempo ha realizar ediciones
especiales o diseños de cubierta, donde los libros de consumo siempre se
mantuvieron como productos gráficos convencionales.
Los americanos lograron hacer algo que los europeos no podían lograr. Estos mismos
lograron que revista se convirtiera en un producto de consumo de masas con un nivel
de exigencia estética elevado y un planteamiento grafico sumamente audaz.
Si se tendría que elegir un referente que sea bueno o malo en esa época de todas las
publicaciones editadas entre los treinta y sesenta, la revista Life se toma como
referencia. Esta misma ofrece extremos, desde adictos a la droga hasta monstruos
prehistóricos. La próxima página es siempre impredecible, uno nunca sabe con que se
puede llegar a encontrar. El éxito de esta revista sugiere que ¨El ojo absorbe la pagina
como un todo¨ (1992, p 290). Se dice que no solo la pagina, sino que toda la revista en
si se convierte en una Gestald única en la cual la relación parece viviente.
La revista Life es un clave símbolo de que el diseño en una revista no es un elemento
de venta. En total competencia a esta se encuentra la revista Look , esta contaba con
el mejor grupo de diseñadores de ese momento. Esta gran revista estaba en manos de
Haurtburt, quien confiesa no haber utilizado la retícula para la creación de su
estructura. La retícula es la que permite facilitar la composición de la revista, es la que
logra estructurarla. Sin embargo el autor no tenia la misma visión para esta, ya que
decía que si la utilizaba le quitaba rapidez y libertad a la hora de diseñar.
Equire fue una de las revistas que se destaco como una de las más interesantes por
su diseño dentro de los años cincuenta y sesenta. Henry Wolf estaba a la cabeza
como director artístico, quien se unió a su creador George Lois. Wolf sintió que la
primera vez que se encontró con la revista esta misma se destacaba por ser única y
decía que había marcado su mente ya que tenia una identificación automática entre
todas, le aportaba felicidad y energía.
Mientras Wolf se encontraba al mando de Equire utilizo una superficie que se destaca
por su impreso, el cual estaba hecho en un lujoso papel estucado. Se destaco por
manejar una mezcla de creatividad y de conocimiento que dejaba pasos a marcar.
Se produjo una gran competencia entre todas las revistas que existían para ese
entonces. Donde la importancia por tener más seguidores era el gran objetivo. No se
podía aceptar el hecho de perder ninguno, es por esta razón que durante ese tiempo
todos los autores dedicaban su atención al diseño grafico.
Para lograr una mayor atención, a este grupo de grandes diseñadores se les sumo
una gran cantidad de fotógrafos e ilustradores cuya obra le aporto una objetiva calidad
a las publicaciones. Muchas de las revistas se convirtieron en fuente de las fotografías.
Estas mismas eran las que atraían a los seguidores. La fotografía que se encontraba
en cada publicación era la que determina la línea temática que la revista seguía. Se
puede entender mejor lo explicado dando ejemplos. Una de las revistas a destacar es
la National Geographic, la cual por su fotografía se convirtió en un gran documento de
consulta y archivo de los profesionales de la estética comercial. Del mismo Estilo se
pueden destacar la Playboy, Fortune, Sports Ilustrated, Seventeen entre otras.
Dos factores que contribuyeron a la renovación de la grafica editorial fueron la
tipografía suiza y el Cinemascope. Por la vía de la tipografía se dio paso a la retícula
estructural, se dio paso a la imaginación de los diseñadores gráficos e ilustradores del
momento.
La renovación tipográfica, y la fantasía de los diseñadores e ilustradores fueron los
que llevaron acabo la cuestiones del espacio en las paginas de cada revista. Donde la
retícula era la protagonista, regulando la estructura de manera modular, dándole
armonización y equilibrio a la composición. Composición que estaba construida por
medio de tipografía, ilustraciones o fotografía y espacios blancos. Fue la gran calidad
de los fotógrafos americanos comerciantes, publicitarios o de modas los que aportaron
en gran medida a dignificar un producto cuyo trazado grafico no es del todo
beneficioso.
Como ejemplar de lo destacado se toma como ejemplo a la revista Vogue se centra en
la fuerte personalidad del fotógrafo Richard Avedon. Este mismo logro marcarla como
una gran publicación por sus fotografías mas allá de su diseño grafico y de su
compaginación. Se destacan la habilidad que tenia para manejar las zonas de luz y
sombras, la manera en que sus fotografías se caracterizaba por la sobriedad personal
que aportaban sus fondos, la calidad de blanco y negro que presentaban. Siempre
sorprendía al modelo con actitudes inéditas, sacando algo de ellos mismos en cada
retrato. Estas características son aquellas que marcan la singularidad de las
fotografías de un fotógrafo comercial que ha marcado una gran huella en generaciones
de todo el mundo.
Al lado de Avedon, varios profesionales se han destacado y han situado a la fotografía
comercial y periodística de los estados unidos a la cabeza del Rankin de manera
mundial.
En el influyente campo de la moda se encuentra la revista Vogue la cual mantiene el
mismo diseño grafico desde sus orígenes. Aun así su diversificación en sucesivas y
autónomas ediciones, teniendo americana, inglesa, australiana, francesa, italiana y
española. El diseño entre ellas es familiar, eso hace que se unifiquen. Obtiene
brillantes diseñadores que hacen que sea una de las revistas más especiales. Uno de
ellos es Roman Cieslewicz, este le aporta a la publicación su diseño que hace que sea
una fuente de identidad. Roman no fue el único en hacer historia, lo acompaño Alexey
Brodovitch, director artístico de la Harper´s Bazaar. Este hizo época como también lo
hicieron las revistas Time y Life, pero estas sobresalieron por su acierto temático y
periodístico mas que por su destacado diseño.
Los productos de los años setenta son más efímeros en la consideración con respecto
al público. Se tenía un publico caprichoso, se hablaba de un exceso de diseño, de
desmerecía el producto editorial, que empezaba a parecerse a un folleto publicitario.
Parecen mucho más efímeras en los años ochenta, donde no solo se creaban
lenguajes propios, obtenidos atreves de la fotocomposición como por ejemplo The
Face revista británica con Neville Brody donde se recrea el protagonismo de la imagen
y el gran formato. Algo que logro mediante Andy Warhol al crear Interview.
La manera científica de todos estos valores históricos encontrados en el diseño de las
revistas se debe a la previa elaboración de la estructura reticular. Esta predetermina y
subdivide el espacio. Se define el tamaño tipo de las columnas de texto, así como el
de las fotografías o ilustraciones y la relación de blancos entre unas y otras.
A diferencia de las revistas en el campo de la prensa diaria, la intervención de un
diseñador grafico es mucho más escasa, por la problemática especifica que tiene el
medio. La metodología que tiene un diario en su estructura se impone por la urgencia
y por esta razón el diseñador no suele hacer mas allá de una retícula minuciosa.
Muchos diarios a lo largo de la historia han tratado de cambiar su estructura para
lograr un diseño más efectivo y con un campo visual de alto impacto. Característica
que logro el diario The New York Times, en algunas de sus secciones.
1.4 El Diseño Gráfico en la Argentina
Se podría afirmar que no es tan clara y de mayor nivel la influencia que aporta
Argentina hacia otros países del continente. Aun así la coherencia cubana en la
ornamentación de las cajas de tabaco, es lo que se transforma en Argentina como una
constante y renovación. Se puede decir que el diseño grafico contemporáneo no lo
desempeña ni México, ni Argentina, sino Brasil. Un país que se convirtió en el líder
vanguardista, proporciono la enseñanza del Diseño Gráfico a nivel universitario, en
1963. Esto le proporciono poner en marcha a mecanismos pedagógicos y críticos para
ser llamado como un país como un puro profesionalismo y esperanzador.
Retomando al Diseño Grafico en nuestro País. En 1705, en la provincia de Misiones
dio su aparición un libro del padre Nieremberg que se titulaba La diferencia entre lo
temporal y lo eterno. Este libro forma parte de la primera realización del arte grafico en
suelo argentino.
Se tuvo que realizar la invención de los tipos móviles, correspondientes a los fonemas,
de manera que se los tallo, y fundió y se compusieron para el fin de imprimir en una
prensa el libro que el mismo autor había construido la forma de impresión. Una vez
realizado los tipos móviles se pudo imprimir el libro titulado La Biblia de Gutemberg de
América Latina.
En 1801 dio su aparición el primer periódico Argentino. El Telégrafo Mercantil. En 1833
aparecen en Buenos Aires unos dibujos de plumas litográficos producidos por un
equipo de resonancias francesas.
El cambio del siglo es el que provoca la aspiración argentina por formar parte al
conjunto de naciones modernas y al cultivo dentro de las actividades artísticas. Entre
ellas se destaca el Diseño Gráfico. Luego del gran desfile de carteles publicitarios en
Europa, Argentina organiza por primera vez lo que se conoció como la primer
exposición universal de Carteles Comerciales.
Se destaco la industria de cigarrillos, realizada por Manuel Malagrida, quien era un
catalán que se estableció en Buenos Aires, con motivo a la gran inmigración española.
Malagrida convoco a un concurso de carteles para mostrar la marca Paris. Concurso
que se realizo en 1900, y tuvo mayor éxito. En este mismo concurso se obtuvieron tan
solo 31 fallidos entre los 555 concursantes. Por esta razón este concurso se ubica
entre los más importantes de la historia del cartel comercial.
El instituto Torcuato Di Tella, se fundo en 1958 en un honor a un ingeniero que creía
profundamente en la virtualidad de Argentina. Los diversos estudios se centran en
bellas artes, música, medicina, ciencias sociales y economía. Disponen también de
biblioteca, como de casa editora y un gran servicio de becas. ¨ Todas estas áreas,
dirigidas por especialistas de prestigio, sienten la necesidad de dar un nivel a los
trabajos de diseño gráfico que precisan, no solo desde su servicio funcional, sino
también como representación de un diseño vanguardista¨ (1992, p 420)
Juan Carlos Distefáno, quien logro sus estudios en la Escuela Industrial de Artes
Gráficas y en la Academia de Bellas Artes, perfeccionando sus conocimientos en Italia,
es el maestro de la imagen gráfica del Instituto.
Fue el director del Centro De Diseño Gráfico del Instituto entre otros puestos
importantes. Se sabía que en esa época no existía escuelas que enseñaran diseño,
por esta razón se encontraban dificultades de poder encontrar un buen diseñador
grafico que fuera argentino. Encontramos a Ronald Shakespear. Un sociólogo que
puede estar en la base de la enorme estructura de dificultad que obtiene un
profesional del diseño grafico argentino.
En los años sesenta Argentina era la primera potencia de América Latina en lo que
destaca la edición de libros y otros tipos de materiales de lectura. Conociéndose como
diarios, en el cual el que conocemos como Clarín se destacaba, por su gran tirada,
postulándose a la cabeza de todos los periódicos impresos en castellano de todo el
mundo y la conocida revista Billiken, la cual llegaba con gran éxito a España.
Al centrarse en las ilustraciones del diseño de cubiertas e ilustraciones que estas
contienen de libros hubo la gran posibilidad de establecer una tendencia. Muchos de
los profesionales europeos que emigraron a Argentina luego de la segunda guerra
mundial contribuyeron en ella una base fija y llena de excelencias por donde poder a
desarrollar ciertas identidades editoriales. El diseño editorial de los años setenta se
recuerda con firmeza, ya que se estableció la edición argentina, dando nacimiento a
varias editoriales conocidas como Losada, Nueva Visión y Ediciones Infinito.
Fue asi como la Argentina gracias a ciertas personalidades logro desarrollar el Diseño
Gráfico y destacarse en ello.
En conclusión del primer capitulo del siguiente Proyecto de Graduación, se tiene ahora
una mayor visión de la historia del Diseño. Tomando herramientas de gran
conocimiento para poder entender aun mas con mas detalle los siguientes capítulos
del mismo trabajo. La historia, es un proceso una evolución. Lo que hoy conocemos
como Diseño Grafico o Diseño Editorial es un reflejo de todos aquellos momentos de
su principio y se sabe que en todo momento se esta haciendo historia. La tecnología
va avanzando cada día mas, dando pasos y creando un nuevo Diseño Grafico.
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